"Ao sair / do avião": séries com avião para não ter saudade de avião

Ao que tudo indica ainda vai demorar para a gente embarcar num avião de novo. Tem quem diga que, quando a situação se normalizar (seja lá o que isso signifique), o normal vai ser chegar quatro horas antes para embarcar. Outros dizem que isso é um exagero. E em suma: ninguém sabe direito o que vai acontecer com os preços, já que a princípio os aviões não podem ser totalmente ocupados por enquanto (por causa do distanciamento social) mas o preço do petróleo caiu bastante. Uma reportagem do site da CNN trata do assunto.

No objetivo de apaziguar um pouco o desejo de andar de avião (na verdade o desejo de viajar, né), resolvi falar de séries que estou assistindo (ou já assisti) e que apresentam o avião como um lugar de insegurança, perigo, tragédia. Para com essas ideias de andar de avião, menina! Kkkkkkkkkkk!

O avião é um não-lugar: enquanto está no ar, existe em si mesmo, um trambolho pesadíssimo no meio do céu, uma comunidade isolada onde laços não são formados porque, afinal, ninguém quer formar laços em um não-lugar; todo mundo quer pertencer a algum lugar de verdade e não a um ambiente onde só vamos passar um tempo determinado. O avião é um meio para chegarmos ao nosso objetivo (um deslocamento mais rápido), mas para a maioria que tem a po$$ibilidade de andar em um, é um privilégio incômodo de comida ruim, aperto, câimbra, inchaço, dor no pescoço, desidratação. A menos que você viaje de executiva ou de primeira, né, fia? Aí, bem, só me resta dizer parabéns. Quanto a nós, é um sacrifício para chegar ao paraíso. Rumo ao sonho? Vejamos…

Manifest - O Mistério do Vôo 828

Atualmente na Globo e também no Globoplay

Misture Lost com The 4400. Só que acrescente interpretações ruins, efeitos cafonas, subtextos cristãos. Pronto: você tem Manifest, a série péssima que deixou todo mundo viciado. Caso você ainda não tenha entrado em contato com essa droga e quer ficar de boa, nem chegue perto. Acontece que a Globo decidiu colocar Manifest no ar bem naquele momento que a gente tava fissurado em BBB20, logo depois de uma terça, dia de eliminação. Resultado: deixamos a TV ligada, ainda refletindo sobre a votação e… pronto, caímos nessa trama dublada com a profundidade de um pires.

A história: um avião que sairia da Jamaica para os EUA tem overbooking e a companhia oferece dinheiro para pessoas pegarem o próximo. Uma parte da família Stone decide ficar e a outra segue. O vôo seguinte, que é o tal 828 do título, misteriosamente some. Depois de 5 anos, quando todo mundo já achava que tinha rolado um acidente e o avião provavelmente estava no fundo do mar com todos os passageiros, acontece um milagre: ele ressurge e aterrissa, como se nada tivesse acontecido. Para os passageiros e tripulação do 828, nada aconteceu: o vôo rolou normalmente, sem intervalo de tempo. E agora? Quem explica?

Com esse intervalo de 5 anos, toda a vida seguiu: as pessoas que não estavam no vôo envelheceram normalmente, se relacionaram com outras pessoas, morreram. Enquanto lidam com esse choque, passageiros também passam a experimentar situações sem explicação: chamados de vozes do além e acontecimentos estranhos demais para serem coincidências.

Eu sei, parece ótima na sinopse. Mas acredite: não é. Só que vicia porque você quer saber até onde essa palhaçada vai chegar. Risos! Nos EUA ela já teve uma segunda temporada.

Pesadelo a 30.000 pés

Segundo episódio da versão de 2019 de The Twilight Zone na Amazon Prime

Primeiro, é necessário dizer: sou cadelinha do Jordan Peele. Tudo que ele faz eu acho FODA. Isso inclui a nova versão de The Twilight Zone produzida e apresentada por ele. No Brasil a série clássica é conhecida como Além da Imaginação.

Pesadelo a 30.000 pés na verdade é um remake de um dos episódios mais clássicos do Twilight Zone original, Nightmare at 20,000 feet, no qual William Shatner faz o personagem principal, um homem que acha que viu um monstro na asa do avião em pleno vôo. Só que ninguém mais consegue ver o tal monstro. E pior: o homem acabou de se recuperar de um colapso nervoso que ele sofreu… em um avião. Será que ele se recuperou mesmo? Será que é uma recaída?

Nightmare at 20,000 feet

Episódio da 5ª temporada da versão original de The Twilight Zone, no CBS All Access ou no seu torrent preferido?

O primeiro episódio já abordava a ideia de sanidade e já rendeu um outro remake em No Limite da Realidade (1983), o filme baseado em Twilight Zone. O longa traz 4 segmentos e um deles leva o mesmo nome, Nightmare at 20,000 feet. Por causa de um acidente grave de filmagem em outro segmento, que levou à morte um ator (Vic Morrow) e duas crianças, o filme ganhou a fama de amaldiçoado (ele é um dos filmes que virou destaque na série documental Cursed Films da Shudder). Nunca assisti, mas as pessoas costumam elogiar esse segmento específico do avião. E dizem que o mais engraçado é que a viagem já é um pesadelo antes mesmo do monstro aparecer: tem um moleque pentelho por perto, o personagem principal (John Lithgow) já está bem nervoso ao embarcar e por aí vai.

Questões sobre sanidade e loucura também estão no cerne da nova versão de 2019. Agora o personagem principal é interpretado por Adam Scott, e a adaptação é apenas um “aceno” para a original. Isso porque o monstro é mais real aqui: o passageiro encontra um MP3 player antigo com um podcast (?!?), começa a ouvir e percebe que o áudio, desses de investigação sobre acidentes, está se referindo ao vôo em que ele está mas no passado, dizendo que o avião desapareceu. Ele continua a ouvir para tentar resolver e fazer com que esse destino descrito no podcast não aconteça. Mas, claro: ele também está em recuperação pós-trauma. E ninguém mais ouve o podcast fora ele. Será que ele está fora de si, criando coisas na cabeça por conta de stress?

Resumindo: é bom. Mas como eu disse: alerta cadelinha do Jordan Peele. Será que a minha opinião é imparcial? Será que estou no controle da minha sanidade? Hahahahahahaha!

Noite Adentro

Na Netflix

Nem bem comecei a ver e já estou fascinado nessa série belga que entrou faz pouco tempo na Netflix. É muito boa: ela conta a história de um vôo previsto de Bruxelas para Moscou que é sequestrado por aparentemente um oficial da Otan. O cara tem seus motivos para o sequestro: possui informações privilegiadas de uma tragédia humana que está acontecendo por todo o planeta. Simples assim: quem estiver em lugar atingido pelo nascer do sol vai morrer. O objetivo dele é viajar o quanto puder no avião, noite adentro (hein, hein?), para sobreviver ao não ficar exposto ao sol. Só que o vôo é sequestrado quando alguns passageiros já tinham embarcado. Tumulto-babado-confusão-questões-pessoais. Amo!

Fenda no Tempo

Em inglês: The Langoliers - eu assisti por meios, er, excusos…

Se Manifest é ruim, ela tem uma herdeira: The Langoliers tecnicamente é uma minissérie porque é dividida em duas partes (longas, por sinal, é quase 3 horas ao todo), e é um pouco melhor porque tem uma vantagem babadeira. É baseada num livro do Stephen King de mesmo nome!

A história de 1995 dirigida por Tom Holland (simplesmente o cara que escreveu A Hora do Espanto original, de 1985) tem um quê de Leftovers e na verdade pode ter inspirado Manifest, Lost e outras: um avião sai de Los Angeles para Boston, mas no meio do caminho uma das passageiras, uma garota cega, acorda e percebe que… quase todos que estavam no avião sumiram. Sobraram só 10, que estavam dormindo, então eles nem viram como os outros “evaporaram".
As interpretações são ruinzinhas mas o que pega mesmo são os efeitos especiais. Se um designer doido da rave que se vestia na A Mulher do Padre nos anos 1990 e recebesse a encomenda de criar uns monstrinhos com a boca enorme cheios de dentes em 3D, ele faria exatamente esses efeitos especiais de Langoliers. Mas confesso que me entretive nessas 3 horas…
Dizem que King tem medo de avião e isso o inspirou para a história de The Langoliers, que no fundo é interessante. Se você não liga para essa coisa de efeito especial noventista (do tipo que assistia Charmed e achava bem normal), acho que até vai gostar.

Lost

Que infelizmente saiu da Netflix - acho que tem na Claro Video

Não podia deixar de falar de Lost. A série que, dizem, mudou tudo. Se você nunca se viciou em Lost e não se meteu na polêmica sobre o final (que alguns acham ótimo e outros acham horrendo), não dá para se considerar nerd de séries. Lost foi o Game of Thrones dos anos 2000, o motivo pelo qual muita gente aprendeu a mexer (e principalmente procurar teorias) em fórum de internet.
Sou um caso à parte: não tenho uma opinião tão apaixonada assim a respeito do fim da série. Acho legal. E acho que o Damon Lindelof se superou com Leftovers e Watchmen - essas sim, dois xodós meus.
E acho que essa quarentena é uma boa oportunidade para quem ainda não viu Lost (sei lá, a Geração Z?) maratonar.

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A pioneira entre as super-heroínas do tokusatsu (e a vovó da Sailor Moon)

Fiz uma thread recentemente no Twitter sobre as super-heroínas do tokusatsu, um capítulo da história desses super-heróis que é sempre deixado meio de lado perto de Jaspion, Changeman, Jiraya etc.

Vocês lembram da Patrine? Eu amava! Quem tem mais ou menos a minha idade e era uma criança que curtia TV, provavelmente se deparou com a Estrela Fascinante Patrine em algum horário da TV Manchete. pic.twitter.com/MyBWT3glFL

— Jorge Wakabara (@wakabara) May 15, 2020

A verdade é que a Patrine faz parte de algo maior: as Fushigi Comedy Series. Eu explico melhor na própria thread, clica acima para ver.

Aí continuei mergulhado nesse mundo das super-heroínas porque são várias incríveis, todas criadas por Shotaro Ishinomori, um cara muito genial que moldou boa parte da infância de muita gente e quase ninguém sabe o nome dele.

Shotaro Ishinomori: fora o fato de que ele é um ícone fashion, fala sério

Ishinomori está por trás de um dos elementos mais importantes do tokusatsu em si: o herói que se transforma, chamado de henshin hero.
Ele começou como mangaká (criador de mangá) e foi assistente de ninguém menos que o Osamu Tezuka, o rei do mangá. Ishinomori estava na equipe de criação de ninguém menos que Astroboy, tá bom procê? Mas ele começou a deixar sua marca com Cyborg 009, um mangá de autoria dele que viraria um filme live action, tudo na década de 1960. Cyborg 009, o filme, trazia nove lutadores ciborgues e esse grupo é considerado a primeira equipe de super-heróis japonesa, a semente de onde hoje gira grande parte dos tokusatsu.
Ishinomori estava intimamente ligado à produção do filme em si, e depois criou o mangá The Skull Man, em 1970. Esse inspiraria o primeiro Kamen Rider, em 1971 (também de Ishinomori), e viraria a série tokusatsu que perdura até hoje!

Osamu Tezuka & Shotaro Ishinomori

Nessa imagem eles estão ao redor das suas criações. Dá para ver o Skull Man original bem do lado do rosto do Ishinomori e esse emo de franjão que está atrás dele é personagem do Cyborg 009. E claro: o Kamen Rider de moto está na frente dele

Ishinomori é o nome por trás de vários outros heróis que fizeram muito sucesso - inclusive Patrine. Mas antes de Patrine, antes das Fushigi Comedy Series (que foram ao ar de 1981 a 1993) e quase ao mesmo tempo que o primeiro Kamen Rider, foi ao ar uma pequena pérola que é lembrada com muito saudosismo pelos japoneses e a gente por aqui nem faz ideia de que existiu. É ela: a professora feiticeira! Suki! Suki!! Majou Sensei foi ao ar de 1971 a 1972 e essas super-heroínas. E, claro, TAMBÉM foi criada por Ishinomori!!!

Professora Helena, chupa essa!

Hikaru Tsuki é maravilhosa e tem PODERES!

Suki! Suki!! Majo Sensei é inspirada em um mangá chamado Sennome Sensei do próprio Ishinomori que foi lançado em 1968 em uma publicação para garotas, Teen Look. No seu começo, a série ficou bem parecida com a história do mangá: uma professora (de métodos bem controversos) ajuda alunos de uma escola mas guarda um segredo. Ela na verdade é uma princesa da lua e está aqui para estudar os terráqueos. Para isso, tem poderes graças a seu anel mágico que é recarregado com o luar.

Pelo que pesquisei, A Feiticeira, aquela série da década de 1960, estreou no Japão em 1966. Dá para ver que Suki! Suki!! Majo Sensei, do seu jeitinho, se inspira bastante nesse nicho de “aventuras de uma mulher com poderes mágicos que se mete em enrascadas". A Feiticeira fez tanto sucesso no Japão que em 2004 ganhou até remake na TV, chamado Okusama wa Majo! (E sim, existe uma sogra bruxa nesse remake também, aleluia!)

Mas voltando ao Suki! Suki!! Majo Sensei - a série já estava indo até que bem, mas os produtores queriam mais. Então porque não olhar para o Kamen Rider, por exemplo, e misturar tudo? A partir do episódio 14, entra um outro elemento na trama. A professora Hikaru Tsuki virou uma henshin heroe: ela ganha o poder de se transformar na maravilhosa Andro Mask!

“Não basta um anel: vou partir para a porrada"

A série ganhou mais cara de tokusatsu nos moldes que conhecemos, com heroína uniformizada, um supervilão (Phantom) e monstros semanais que a Andro Mask precisava derrotar. Does it sound like Patrine? Pois é!

A série possui um lado triste por trás da nostalgia que rola no Japão ao redor dela. A atriz principal, Yoko Kiku, virou uma queridinha do showbusiness por causa do seu desempenho. Até que, um par de anos depois, foi encontrada morta na casa dela. Seu namorado tinha muito ciúme da carreira em ascensão e a matou enforcada - e depois confessou o crime.

Yoko Kiku

Morreu precocemente e virou um ícone

Sailor Moon, que estreou em 1991 em mangá e em 1992 em anime, deve muito às garotas misteriosas das Fushigi Comedy Series (Patrine é de 1990). E também deve a Suki! Suki!! Majo Sensei, claro: fora o elemento do henshin (transformação) que começou com a professora, a sinopse tinha a relação com a lua e toda uma estética que inspiraria a mangaká Naoko Takeushi - mesmo que indiretamente, no inconsciente coletivo.

O inseparável anel

Ela apontava para lua para recarregá-lo e vinha uma voz em off: MOOOOONLIGHT…

Ficou curioso? Tenho uma ótima notícia: tem episódios da série no canal de YouTube da Toei! Com legenda em inglês! Divirta-se:

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Comida para distrair (e pensar)

Na quarentena a gente volta pro básico, né: comer e dormir. A gente já estava falando muito de comida antes, vide Masterchef e o sucesso de programas culinários no canal a cabo. Aí a discussão já estava ficando mais profunda, com Paola Carosella e principalmente a Rita Lobo (um beijo, Wolf!) soltando o verbo no Twitter, em outras redes sociais e em entrevistas a respeito do significado da comida e do quanto a gente é prejudicada pelos ultraprocessados e por essa ideia de que fazer comida é um fardo desnecessário.

Mas confesso: eu mesmo não gosto de cozinhar. Por nunca ter aprendido de verdade, pra mim é tudo muito complicado, uma alquimia misteriosa com a qual não me relaciono direito. Minha sorte é que casei com alguém que gosta de cozinhar e que prepara coisas incríveis! A ideia de demonstrar amor a partir da cozinha me atrai demais - é algo que foi bastante falado pelo Babu Santana no BBB20, né?

Babu na cozinha VIP do BBB20 - na qual, diga-se de passagem, ele cozinhou pouco…

Ao mesmo tempo tenho um fascínio por comida. Amo comer. E uma das coisas mais importantes para mim quando viajo é comer coisas locais. Fui muito feliz em Tóquio, em Kyiv (que você conhecia por Kiev), em Florença. Nem tanto em Roma (me decepcionei um pouco, mas ao mesmo tempo descobri a alcachofra à moda judia, fritinha, uma maravilha). Amo a comida asiática de Londres (a comida inglesa, confesso, é meio uó) e de Berlim. Fiquei doido pela comida paraense quando fui pra Belém.

Os significados da comida ficaram ainda mais realçados num momento de pandemia, quando comer é uma das poucas coisas às quais a gente consegue se agarrar para se entreter, muito mais do que apenas se nutrir. Comer é prazeroso, divertido, didático; e é um ótimo assunto para puxar papo na reuniãozinha do Zoom com os amigos ("Você tá fazendo pão? O que era aquilo que você publicou nos stories ontem? Parecia fantástico!").

Uma coisa que já tinha percebido antes e está me pegando cada vez mais agora é que a variedade de programas de gastronomia é tanta que acho que, mesmo que o assunto não te atraia de primeira, algum deles acaba te agradando. Nessa quarentena vários têm sido meus companheiros. Vou te mostrar!

Café, Almoço e Jantar

Na Netflix

Ignore o primeiro episódio, que é maconheiro demais para quem está sóbrio. O chef David Chang viaja para algumas cidades do mundo com pessoas famosas e se relaciona com a cultura (e comida, claro) dos locais. O destaque fica para o último episódio dessa primeira temporada, com a Kate McKinnon do Saturday Night Live: eles vão para o Camboja e percebem que a gastronomia local diz muito sobre a história recente do país.
Ah, e assista ao Ugly Delicious, com o mesmo David Chang: é tudo!

A História da Alimentação no Brasil

Na Amazon Prime

A série da Heco Produções é baseada no livro de Câmara Cascudo e o título é autoexplicativo. Acho muito bom quando relacionam a história da comida com a história do local onde essa comida é servida. Só assisti ao primeiro episódio até agora, que é sobre a mandioca, mas já estou empolgado para ver mais. Lembra a série É Por Quilo do Nexo, que também é ótima e está disponível no YouTube (abaixo!). Mas A História da Alimentação no Brasil pretende ser mais enciclopédica, tem um tom mais documental.

Programas de culinária sempre são hipnotizantes para mim (só que eu não aprendo, fico assistindo e pensando "MEU DEUS, ele me falou como fez e mesmo assim não tenho ideia de como ele chegou nisso"). Sou fissurado em Food Network, na própria Rita Lobo também (a minha mãe é fã mas nunca segue o que ela fala: “A Rita disse para eu colocar coentro mas eu não quis, coloquei salsinha. E ela falou que era para colocar quatro ovos, mas eu só tinha três"). Acho que ficaria sem sentido incluir todos os que gosto nessa lista, mas vou colocar um que comecei a assistir agora (chegou na Netflix faz pouco tempo) e amei demais.

Cozinhando com Nadiya

Na Netflix

O que eu gosto na Nadiya Hussain é que tudo pode. Até batata enlatada! Ela é adepta do "quanto menos tempo você gastar na cozinha, melhor", sem abrir mão do sabor, claro. Suas receitas têm um senso de praticidade que é charmoso - você sente que ela realmente quer te ajudar. Uma aliada! Isso deixa o programa mais humano. Para mim é muito irritante quando alguém está ensinando uma receita na TV e sai cortando o legume bem bonitinho como se tivesse nascido com esse talento. Ou pior: quando a cebola aparece magicamente cortada numa tigelinha! Affff! A Nadiya procura facilitar as coisas ao máximo: se der para fazer a receita sem cortar o legume, ela fará.
Tem outra chef que é quase assim mas dá pra sentir a experiência dela na cozinha: a Rachel Ray. Ela tem um programa no Food Network, esse aqui:

Refeição em 30 Minutos

No Food Network

A premissa é muito boa: Rachel Ray prepara uma refeição em 30 minutos corridos, que às vezes inclui até sobremesa. Só que, claro, ela é uma expert. Assisto e fico calculando mais 15 minutos para cada coisa no meu caso. Até eu achar o liquidificador já são mais 5…

E tem as séries, né? Já falei de Midnight Diner aqui, que é maravilhosa. Tem outra que acho ruim mas assisto mesmo assim (???) e vou recomendar para vocês também (?????).

Samurai Gourmet

Na Netflix

Por que estou recomendando? Porque tem uma parte que é ótima: o recém-aposentado Takeshi (Naoto Takenaka) decide que é hora de comer o que quiser por aí, e cumpre à risca. Só que tem um problema: a metáfora do tal samurai (Tetsuji Tamayama), que aparece em pessoa na série, e simboliza o ímpeto dele de "fazer o que quiser como um samurai faria”. A trama é baseada num mangá, e no mangá essa fantasia do samurai pode até funcionar, mas num live action fica uma coisa meio… Trapalhões?
Então faça como eu: quando o samurai aparece, dá uma checada no Twitter.

Agora, um dado interessante: esse não é o único mangá de Masayuki Kusumi que inspirou uma série. Tem esse também…

Essa é a capa da edição nacional, inclusive!

Gourmet é da editora Conrad

Gourmet acabou gerando uma outra série, a The Solitary Gourmet. Dessa vez quem sai por aí experimentando as comidas é um executivo de vendas. Na internet eu só consegui encontrar com legenda em chinês, então, er… Não sei se é bom. O mangá é muito legal, amo!

E tem reality show de comida? Tem sim. Mas desculpa, não estou acompanhando o da Globo, depois de BBB tá rolando um detox. Hahahahahahaha!

The Final Table

Na Netflix

Não tão novo mas divertido. The Final Table tem aquela coisa que existe em todo reality show: um storytelling (ou uma tentativa disso) que vai mostrando características dos participantes e transforma-os em personagens. Então tem o que você adora, o que você simpatiza, o que você não curte e o que você quer que saia imediatamente da sua frente (no meu caso, era essa loira da foto). A competição em duplas, com chefs profissionais, tem mais um elemento bacana: cada episódio é relacionado com a culinária típica de um país. E no do Brasil, eles chamaram a Alessandra Ambrósio para experimentar os pratos e opinar. Achei engraçado: pedir para uma modelo falar sobre comida é tipo pedir para um médico elaborar opinião sobre cigarros, né? “E aí, Drauzio? Qual é mais gostosinho, o light ou o Marlborão?”

Já o Mandou Bem para mim é um pouco cansativo: você investe tanto naquelas pessoas para no episódio seguinte aparecerem outras 3? Devia ser uma coisa em série com eliminações semanais para me pegar. É engraçado, mas não prende minha atenção.

E você, está assistindo algo? Aproveita e ouve meu podcast, o último episódio que saiu do Quatrilho traz quatro músicas que falam de comida!

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Sucesso é volume, e esse valor devia ser alterado

Quem já assistiu a Hollywood? A série que estreou faz pouco tempo na Netflix é criação de Ryan Murphy e traz uma fantasia interessante, uma coisa parecida com o que Quentin Tarantino fez em Era uma Vez em… Hollywood mas com um final mais poderoso em significado.

Laura Harrier no papel de Camille Washington: em Hollywood existe diversidade racial e sexual mas toda estrela é magra & linda - pelo visto os gordos terão que esperar mais um tempo pela vingança em forma de ficção

Enquanto Era uma Vez em… Hollywood se centra em um momento que muitos apontam como um marco do fim do sonho e da inocência americanos (a família Manson e o assassinato de Sharon Tate), Hollywood é um pouco mais ampla: mostra a falta de representatividade étnica e sexual hollywoodiana e sua conivência com o preconceito. Ademais, dá exemplos concretos: o racismo que Hattie McDaniel sofreu ao ser a primeira negra a ganhar o Oscar em 1940. A injustiça e o silenciamento impostos à primeira estrela amarela de Hollywood, Anna May Wong. A anulação pública total da sexualidade de Rock Hudson durante toda a vida do astro em prol de seu sucesso.
Em comum, as duas obras "mudam a história": fazem uma fábula, criam um novo universo paralelo onde as coisas tomariam outro rumo.

Mais instigante ainda: nenhuma das duas ousa fazer um fast forward depois do what if, como se quisessem guardar aquela fantasia em uma caixinha preciosa. É a manutenção do sonho hollywoodiano, uma manifestação ingênua e impossível de desejos - já aconteceu de outra forma, e não existe máquina do tempo. Quem saberia o que aconteceu depois dessa mudança de rumo? O mundo ficou tão igualitário que virou comunista?! Risos!

Michelle Krusiec como Anna May Wong em Hollywood

Tomemos o exemplo de Anna May Wong: a indústria não lhe deu um papel de protagonista que ela queria. Ele acabou indo para a branca Luise Rainer, que fez yellow face ao encarnar a personagem O-lan em Terra dos Deuses (1937) e ganhou o Oscar por seu desempenho.

Entendo a importância da premiação da indústria. Mas é justamente por causa da não-relativização dessa importância que Wong é apontada mais como vítima da discriminação do que como a primeira grande atriz amarela de Hollywood.
Hollywood, a cidade, e a indústria cultural no geral funcionam com essas medidas de sucesso: premiação. Audiência. Número de seguidores. Números da bilheteria. Top 10.

Luise Rainer, aliás, foi a primeira atriz da história a receber Oscars de Melhor Atriz em dois anos seguidos, 1937 e 1938. Hoje ela é bem menos lembrada que várias colegas, como Vivien Leigh, Marlene Dietrich e Greta Garbo

Hollywood é uma graça, seu efeito é dar uma aquecida no coração. Um convite ao sonho, ao otimismo - e eu arriscaria dizer que a série funciona ainda mais por causa do momento atual de pandemia, no qual a gente está implorando por qualquer coisa que nos deixe esquecer a realidade de um presidente horroroso e de gente que valoriza mais a economia ou o seu conforto egoísta do que vidas humanas.

Mas ao medir o sucesso e a fama do mesmo jeito que continuamos medindo hoje, Hollywood é conivente. Não quebra regras, não hackeia. É subserviente ao sistema cruel que mede a fama desse jeito, que se nivela por baixo. Que é covarde porque também depende da opinião e consequente audiência de gente burra.
(E eu, especialmente nesses dias, estou doidinho para criticar antigos sistemas e estruturas… hihihihihi)

Let me tell you a story.

Adriana Esteves já foi CANCELADA pela sua pretensa FALTA DE TALENTO - lembrei do caso em um tweet de hoje:

A maioria é muito nova pra saber, mas na vdd Adriana Esteves já foi considerada má atriz. Era em Renascer, em 1993. Ela ficou deprimida com as críticas, que diziam que ela nunca daria certo na carreira. Esse é o momento “vamos trabalhar a autoestima” de hj 💖✨ pic.twitter.com/etxsJHk73I

— Jorge Wakabara (@wakabara) May 10, 2020

Foi um massacre. Um dos piores casos de cancelamento pré-internet. Era um papel ruinzinho, e realmente ela não mandou bem, mas os críticos mandaram pior. Não a respeitaram enquanto artista recém-chegada naquele mundo de globais e tacaram lenha, dizendo que ela não tinha futuro.
Sim, Adriana Esteves, que depois apareceu em O Cravo e a Rosa (2000) e em Avenida Brasil (2012).
Imagina você ter um sonho e todos os ditos especialistas de repente informarem aos jornais: "Nah! Pode desistir!” baseados em seu desempenho em uma novela das oito, o conceito mais mainstream de entretenimento do Brasil, quando você ainda está no seu, sei lá, terceiro papel importante? Alguns anos depois de você ganhar um concurso no Faustão (sim, foi assim) e entrar para a carreira de atriz?

Adriana foi convidada na época por Carlos Lombardi para participar de Quatro por Quatro (1994) no papel de Babalu. Não conseguiu dar conta por causa da depressão mas não esqueceu do autor, um dos únicos a lhe dar uma oportunidade naquele momento difícil, e depois entrou em outra trama dele, Kubanacan (2003). Letícia Spiller arrasou como Babalu mas Adriana também o teria feito - a personagem era meio parecida com a Sandrinha de Torre de Babel (1998). Para os que não são ateus, é um daqueles casos em que Deus escreve certo por linhas tortas: tivemos a ótima Babalu de Letícia Spiller e a ótima Sandrinha de Adriana Esteves.
Mas a que custo? Lembro que esse questionamento do talento da atriz ficou tão forte para mim que quando foi anunciado A Indomada (1997) com ela como protagonista, na minha cabeça (eu tinha 16 anos) aquela novela tinha tudo para flopar. Um horror. Adriana Esteves conseguiu se reestabelecer e hoje é considerada uma das melhores atrizes de novela da Globo - o mundo gira. E a responsabilidade da crítica não está só na mão do especialista mas na mão dessa entidade INTERNET, um monte de usuários sem rosto que critica quem quiser, a hora que quiser, quanto quiser e sem medir consequências. Adriana Esteves poderia ter desistido de ser atriz em 1993.

No mundo dos influenciadores digitais, que seria um passo além desse da indústria do entretenimento, já se popularizou a palavra “engajamento". O que ela quer dizer? Não basta (e às vezes não importa) o número de seguidores e de curtidas: a medida mais importante é a quantidade e qualidade de comentários. Aquele influenciador é capaz de iniciar uma conversa? De mobilizar uma comunidade ao redor de um assunto?

As medidas de sucesso começam a se relativizar. É mais importante ser o filme de maior bilheteria ou o filme que despertou uma questão, que chamou a atenção para um ponto importante, que deu à sociedade algo para ela discutir?
Claro: se não tem bilheteria, não tem conversa. Não adianta ser um filme bom e ninguém saber. Mas me parece que a Netflix e outros serviços de streaming, com sua oferta tão abundante que chega a ser intimidadora, também começam, aos pouquinhos, a mudar esses parâmetros de sucesso ao simplesmente não revelar seus números. Acho uma ótima estratégia. Com tantas opções na nossa mão, será que é mais importante o número? Digo mais: com a possibilidade de impulsionamento de posts, qual é o real critério?

Katy Perry no Grammy de 2019

A falta de prêmios da cantora no Grammy é ligada por detratores a uma pretensa irrelevância. É pra rir, né? Katy tem uma avalanche de singles bem sucedidos, e a falta de Grammy não quer dizer absolutamente nada sobre quão influente e importante é seu trabalho na música pop

E voltando à Hollywood: vale a pena assistir sim. O fim é bem, mas bem forçado. Só que é fofo. É hollywoodiano. Uma mentira bem contada, quem sabe, às vezes vira uma meia-verdade.

Bom lembrar: tudo o que Hollywood enaltece a respeito de representatividade é um grande cocozão em Era uma Vez em… Hollywood. Leia meu texto sobre como Tarantino foi cretino no retrato de Bruce Lee aqui.
Hollywood faz algo parecido com outro personagem histórico: Rock Hudson, o ator que passou a vida inteira no armário. Ele é retratado como um bobão gostosão, um pouquinho mais humano que o retrato de Tarantino para Lee mas mesmo assim pouco lisonjeiro.

Bom… Hudson era um gay padrão, branco e fortão. Sinceramente: eles que lutem.

Hattie McDaniel ao receber seu Oscar

Kylie Jenner em "ué, que diferente": as aparências importam?

Porque afinal, não basta Cleópatra ser honesta. Ela precisa parecer honesta!

Faz uns dias que rolou esse tweet aqui sobre a Kylie Jenner:

The way that Quarantine has turned Kylie Jenner back into a white girl pic.twitter.com/FQjlTEY95F

— B. Velvet (@BeyonceLeague) April 20, 2020

Pra começo de conversa: a piada foi ótima. As Kardashian Jenner, goste você delas ou não, fazem apropriação cultural da negritude num nível bizarro. Acho que até ultrapassa o blackface: é como se elas embraquecessem elementos que, nos negros, são apontados como feios. Os lábios grossos. A bunda grande. Mas não tenho lugar de fala e não é essa a questão que eu quero discutir aqui: o fato é que, gente, olha isso…

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🤍

A post shared by Kylie 🤍 (@kyliejenner) on Apr 25, 2020 at 11:46am PDT

Tem uma diferença de dias entre a publicação das imagens.
Não acho que a Kylie é ou está feia no primeiro post, e também não é esse o ponto, e sim a diferença. A partir do momento em que, com intervenção, filtro ou maquiagem (eu nem sei dizer o que é!), você fica completamente diferente em questão de dias, quem exatamente é você? Claro, por dentro todo mundo é o mesmo, independente da quantidade de ácido hialurônico que se injeta. Né?
Ou não?

O quanto que o nosso rosto fala a respeito da nossa identidade? E quem garante que, ao modificá-lo, a gente não está mudando alguma coisa nossa por dentro?
Fala-se de casos de dismorfia despertados por causa do uso das redes sociais há algum tempo. Nesse post do blog da Sallve uma psiquiatra comenta que os casos dobraram por causa da pressão estética na internet.

A série Years and Years da BBC com HBO traz um caso de uma menina que seria transhumana - ela não se identifica com o gênero humano e seu sonho é ser digital. Logo no primeiro episódio já dá para ver que ela só gosta de se mostrar com um filtro de bichinho no rosto, tipo os do Snapchat!

Já falei um pouco sobre Years and Years aqui no blog.

E recentemente assisti a um filme que, CARA, é babado.
A Face do Outro ou O Rosto da Maldade (Tanin no Kao) é inspirado no livro de Kobo Abe de O Rosto de um Outro, que inclusive tem tradução brasileira lançada pela Cosac Naify (arrasa no sebo, amore). O livro é de 1964 e o filme foi lançado em 1966, com direção de Hiroshi Teshigahara. Teshigahara já era babado nessa época: tinha concorrido ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro e ganhado um prêmio em Cannes com o longa A Mulher da Areia (1964). Em A Face do Outro ele arrebenta!

Só tem cena foda em A Face do Outro então fica até difícil comentar sem entregar o ouro. A trama foca em um homem, o sr. Okuyama (Tatsuya Nakadai), que sofreu um acidente no qual seu rosto ficou desfigurado e, por isso, ele precisa andar com uma máscara-bandagem no rosto, para não assustar as pessoas. Até na frente da própria mulher, interpretada por Machiko Kyô, ele fica coberto.
Mas a própria máscara acaba assustando todo mundo do mesmo jeito. Fica claro que Okuyama se ressente disso, virou uma pessoa mais amargurada. E aí um médico psiquiatra (Mikijiro Hira) decide ir contra o que considera sua ética e produz uma máscara que é extremamente parecida com um rosto humano normal, com textura de pele, que ninguém perceberia que é falsa. O detalhe é que o rosto não é de Okuyama, e portanto ele seria irreconhecível.

Kyô e Nakadai em cena

A Face do Outro faz parte da nova onda do cinema japonês (sim, a nouvelle vague não existiu só na França!)

O médico, que por sinal mantém um consultório muito estiloso, digno de ficção científica, insiste que a nova máscara vai ter efeitos profundos de caráter psicológico no protagonista. Como se ela aos poucos acabasse alterando a psiquê, um elemento externo que mexe com o interior. E é o rosto.

Paralelamente, uma história aparentemente sem ligação é contada: uma menina (Miki Irie) tem parte do seu rosto, que ela mantém coberta pelo cabelo, deformada. Com isso, sofre bullying. Ao mesmo tempo, um homem tenta violentá-la. Ela vive com o irmão (Kakuya Saeki), o único que parece aceitá-la assim. Pois bem: ela acaba seduzindo-o.

Miki Irie com os cabelos cobrindo o rosto

Você alteraria algo do seu rosto?
Seria para você ou para os outros?
Tem certeza?

A pulsão de amor e desejo é o que move a história da A Face do Outro; os personagens agem sem medir consequências. Uma das coisas que eu acho mais interessante é o personagem da menina do ioiô (Etsuko Ishihara), que teria deficiência intelectual mas reconhece Okuyama mesmo com “a face do outro". A deficiência na verdade lhe deu uma capacidade cognitiva maior a respeito da essência de cada um? O médico diz que é por causa do cheiro - da mesma forma que um cachorro reconheceria pelo cheiro, ela talvez seria capaz de fazê-lo.
Mas o médico, depois percebemos, tem uns palpites bem mequetrefes…

Kylie Jenner fez do seu rosto um negócio. Ela é uma empresária bilionária do mercado de maquiagem e o seu outdoor é a selfie do Instagram. No fundo não tem problema ela mostrar que a imagem do Insta não corresponde à realidade sem pintura: é exatamente isso que ela está vendendo, produtos que vão te fazer parecer (digo mais, ser) outra pessoa. A pessoa que você quiser, no padrão de beleza que for.

Enquanto isso, a religião islâmica pede que as mulheres usem burca, cobrindo o rosto.
O rosto é algo íntimo, que não deve ser revelado a estranhos.
Atualmente, na pandemia, mostramos o rosto em selfies e transmissões online, mas quando precisamos estar na rua nos cobrimos com máscaras.

A gente já sabe que roupa é expressão. Mesmo que inconsciente: você pode achar que usando "qualquer coisa” não está exprimindo algo, mas está. O rosto - e a alteração dele - também não diz algo sempre?

Quem gostou desse post acho que também vai gostar do que falei sobre o #bratzchallenge. Serve de complemento.