Você lembra de "O Gênio do Crime"?

Uma das minhas maiores referências da infância, o livro O Gênio do Crime foi lançado em 1969. Não fazia parte da série Vagalume, que a gente amava, mas tinha mais ou menos a mesma pegada: era uma história com ação e mistério e trazia protagonistas crianças. Depois dessa edição acima, que eu acho que era da Brasiliense e é a que li, ele foi para a Global (acredito que entre as décadas de 1980 e 1990). Hoje a editora Global é a responsável pela série da Turma do Gordo – pois sim, existem 13 livros da Turma do Gordo e O Gênio do Crime é apenas o primeiro!

“Escute aqui, seu bonequinho lustroso! Você que é um burro com ‘b’ minúsculo!”

— Gordo no filme O Detetive Bolacha Contra o Gênio do Crime

A história tem um apelo delicioso: trata-se de uma investigação feita por crianças sobre um falsificador de figurinhas do campeonato de futebol. A editora, que promete prêmios em troca do álbum completo, está em maus bocados porque não consegue atender a demanda de álbuns completos decorrentes da venda ilegal de figurinhas falsificadas. Então a turma, formada por Edmundo, Pituca, Berenice e Gordo, decidem ajudá-lo. Eles ainda têm como rival um detetive gringo, apelidado “O Invicto", que quer desvendar o caso primeiro.

É nesse livro que aparece o conceito de "perseguição do avesso”, inventado pelo Gordo, que estimulou muito a minha imaginação. Quando entendi o que queria dizer na época, me achei um gênio (não do crime, claro)! E cheguei a ler algumas outras obras da série, como Cascata de Cuspe (que eu lembro que chegava a ser meio experimental, se não estou enganado), Sangue Fresco e O Caneco de Prata.
Ai, ai, deu até saudade.

O autor, João Carlos Marinho, é apontado como referência na área só pela Turma do Gordo (ele chegou a lançar livros fora da série sem chegar ao sucesso de O Gênio do Crime e as sequências). Uma vez eu estava em férias e passeando por São Paulo. Decidi dar uma fuçada na FNAC de Pinheiros (por aí você já vê que faz um tempo, mas a FNAC já estava meio decadente). E, surpresa, ia rolar uma sessão de autógrafos com João Carlos Marinho! Provavelmente foi em 2015, no lançamento do O Fantasma da Alameda Santos, o último da série da Turma do Gordo. Fiquei NERVOSO, mas ao mesmo tempo estava sem dinheiro, a fila já estava grande e ele nem tinha começado a autografar. Então decidi desencanar depois de um tempo e fui embora me contentando em tê-lo visto.

Nunca mais tive essa oportunidade. João Carlos Marinho morreu em 2019, 50 anos depois do lançamento de O Gênio do Crime.

Mas em 1973, algo aconteceu. Chegava nos cinemas o longa O Detetive Bolacha Contra o Gênio do Crime!

Descobri isso porque fui conferir uma informação que dei no programa Sessão da Tarde do meu podcast sobre Os Goonies. Eu comparei o estereótipo do personagem Chunk, ou Gordo na tradução, com o Gordo da Turma do Gordo de Marinho – que é o mais legal, o que fica com a mocinha e tem as melhores ideias!

Fiquei chocado porque nunca soube do filme baseado no livro antes! Pelo que entendi, João Carlos Marinho participou ativamente da produção.
Há 6 anos, o diretor Tito Teijido (que nunca mais dirigiu um longa) disponibilizou o filme no Vimeo. Junto, ele publicou o seguinte texto:
Este filme foi realizado em 1972, faz 40 anos! Era plena ditadura militar e quem pretendesse dizer sua verdade corria risco de vida. Liberdade não havia e a vida se apresentava medíocre, triste e chata. Por isso fiz este filme, para proclamar o direito e a liberdade de cada um a inventar sua própria vida. Encontrei isso no romance "O Gênio do Crime" de João Carlos Marinho, que até hoje traz essa mensagem para a garotada do Brasil todo.
Hoje este é um filme primitivo, feito sem dinheiro e por amor ao cinema e à vida. Era um Cinema de Guerrilha.

RT se você chorou (eu chorei).

Vou te dar alguns motivos para assisti-lo abaixo:
. O filme é muito bom, principalmente se considerarmos que a produção foi pobre. É bem feito, um roteiro redondo, o som é audível (tem filme nacional antigo que você não entende nada, né?). Tem bastante cena externa, mostrando uma São Paulo de outra época e uma infância que era mais solta, que tinha a liberdade de brincar pela rua sem medo.
. Todos os atores são bons mas a menina que interpreta Berenice, em especial, ganhou meu coração demais. E o Gordo também é muito foda, inclusive como Afonsinho! O ator se chama Arlindo Paulino, mas acho que nunca fez mais nada no cinema.
. Outros atores: acho que Fernando Uzeda é o Edmundo e, pela lógica, Pituca seria Antonio Claudio. Cristiane Heuer é a Berenice? Não tenho certeza. Cazarré deve ser o dono da editora (ele era um ator incrível e morreu atingido por bala perdida em 1992). Osvaldo Tesser, argentino, faz o detetive John Smith Peter Tony. Ele também morreu em 2019. Sidnei Paiva Lopes é o assistente dele – um cara bem envolvido com cinema, chegou a codirigir a comédia Sabendo Usar Não Vai Faltar em 1976.
. Quando o Gordo tem uma ideia genial, ele fica fazendo toda uma cena. Isso já existia no livro e é muito divertido ver como eles concretizaram essa "geração da ideia” no longa! <3
. O xingamento “cara de jaca” é tudo para mim.
. O pôster do Snoopy: quero.
. A calça listrada com blusa vermelha do Edmundo na cena da perseguição: também quero esse look.
. E as cenas do jornal na TV? Todas maravilhosas!
. Corintianos vão ter um apreço bem especial por esse filme. E quem gosta de futebol no geral também!

Quem quiser assistir pode ir nesse link – a senha é sanlo46
E quem quiser ler uma entrevista exclusiva que fiz com o diretor do filme, vem nesse link!

Arlindo Paulino, que fez o Gordo no cinema, no centro; ao redor, pessoas da equipe do filme. Acho que o Teijido é o de preto com o braço apoiado na cadeira do Paulino

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A relação entre os Zappa e os filmes adolescentes norte-americanos dos anos 1980

Esse título é simplesmente tudo, né?
Pois é. O episódio de podcast do Sessão da Tarde sobre A Garota de Rosa Shocking (1986) entrou no ar e eu até dou uma palhinha sobre o que se trata esse post aqui. É nele que falo sobre a aparição do Dweezil Zappa.

Está com preguiça de ouvir agora? OK, vou te explicar aqui, mas depois me promete que vai ouvir quando tiver tempo, tá?

Molly Ringwald era a it girl dos anos 1980 e não tinha para ninguém (quer dizer, até tinha, para a Demi Moore, mas Molly tinha uma pegada mais "namoradinha da américa"). Durante as filmagens do Clube dos Cinco (1985), a atriz namorou o colega Anthony Michael Hall (falei disso nesse post aqui). Mas na época de A Garota de Rosa Shocking, Michael Hall já era passado e ela estava em outra. Ou melhor, em outro. Ringwald namorava Dweezil Zappa.

ADORO
UM CASAL

(Sim, você leu certo, tem uma chamada para a deusa Sonia Braga na capa da revista)

E quem era Dweezil? Ele vem a ser o filho de um dos caras mais bacanas da música underground norte-americana: Mr. Frank Zappa.

Simplesmente tudo.

Dweezil Zappa é o segundo filho de 4. Ele era VJ da MTV nos anos 1980. Sim!

Aí parece que ele falou mal da MTV no programa do Howard Stern e foi demitido. Acontece. A principal carreira dele é como guitarrista – teve um single lançado aos 12 aninhos, produzido por ninguém menos que Eddie Van Halen! Abaixo, uma música de Dweezil com vocais da sua irmã mais velha, a Moon Unit Zappa. E olha, Let's Talk About It é bem legal, viu?

Guarda o nome da Moon, ela vai aparecer de novo daqui a pouco nesse post.

Dweezil e Molly pareciam um casal feito para os adolescentes modernos se espelharem. Eles eram o auge do cool.

E eu amo acima de tudo a turma:

Em cima: Molly, Dweezil e Moon Unit. Abaixo, as irmãs Ringwald, o punk Matt Freeman e o cara do franjão eu não consegui identificar

Molly, Dweezil, Moon Unit e o Donovan Leitch, que vem a ser o filho do Donovan!!! Quenda!

Dweezil depois teria uma coleção de namoradas famosas. É sério: ele já namorou Sharon Stone, Sandra Bullock, Jennifer Connelly, a própria Demi Moore, Lisa Loeb… Identificamos um tipo: mulheres que tem fama.

Mas a ligação de Dweezil com os filmes adolescentes norte-americanos dos anos 1980 é Molly? Bom, basicamente é, mas a cena de Garota de Rosa Shocking na qual ele aparece é MARA (corre até os seis minutos):

(Falando nisso: a gente AMA Alexa Kenin. Ela morreu bem nova, com 23 anos, em circunstâncias misteriosas. Quando Garota de Rosa Shocking saiu, ela já tinha morrido.)

Dweezil faz essa ponta como Simon. Quando Andie pergunta: “O que você faria se seu pai fosse rico?”, ele responde “Kiss his ass". Mas sinceramente ele parece mais interessado em ver a banda.

E qual é a outra ligação dos Zappa com filmes adolescentes norte-americanos dos anos 1980?
Prepare-se para ver algo que é MUITO Cansei de Ser Sexy.

UM HIT.

Sim, essa que está "cantando” (ou falando?) é Moon Unit Zappa. E apesar dela parecer muito madura, ela tinha apenas 14 anos. Valley Girl é um dos maiores sucessos de toda a carreira de Frank Zappa, lançada em 1982. A ideia era tirar um sarro do jeito das patricinhas do vale de San Fernando, em Los Angeles. Para isso, diz a lenda que ele acordou Moon no meio da noite, levou-a para um estúdio e ela recriou conversas que tinha com seus amigos usando as gírias, o jeito de falar…
Hoje é provável que o nome da música teria que ser Calabasas Girl ou algo assim…

Aí procuraram o Zappa para propor uma adaptação cinematográfica da música. Ele não quis. E basicamente eles fizeram mesmo assim. O filme, chamado Valley Girl (em português é Sonhos Rebeldes) saiu em 1983 e traz uma história um pouco parecida com Garota de Rosa Shocking na dinâmica "par romântico de diferentes realidades". Nicolas Cage, bem novo, está no papel de Randy, o galãzinho modernete de Hollywood que conquista o coração de Julie Richman (Deborah Foreman), a patricinha que mora no vale.

Randy & Julie em Valley Girl

Até o sobrenome de Julie é uma piada pronta: Richman?! Os pais de Julie nem são tão ricos assim: ex-hippies, possuem um restaurante de comida natureba. Ou seja: o conflito é mais de bolha e de bairro do que necessariamente de dinheiro e classe social. O jeito deles falarem é diferente, o jeito de se vestirem, os gostos musicais, a ideia de uma noite divertida…

Zappa processou a produção – e perdeu.

Um remake musical de Valley Girl foi realizado. O problema é que um dos seus astros é Logan Paul, o influenciador digital que não consegue parar de ser idiota, fazer absurdos e ser cancelado. Então o filme segue tendo o seu lançamento adiado. A última data era em maio, em forma de lançamento digital, e para te falar a verdade acho que foi lançado sim – mas quem se importa? Logan Paul? Musical? Não, obrigado.

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O que aconteceu com a Irene Cara?

Irene Cara tinha o mundo na palma da sua mão em 1983. Ela começou sua carreira jovem, uma blatina (negra e latina) que tinha tudo para dar certo no showbusiness norte-americano. Começou como uma artista mirim e chegou a lançar um disco em espanhol com nove anos de idade, uma relíquia que pouca gente ouviu.

Aos 12 anos, Irene fez parte de um programa educativo da TV pública, tipo Castelo Rá-Tim-Bum, e chegou a fazer outros papéis dramáticos em séries e filmes. Um exemplo é Sparkle (1976), uma história à Dreamgirls (2006) na qual Irene faz uma das irmãs de um grupo musical, a Sparkle do título, que acaba conquistando uma carreira solo. O filme foi mal recebido na época mas ganhou um séquito de fãs. Chegou a rolar um remake em 2012.

Mas se Sparkle acabou não sendo um veículo para mostrar para um grande público tudo o que Irene era capaz de fazer, em 1980 chegaria a chance dela: era Fame, o musical sobre os estudantes de uma escola de artes performáticas. Irene não só fez um dos papéis principais (com uma maravilhosa franjinha de quarentena) e é a protagonista de uma das cenas mais dramáticas do filme, mas canta 3 músicas originais da trilha sonora: Fame, Hot Lunch e Out Here on My Own. A primeira e a última garantiram um fato inédito na história do Oscar: foi a primeira vez que duas músicas de um mesmo filme concorreram ao prêmio de Melhor Música Original. E a primeira vez que uma artista apresentou duas músicas na mesma cerimônia da Academia.

Imagina o quão emocionante deve ter sido assistir a tudo isso?!
A música Fame levou o Oscar de Melhor Música Original. E a trilha também levou o prêmio da noite.

Com isso tudo, qualquer um poderia imaginar que Irene Cara continuaria sua carreira mas que esse era o ápice. Só que a letra de Fame era premonitória: You ain't see the best of me yet.
Na sequência rolou um leve baque: Irene tentou emplacar uma sitcom estrelada por ela e chamada Irene. Não passou do piloto. Mas OK, o piloto não é ruim, então seguia tudo nos conformes.

Ao ser convidada para fazer parte da série de TV spin off de Fame em 1982, ela recusou a oportunidade repetir o papel de Coco Hernandez. Teria sido esse um outro passo em falso? Acho que não, apesar da série ter feito muito sucesso… na Inglaterra. Sério: os ingleses AMAM a série Fame, sabe-se lá o porquê.

Mas Irene lançaria um álbum pela Epic em 1982, o Anyone Can See. A Epic na época já era babadeira: tinha alguns dos grandes nomes do pop como Michael Jackson e Luther Vandross. Era dona do passe de uma outra latina que despontava: Gloria Estefan, ainda na banda Miami Sound Machine. Em 1984, lançaria o Make It Big do Wham! de George Michael. Ou seja: fazia sentido que ela quisesse transformar Irene numa superestrela, certo? Na minha opinião, o álbum possui clássicos injustiçados, como a balada que dá nome a ele e essa aqui:

Irene não faz parte do time de compositores de Reach Out I'll Be There, mas participa da criação de todas as outras canções do lado A. O álbum não foi mal nem bem nas vendas – apenas OK. Ele foi produzido pelo Ron Dante, que vem a ser nada menos que a voz de Archie na superbanda ficcional The Archies, rainha do bubblegum pop! (Guarda essa info não pelo Dante, mas por quem o Dante… não é!)

E aí veio o ano de 1983.
Tudo começou quando Giorgio Moroder e Keith Forsey receberam a notícia de que Joe Esposito (co-autor de nada menos que Bad Girls da Donna Summer) não seria mais o cantor da faixa Flashdance… What a Feeling para a trilha sonora de Flashdance. Queriam uma voz feminina, que cairia melhor já que a protagonista era uma mulher – e Esposito poderia continuar na trilha com a balada Lady, Lady, Lady.
Resultado: chamaram Irene. Diz a lenda que ela mudou a letra no carro a caminho do estúdio de gravação e assim assumiu um posto no time de compositores. Sorte a dela: Flashdance se transformaria na primeira música gravada por ela a alcançar o topo da parada da Billboard, uma trilha que vendeu muito.

E com isso ela ganhou o Oscar de Melhor Música Original de 1984 - já que fazia parte do time de compositores. Que tal?
Irene era Oscar material. Em 1985 ela fez outra apresentação ao vivo, sem concorrer:

Aliás, ela nunca mais concorreu ao Oscar. O que aconteceu?

Existem teorias. A primeira vem logo no álbum de 1983.

Escolhas erradas?

What a Feelin' também é o nome do álbum seguinte de Irene Cara. Ele foi produzido pelo mesmo Giorgio Moroder da trilha de Flashdance, que era o Midas de outra estrela, Donna Summer. O chauvinismo de críticos de música ignorou o fato de que Irene era compositora (apenas duas músicas das onze que fazem parte do álbum não tem o seu dedo) e tratou-a como um fantoche bem-produzido. Veja bem: ela já tinha sucessos. Era uma artista completa e qualquer um podia ver isso em filmes e apresentações ao vivo. Mas foi isso que aconteceu, a crítica esnobou. E o ponto mais alto que o disco chegou foi em 77º na parada da Billboard.

E o álbum é o quê? ÓTIMO. São letras de Irene Cara produzidas por Giorgio Moroder, bitch! O que você quer mais?

Outra coisa que prejudicou o lançamento foi não ter pego carona na cauda do cometa: Flashdance, o filme, foi lançado em abril. A trilha do filme foi lançada em março. Esse álbum de Irene saiu em novembro, em pleno inverno norte-americano, quando o single Flashdance já tinha dado tudo de si. E 1983 foi um ano difícil de bater, com Billie Jean e Beat It do Michael Jackson, Every Breath You Take do The Police, Down Under de Men at Work e Total Eclipse of the Heart de Bonnie Tyler. Irene não teve uma segunda chance de brilhar com as outras ótimas músicas desse disco fora Flashdance – a que chegou mais alto, em oitavo nas paradas, foi Breakdance.

As comparações com Donna Summer em si chegaram, e ambas possuíam um registro parecido de voz. Mas dizem que a coisa não parou por aí. Cara lançou esse álbum pela Network Records, o que traria um tanto de problemas para ela no futuro…

O cara errado

A gente não sabe se essas escolhas de 1983 foram erradas para Irene Cara ou poderiam ser melhores, porém existem fofocas muito plausíveis que dizem que ela se envolveu romanticamente com um homem errado. Não necessariamente porque o cara era do mal – a gente nem sabe quem é ele. Mas ele também era o interesse amoroso de… outro cara. Nada menos que David Geffen.

Esses são Lou Adler, Britt Ekland, David Geffen, Cher, Jack Nicholson e Angelica Huston no Grammy de 1974

Para quem não conhece a história de Geffen, isso vai soar como piada, mas eu juro que é verdade:
Geffen já era um executivo bem-sucedido com a sua própria gravadora nos anos 1980. Mas antes, em 1973, ele foi o homem de ninguém menos que Cher. Eles ficaram juntos por dois anos. A própria Cher diz que ela foi o primeiro relacionamento sólido dele.
Em 1992, ele finalmente sairia do armário. Mas todo mundo já meio que sabia que ele era gay.
(Sim, caso não tenha ficado claro: ele é um homem gay cujo primeiro relacionamento sólido na vida, antes de sair do armário, foi a Cher)

Em algum momento da primeira metade dos anos 1980, aquele interesse amoroso de Irene Cara que citei anteriormente era o mesmo de David Geffen – ou é o que as fofocas dizem…
”Mas e daí?”, você me pergunta. Bem…

A Geffen Records comprou a Network Records em 1984 e Irene não recebeu o dinheiro do What a Feelin'. Ou, segundo as fofocas, recebeu apenas US$ 183! É mole? Dizem que ela correu para assinar com a EMI. Não contente, a Geffen proibiu-a de assinar com a EMI ou qualquer outra gravadora pois a artista ainda estava sob contrato da Geffen! A gravadora (ou seja, David Geffen), não satisfeita, a impediu de participar de trilhas sonoras, de gravar e até de apresentar sua música por um par de anos.

Além de rancoroso, Geffen é bilionário. O que a gente acha? Que um imposto sobre grandes fortunas não cairia nada mal por ali <3

Irene Cara só conseguiria gravar algo em 1987. Lançado pela Elektra, Carasmatic foi produzido por George Duke. Flopou.

Irene diz que foi boicotada, queimada no meio pela "gravadora" – ela não diz nomes, mas a gente consegue ler “DAVID GEFFEN” escrito em uma placa luminosa atrás dela quando fala do assunto.
Até onde vai a vingança para uma bicha machucada, né? Que horror!
Geffen também foi o responsável por engavetar um disco duplo de Donna Summer, olha ela aí de novo, num momento-chave da carreira dela.

Alguém disse racista e misógino? Hum… Não é por nada, só me vieram esses adjetivos na cabeça.

Ah, existe mais um outro fator.

Cocaína

Irene já reconheceu publicamente que foi usuária de cocaína e depois lutou pela sua sobriedade.
Mas sinceramente: isso já aconteceu com outras estrelas e não prejudicou a capacidade delas de fazer sucesso. Portanto, acho que isso é um problema grave e importante da vida de Irene Cara, mas que não é motivo substancial para sua carreira não ter crescido e aparecido e hoje ela não ser tão famosa quanto uma Whitney Houston ou uma Celine Dion.

Irene Cara segue sua carreira longe dos blockbusters e do Hot 100. A última coisa grande que fez foi uma banda de mulheres, a Hot Caramel, que gravou um álbum em 2011.

E antes disso… Lembra do DJ Bobo? Aquele da eurobaba “everybody move your feet to the rhythm of this beat”… Pois é, rolou um dueto em 2001.

oh dear

#justiceforirenecara

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É uma questão de energia

A energia elétrica ganhou várias simbologias ao longo da pequena história da humanidade. Para quem não sabe, a palavra eletricidade vem do latim electrum, que por sua vez quer dizer “amante do âmbar”. Isso porque na Antiguidade fazia-se experimentos sobre essa energia esfregando âmbar contra a pele!

É por isso que a música de Adriana Calcanhotto que Maria Bethânia gravou, Âmbar, tem uma letra que remete à energia elétrica, ao aceso, ligado, plugado.

Isso é só um exemplo. A gente fala "fiquei aceso a noite inteira"; as bebidas estimulantes são chamadas energéticos e invariavelmente trazem raios e eletricidade nas suas campanhas publicitárias e embalagens; quando alguém fica muito agitado dizemos que "tá ligado no 220".

Uma das minhas obras de ficção favoritas de cyberpunk também é toda centrada nisso. Electric Dragon 80.000 V (2001) é um média metragem dirigido por Sogo Ishii.

O filme é P&B apesar de ter sido produzido no começo desse milênio e tem um toque tokusatsu: o personagem principal, Morrison, interpretado pelo gato Tadanobu Asano, tem poderes. E existe um outro cara, que funciona como um vilão (mas no fundo acho que não tem vilão e mocinho aqui): o Thunderbolt Buda (Masatoshi Nagase) tem um visual super babadeiro, com metade do rosto em metal. A sua motivação para brigar com Morrison? “Eu queria ver você irritado". Atrevidíssimo!

Morrison foi atingido por altas voltagens de energia desde pequeno. Isso faz com que ele consiga controlar a eletricidade (ou, dependendo do ponto de vista, descontrolar). A trama é cheia de imagens simbólicas como dragões e, creio eu, traz uma homenagem ao The Lizard King – ele mesmo, Jim Morrison.
Para quem não sabe: Lizard King foi uma das corruptelas que o próprio Jim Morrison se deu. O alter ego apareceu pela primeira vez na capa do álbum do The Doors Waiting for the Sun de 1968, num conjunto de poesias que foi impressa mas não foi lançada nesse álbum: Celebration of the Lizard. A ideia era incluir a performance de Celebration of the Lizard, que tinha uma pegada spoken word, no lado B de Waiting for the Sun, mas essa performance, captada ao vivo, acabou vindo a público apenas no álbum Absolutely Live, de 1970. Entre as coisas que o roqueiro diz, está: I am the Lizard King, I can do anything. É uma pegada bem "faça o que tu queres porque tudo é da lei", né?

Em um passado muito distante eu fui muito fã do Doors… HAHAHAHA É seríssimo!!!

O Morrison do filme cria lagartos. E extravasa a energia elétrica acumulada na sua guitarra.
A visão da guitarra elétrica como o estrangeiro, que esteve presente no Brasil com a infame Marcha contra a Guitarra Elétrica de 1967 liderada por Elis Regina (depois ela gravaria várias músicas que contam com o instrumento), também fez parte do cenário musical no Japão mais ou menos na mesma época. Os GS, ou Group Sounds, era um fenômeno pop nipônico que bombou entre o meio e o fim dos anos 1960. Essas bandas de rapazes, totalmente influenciadas pelo show dos Beatles na mítica arena Budokan em 1966, cantavam muito em inglês e a música era considerada pouco autêntica: primeiro porque era o rock dos norte-americanos que ocuparam e dominaram militarmente o Japão da Segunda Guerra, e segundo porque eram grupos "superproduzidos" apontados como vendidos e não como "verdadeiros artistas". Muita versão de música estrangeira em inglês (ao contrário da Jovem Guarda, que fazia versões na língua nativa), muita ocidentalização até no visual. Era a questão da autenticidade.

Isso tudo não faz justiça aos Group Sounds: eles fizeram técnicas de gravação do país avançarem e trouxeram uma contemporaneidade que depois se refletiria, inclusive em contraponto, em algumas das coisas mais legais da música pop japonesa como o folk e a new music. Sem Group Sounds talvez não existira o City Pop. Falei um pouco de City Pop nesse episódio do Quatrilho no meu podcast:

E, claro, a ligação entre a guitarra elétrica e a delinquência juvenil aconteceu dos dois lados do mundo. Minha filha é um caso sério, doutor. Rock é coisa do capeta.

Mas antes, preciso falar também de outro dragão.
Será que Shiryu de Cavaleiros do Zodíaco também é uma inspiração do Electric Dragon 80.000 V ?

Para muitas crianças, Cavaleiros do Zodíaco foi a porta de entrada para a mitologia grega e as casas zodiacais. A quantidade de simbologia embutida nele era disfarçada com lógica parecida com a dos Super Sentai: cada personagem tinha algum "elemento" que os dava poder; a união faz a força; uma lambança de termos como cosmo interior, armadura de bronze, de prata, de ouro; o bem deve vencer o mal; e ainda incluía a astronomia (cada cavaleiro se refere a uma constelação).
Shiryu era um dos mais queridos – tem muita mulher que eu conheço que assistia a Cavaleiros do Zodíaco olhando para aquele cabeludo, meninas nervosíssimas como se estivessem vendo um show de Bon Jovi, Guns 'n’ Roses ou algo assim. Sim: Shiryu era sex symbol, uma espécie de rock star cego e careta sem guitarra. Shiryu era o Change Griffon do Cavaleiros, se é que me entendes (e eu sei que me entendes).
E eu? Respeita a minha pessoa, não vou ficar entregando as minhas intimidades assim! HAHAHAHAHAHA!

Voltando para o revoltadíssimo Morrison:
A distorção do som é símbolo e extravasamento da dor e revolta desde que existe distorção. Os poucos acordes do punk, por mais cooptados que tenham sido pelo mercado, ainda fazem parte do repertório da revolução. Sogo Ishii tem outras obras menos fantasiosas e mais centradas na música que vão nessa mesma linha de pensamento.

E isso me lembra também um dos episódios de O Inexplicável, o programa apresentado por William Shatner no History. Ele conta a história de uma mulher que foi atingida duas vezes por raios e sobreviveu. Não só: ela de alguma maneira sente a energia elétrica de maneira mais intensa que a gente. Morrison da vida real.

Quando me perguntam sobre religião e no que eu acredito, digo que sou agnóstico. Acredito em algo que não sei explicar bem o que é: energia. Mas não é necessariamente energia elétrica: é algum elemento que fica, que paira e se movimenta, alguma coisa que ainda poderá ser explicada pela física. Se nada se perde e tudo se transforma, o que acontece com os nossos pensamentos? A nossa consciência?

A energia também é sexy. Né?

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"Ao sair / do avião": séries com avião para não ter saudade de avião

Ao que tudo indica ainda vai demorar para a gente embarcar num avião de novo. Tem quem diga que, quando a situação se normalizar (seja lá o que isso signifique), o normal vai ser chegar quatro horas antes para embarcar. Outros dizem que isso é um exagero. E em suma: ninguém sabe direito o que vai acontecer com os preços, já que a princípio os aviões não podem ser totalmente ocupados por enquanto (por causa do distanciamento social) mas o preço do petróleo caiu bastante. Uma reportagem do site da CNN trata do assunto.

No objetivo de apaziguar um pouco o desejo de andar de avião (na verdade o desejo de viajar, né), resolvi falar de séries que estou assistindo (ou já assisti) e que apresentam o avião como um lugar de insegurança, perigo, tragédia. Para com essas ideias de andar de avião, menina! Kkkkkkkkkkk!

O avião é um não-lugar: enquanto está no ar, existe em si mesmo, um trambolho pesadíssimo no meio do céu, uma comunidade isolada onde laços não são formados porque, afinal, ninguém quer formar laços em um não-lugar; todo mundo quer pertencer a algum lugar de verdade e não a um ambiente onde só vamos passar um tempo determinado. O avião é um meio para chegarmos ao nosso objetivo (um deslocamento mais rápido), mas para a maioria que tem a po$$ibilidade de andar em um, é um privilégio incômodo de comida ruim, aperto, câimbra, inchaço, dor no pescoço, desidratação. A menos que você viaje de executiva ou de primeira, né, fia? Aí, bem, só me resta dizer parabéns. Quanto a nós, é um sacrifício para chegar ao paraíso. Rumo ao sonho? Vejamos…

Manifest - O Mistério do Vôo 828

Atualmente na Globo e também no Globoplay

Misture Lost com The 4400. Só que acrescente interpretações ruins, efeitos cafonas, subtextos cristãos. Pronto: você tem Manifest, a série péssima que deixou todo mundo viciado. Caso você ainda não tenha entrado em contato com essa droga e quer ficar de boa, nem chegue perto. Acontece que a Globo decidiu colocar Manifest no ar bem naquele momento que a gente tava fissurado em BBB20, logo depois de uma terça, dia de eliminação. Resultado: deixamos a TV ligada, ainda refletindo sobre a votação e… pronto, caímos nessa trama dublada com a profundidade de um pires.

A história: um avião que sairia da Jamaica para os EUA tem overbooking e a companhia oferece dinheiro para pessoas pegarem o próximo. Uma parte da família Stone decide ficar e a outra segue. O vôo seguinte, que é o tal 828 do título, misteriosamente some. Depois de 5 anos, quando todo mundo já achava que tinha rolado um acidente e o avião provavelmente estava no fundo do mar com todos os passageiros, acontece um milagre: ele ressurge e aterrissa, como se nada tivesse acontecido. Para os passageiros e tripulação do 828, nada aconteceu: o vôo rolou normalmente, sem intervalo de tempo. E agora? Quem explica?

Com esse intervalo de 5 anos, toda a vida seguiu: as pessoas que não estavam no vôo envelheceram normalmente, se relacionaram com outras pessoas, morreram. Enquanto lidam com esse choque, passageiros também passam a experimentar situações sem explicação: chamados de vozes do além e acontecimentos estranhos demais para serem coincidências.

Eu sei, parece ótima na sinopse. Mas acredite: não é. Só que vicia porque você quer saber até onde essa palhaçada vai chegar. Risos! Nos EUA ela já teve uma segunda temporada.

Pesadelo a 30.000 pés

Segundo episódio da versão de 2019 de The Twilight Zone na Amazon Prime

Primeiro, é necessário dizer: sou cadelinha do Jordan Peele. Tudo que ele faz eu acho FODA. Isso inclui a nova versão de The Twilight Zone produzida e apresentada por ele. No Brasil a série clássica é conhecida como Além da Imaginação.

Pesadelo a 30.000 pés na verdade é um remake de um dos episódios mais clássicos do Twilight Zone original, Nightmare at 20,000 feet, no qual William Shatner faz o personagem principal, um homem que acha que viu um monstro na asa do avião em pleno vôo. Só que ninguém mais consegue ver o tal monstro. E pior: o homem acabou de se recuperar de um colapso nervoso que ele sofreu… em um avião. Será que ele se recuperou mesmo? Será que é uma recaída?

Nightmare at 20,000 feet

Episódio da 5ª temporada da versão original de The Twilight Zone, no CBS All Access ou no seu torrent preferido?

O primeiro episódio já abordava a ideia de sanidade e já rendeu um outro remake em No Limite da Realidade (1983), o filme baseado em Twilight Zone. O longa traz 4 segmentos e um deles leva o mesmo nome, Nightmare at 20,000 feet. Por causa de um acidente grave de filmagem em outro segmento, que levou à morte um ator (Vic Morrow) e duas crianças, o filme ganhou a fama de amaldiçoado (ele é um dos filmes que virou destaque na série documental Cursed Films da Shudder). Nunca assisti, mas as pessoas costumam elogiar esse segmento específico do avião. E dizem que o mais engraçado é que a viagem já é um pesadelo antes mesmo do monstro aparecer: tem um moleque pentelho por perto, o personagem principal (John Lithgow) já está bem nervoso ao embarcar e por aí vai.

Questões sobre sanidade e loucura também estão no cerne da nova versão de 2019. Agora o personagem principal é interpretado por Adam Scott, e a adaptação é apenas um “aceno” para a original. Isso porque o monstro é mais real aqui: o passageiro encontra um MP3 player antigo com um podcast (?!?), começa a ouvir e percebe que o áudio, desses de investigação sobre acidentes, está se referindo ao vôo em que ele está mas no passado, dizendo que o avião desapareceu. Ele continua a ouvir para tentar resolver e fazer com que esse destino descrito no podcast não aconteça. Mas, claro: ele também está em recuperação pós-trauma. E ninguém mais ouve o podcast fora ele. Será que ele está fora de si, criando coisas na cabeça por conta de stress?

Resumindo: é bom. Mas como eu disse: alerta cadelinha do Jordan Peele. Será que a minha opinião é imparcial? Será que estou no controle da minha sanidade? Hahahahahahaha!

Noite Adentro

Na Netflix

Nem bem comecei a ver e já estou fascinado nessa série belga que entrou faz pouco tempo na Netflix. É muito boa: ela conta a história de um vôo previsto de Bruxelas para Moscou que é sequestrado por aparentemente um oficial da Otan. O cara tem seus motivos para o sequestro: possui informações privilegiadas de uma tragédia humana que está acontecendo por todo o planeta. Simples assim: quem estiver em lugar atingido pelo nascer do sol vai morrer. O objetivo dele é viajar o quanto puder no avião, noite adentro (hein, hein?), para sobreviver ao não ficar exposto ao sol. Só que o vôo é sequestrado quando alguns passageiros já tinham embarcado. Tumulto-babado-confusão-questões-pessoais. Amo!

Fenda no Tempo

Em inglês: The Langoliers - eu assisti por meios, er, excusos…

Se Manifest é ruim, ela tem uma herdeira: The Langoliers tecnicamente é uma minissérie porque é dividida em duas partes (longas, por sinal, é quase 3 horas ao todo), e é um pouco melhor porque tem uma vantagem babadeira. É baseada num livro do Stephen King de mesmo nome!

A história de 1995 dirigida por Tom Holland (simplesmente o cara que escreveu A Hora do Espanto original, de 1985) tem um quê de Leftovers e na verdade pode ter inspirado Manifest, Lost e outras: um avião sai de Los Angeles para Boston, mas no meio do caminho uma das passageiras, uma garota cega, acorda e percebe que… quase todos que estavam no avião sumiram. Sobraram só 10, que estavam dormindo, então eles nem viram como os outros “evaporaram".
As interpretações são ruinzinhas mas o que pega mesmo são os efeitos especiais. Se um designer doido da rave que se vestia na A Mulher do Padre nos anos 1990 e recebesse a encomenda de criar uns monstrinhos com a boca enorme cheios de dentes em 3D, ele faria exatamente esses efeitos especiais de Langoliers. Mas confesso que me entretive nessas 3 horas…
Dizem que King tem medo de avião e isso o inspirou para a história de The Langoliers, que no fundo é interessante. Se você não liga para essa coisa de efeito especial noventista (do tipo que assistia Charmed e achava bem normal), acho que até vai gostar.

Lost

Que infelizmente saiu da Netflix - acho que tem na Claro Video

Não podia deixar de falar de Lost. A série que, dizem, mudou tudo. Se você nunca se viciou em Lost e não se meteu na polêmica sobre o final (que alguns acham ótimo e outros acham horrendo), não dá para se considerar nerd de séries. Lost foi o Game of Thrones dos anos 2000, o motivo pelo qual muita gente aprendeu a mexer (e principalmente procurar teorias) em fórum de internet.
Sou um caso à parte: não tenho uma opinião tão apaixonada assim a respeito do fim da série. Acho legal. E acho que o Damon Lindelof se superou com Leftovers e Watchmen - essas sim, dois xodós meus.
E acho que essa quarentena é uma boa oportunidade para quem ainda não viu Lost (sei lá, a Geração Z?) maratonar.

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