A quadrilogia jovem de Marcos Rey – e por que eles ainda não ganharam uma adaptação audiovisual?

Você lembra? Lembra sim, né? Marcos Rey, que na verdade era um pseudônimo de Edmundo Nonato, assinou vários livros da coleção Vagalume da Ática. Entre eles, quatro na verdade faziam parte de uma sequência: O Mistério do Cinco Estrelas (1981), O Rapto do Garoto de Ouro (1982), Um Cadáver Ouve Rádio (1983) e Um Rosto no Computador (1994). Muita gente só leu os três primeiros porque o quarto saiu onze anos depois. Eu não me lembro quais li e quais não li na época, mas durante a pandemia, como vocês podem reparar nos posts anteriores, a nostalgia está batendo forte por aqui. Portanto: decidi revisitá-los. Li na sequência e várias perguntas começaram a surgir, sendo a primeira…

Por que eles não ganharam uma adaptação audiovisual até hoje?

A coisa fica ainda mais complexa quando a gente descobre que, mesmo antes de Rey começar a contar as aventuras da turma do Léo, ele já trabalhava como roteirista. A novela A Moreninha da Globo, de 1975, é um exemplo: roteiro dele. A modernosa Super Plá, da Tupi de 1969, também tinha texto dele com Bráulio Pedroso.
E mesmo depois, em 1986, o livro de Rey Memórias de um Gigolô foi adaptado por ele mesmo e Walter Dust para uma minissérie da Globo com direção de Walter Avancini estrelada por Lauro Corona, Bruna Lombardi e Ney Latorraca. Sem esquecer de Elke Maravilha, que ARRASA como madame Yara!

Antes, em 1970, Memórias de um Gigolô foi filme de Alberto Pieralisi sem participação de Rey no roteiro.

Mas se Rey tinha tanta entrada na Globo assim, sendo nome conhecido, por que os seus best seller juvenis nunca emplacaram em filme ou série?
A verdade é que em 2012 tudo indicava que eles iam virar sim, uma série de três filmes (a princípio ignorando o quarto). Saiu notícia e tudo. A RT Features de Rodrigo Teixeira, que estava por trás do projeto, é bacana e já produziu coisas incríveis como O Cheiro do Ralo (2006), Quando Eu Era Vivo (2014), O Abismo Prateado (2011), Tim Maia (2014), A Vida Invisível (2019) e também filmes internacionais como Me Chame Pelo Seu Nome (2017) e A Bruxa (2015). Ou seja: não é brincadeira. O projeto continua em destaque no site da produtora, mas não existe diretor, elenco, nada. Desde 2012!

O pior é que há precedentes: O Escaravelho do Diabo, outro livro-hit da Vagalume, esse escrito por Lúcia Machado de Almeida, virou filme em 2016. Dirigido por Carlo Milani, é meio OK. Mais para OK do que para bom. Mas eu sempre achei O Escaravelho mais mediano que as tramas do Marcos Rey, confesso…

Os livros são bons?

Para quem não leu ou leu faz muito tempo: os livros sempre se passam em São Paulo, mais especificamente no bairro do Bixiga, e trazem como personagens Leo, o bell-boy do hotel cinco estrelas Emperor Park Hotel, o seu primo cadeirante e jogador de xadrez Gino e a sua quase-namorada patricinha Ângela. São histórias de thriller policial, nas quais os três, às vezes com a ajuda do porteiro do hotel Guima, desvendam o culpado.

Gosto muito do Rapto, no qual um rapaz amigo deles que começou a fazer bastante sucesso como músico é raptado. O primeiro, Mistério, é um clássico, muito bom também. O terceiro, Cadáver, é legal mas acho que perde um pouco para o segundo – a gente já conhece a dinâmica e fica mais fácil descobrir as pistas. E em Cadáver as situações mais violentas às quais tanto Leo quanto Gino se expõe tem o objetivo de talvez trazer mais adrenalina. Isso acontece mesmo, mas ao mesmo tempo fica difícil acreditar que eles seguiriam bancando os detetives com um perigo tão concreto de violar suas integridades físicas. Então Cadáver é o mais descolado da realidade, com um nome (maravilhoso, por sinal) digno de imprensa marrom.

E o quarto é bem fraco perto dos outros. Cheio de pontas soltas, ele sugere várias coisas que não são desenvolvidas direito – a sequestrada Lia gosta ou não do Leo? E essa tensão sexual entre Gino e Ângela, aparece de onde e pra quê? Uma falha que considero enorme é que no meio do livro a gente já sabe quem é o culpado, o que acaba com esse suspense – só ficamos tensos para saber como eles vão desvendar o mistério, e o modo que eles conseguem fazê-lo também é meio besta. Entendo que Rey provavelmente não quisesse repetir a mesma fórmula, mas do jeito que ele fez… também não ficou bom. Até o título é meio esquisito: o paralelo entre o computador e o culpado é muito pouco explorado para ganhar tanta importância. Talvez em 1994 a palavra "computador” fosse mais forte, mas hoje é meio qualquer coisa, então ele também envelheceu mal.

De qualquer forma, se você se empolgar e chegar no fim do terceiro, vai acabar lendo o quarto também… Risos!

Quanto aos livros serem materiais bons para um roteiro: SUPER. Acho que pelo próprio Marcos Rey ser roteirista, as histórias que ele criou são bem dinâmicas, facilmente adaptáveis.
Agora, eu preferia uma série do que filmes, e se possível que se passasse nos mesmos anos que os livros, entre 1981 e 1983 (repare que estou ignorando total o Rosto kkkkkkk). Pode ser, Netflix? Amazon Prime? Globoplay?? Alguém???

Eu amava essa capa original! Sucesso! Você já viu as novas versões? Tão fraquinhas perto das antigas…

Para quem ficou curioso: o ilustrador das capas originais dos livros do Marcos Rey é Jayme Leão – inclusive do quarto.
Rey morreu em 1999. Jayme Leão, em 2014.

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A (quase) trilogia teen de Jorge Furtado

Você conhece o Jorge Furtado, né? Se você em mais ou menos a minha idade – um pouco mais, um pouco menos – entrou em contato com o trabalho dele bem cedo. É que era mania as escolas passarem esse vídeo aqui.

Ilha das Flores

Curta de 1989

Esse post da Galileu explica Ilha das Flores direitinho.

Bom, recentemente lembrei de Houve uma Vez Dois Verões, o primeiro longa dirigido por Furtado, lançado em 2002. Fiquei com saudades – vi quando estreou e nunca mais, mas lembrava de como gostei. Na época ninguém era hipster, o termo da vez era indie. É muito esquisito ter que explicar isso agora, porque indie saiu do vocabulário! Hahahahahaha! Ser indie era gostar de bandas e publicações independentes, tinha a ver com cultura underground. Só que ao mesmo tempo isso veio muito importado dos EUA, e Alanis Morissette já tinha implodido o rótulo “alternative” com seu Jagged Little Pill, usando códigos do indie para fazer dele um dos discos mais vendidos da história.

Praticamente todo ano alguém ressuscita uma matéria da Veja São Paulo que falava dos indies – era uma tribo urbana com código estético e tudo (óculos de grau de aro grosso e escuro, cabelo meio Beatles com pomada ou sem lavar, camiseta de manga comprida por baixo da camisa ou de outra camiseta colorida, jeans skinny ou calça de alfaiataria preta, All Star, jaqueta da Adidas, paletó justinho tipo Strokes).

Depois o emocore se popularizou, as coisas se misturaram e ninguém mais sabia diferenciar o emo do indie, então acho que os indies começaram a mudar o jeito de se vestir para evitar a confusão – desculpa, mas essa é a minha teoria… kkkkkkkkkkk!

Já ouviu falar nos indies? pic.twitter.com/wVQwtrHSdd

— TECO APPLE (@tecoapple) June 24, 2020

Por que falei tudo isso? Porque Porto Alegre era uma espécie de capital indie, e sendo assim Houve uma Vez captou um tanto disso. Ou seja: não apenas é um filme que trata o jovem como ser pensante (e não como um retardado) mas traz referências soltas sobre esse mundo do qual a gente fazia parte. Na trilha sonora tem, por exemplo, Frank Jorge (com Cabelos Cor-de-Jambo), Wander Wildner (versão de Without You do Badfinger) e até os mineiros do Pato Fu (a versão deles para Coração Tranquilo, do Walter Franco). Mas, principalmente, tem Video Hits com Perdido e Meio, do próprio líder da banda, Diego Medina.

Nossa, o CD Registro Sonoro Oficial que saiu em 2001 pela Abril Music rodou muito no meu discman. A fita demo de 2002, Feito em Casa e Com Muito Orgulho, inclui a Perdido e Meio que acabou na trilha de Houve uma Vez, mas o Video Hits acabou naquele mesmo ano.
Tem tanta banda que eu ouvia naquela época e ficou ali, paralisada naquele meu momento de vida… Wonkavision, Maybees (que depois virou Ludov), Monokini, Pullovers. O próprio CSS, que hoje é hipster mas antes era indie.

Com a nostalgia batendo forte, comecei a notar como o trabalho de Furtado foi importante na minha formação cultural pop. E decidi rever Houve uma Vez Dois Verões. E mais: percebi uma "quase trilogia” teen na carreira de Furtado. Calma que vou explicar o "quase”! Mas primeiro vamos ao que seriam os dois primeiros longas desse trio.

Envelheceram bem?
Para mim é difícil dizer com distanciamento, já que ambos estão na minha memória afetiva. Sigo gostando deles por alguns motivos – ei-los:

. Filme nacional classe média: sou super a favor da diversidade de assuntos na cinematografia do país. Houve uma Vez é a descoberta do amor, sexo e amadurecimento. Meu Tio Matou um Cara traz o racismo a partir dos olhos de um rapaz que ainda está no colégio, de uma família negra e de classe média, e também tem como tema principal a descoberta do amor e sexo, das relações e suas "lógicas", o funcionamento do mundo adulto.

. Ambos falam de conflitos entre gêneros: colocam a mulher como um ser mais esperto e pilantra que engana o “ingênuo homem". É problemático, mas eles o fazem de maneira carismática, deixando essas mulheres também simpáticas (Roza, interpretada por Ana Maria Mainieri, no primeiro; Soraia, interpretada por Deborah Secco, no segundo), de modo que você não tem raiva delas. Incomoda essa coisa da "mulher vamp", acho meio ultrapassado, mas não chega a me fazer desgostar dos longas.

. Trio: é instigante que a dinâmica de ambos seja mais ou menos de trio, com dois homens e uma mulher. Em Houve uma Vez é até menos, porque Roza não interage tanto com o amigo de Chico (André Arteche), Juca (Pedro Furtado). Só que no Meu Tio Matou um Cara, Isa (Sophia Reis) está bem no meio da disputa entre Kid (Renan Gioelli) e Duca (Darlan Cunha). Síndrome de Jules e Jim total.

. Em ambos a presença do narrador em primeira pessoa é fortíssima. Isso aproxima a gente dos personagens principais, e nos faz saber o que se passa na cabeça deles de maneira rápida e simples. Desse jeito, a narrativa se aproxima de um sabor Confissões de Adolescente, só que com protagonistas masculinos.

. As histórias não são exatamente cotidianas: na primeira uma moça dá golpes dizendo que está grávida e que precisa de dinheiro para o aborto para um monte de caras; na segunda, o tio de um rapaz matou um cara (dãããrrrr) e precisa responder ao processo judicial enquanto na paralela corre o drama do rapaz que não consegue declarar seu amor para a amiga de infância. Mas ambas incluem elementos da vida urbana que as deixam mais realistas: a mesa do boteco, a loja de CD, o ônibus, a pia de louça, a caneta do Pikachu.

Houve uma Vez: Chico atrás de Roza no fliperama

. Furtado inclui dois elementos muito caros ao adolescente nas tramas: o videogame (em forma de fliperama no primeiro) e a música.

. O roteiro em si é cheio de sacadinhas. Diálogos bons, plot twists, respostas rápidas. Acima de tudo: diverte.

. Meu Tio ganha vários pontos ao colocar um negro e uma família negra como protagonistas de um filme para jovens: coisa que John Hughes nunca fez (a falta de diversidade racial nos filmes do norte-americano é chocante) e que, em 2004, ano do lançamento, não era tão discutida quanto hoje.

. Carisma. Darlan Cunha, que é o Laranjinha de Cidade dos Homens, vulnerável & adorável; Sophia Reis, a nossa Emma Watson; André Arteche, um ótimo sonso; Pedro Furtado prova ser mais que o "filho do chefe” roubando a cena (ele é o filho do diretor). Tenho uns probleminhas com Ana Maria Mainieri, acho que ela está um pouco abaixo do nível dos meninos, quase chata no seu ar blasé. Renan Gioelli também, é meio qualquer coisa, tipo um genérico do Arteche. Menções honrosas para Júlia Barth como a ruiva e desenvolta Carmem em Houve uma Vez e a ótima dupla Dira Paes e Ailton Graça em Meu Tio.

Isa e Duca em Meu Tio Matou um Cara

Bom, e aí chegamos em "mais ou menos” o terceiro filme teen de Furtado, que não é de Furtado.
Mas é da mesma produtora (Casa de Cinema de Porto Alegre), conta com ele como um dos roteiristas e é dirigido pela grande parceira profissional dele, Ana Luiza Azevedo – os dois assinam Doce de Mãe, a série brasileira com Fernanda Montenegro que levou o Emmy internacional.

Antes que o Mundo Acabe, de 2009, não é tão bom quanto os dois primeiros. Também não é uma porcaria – assisti e me diverti, e acho que isso é o mais importante. Mas não dá para ignorar seus defeitos.

A premissa é boa: um rapaz, Daniel (Pedro Tergolina), sempre soube que seu atual pai (Murilo Grossi) não é seu pai biológico (Eduardo Moreira). E um dia recebe uma carta desse pai biológico, que também chama Daniel e é fotógrafo, depois de toda uma vida sem notícias. E apesar das semelhanças entre esse e os filmes sobre os quais estava falando antes, existem diferenças cruciais. Vamos a elas.

. Tem narração. Mas quem narra é principalmente a irmã mais nova de Daniel, Maria Clara (Caroline Guedes). A gente perde a voz interior do protagonista, mas ganha em simpatia: Maria Clara, apesar de bem criança, tem o ritmo e o conteúdo enciclopédico mais próximo da voz de Ilha das Flores do que os protagonistas dos longas anteriores. Quem diria?

. Trio de novo. Mas que encosto de Jules e Jim é esse, né? Só que o problema é que os atores não são tão carismáticos. Você não torce por eles. Mim (Bianca Menti) não convence como apaixonante a ponto de ser disputada pelos dois amigos. Lucas (Eduardo Cardoso) é o melhorzinho mas nem assim. O problema está no roteiro? Talvez não apareçam tantas dinâmicas de amizade, e quando aparecem o triângulo amoroso já está avançado demais para te causar dúvidas.

. A história acontece numa cidade do interior, apesar de existir uma passagem importante em Porto Alegre. A lógica é de uma cidade pequena, onde todos se conhecem. Mas fiquei com a impressão que esses jovens estavam muito urbanos… Efeitos da globalização? Não chega a incomodar, é só uma constatação.

. Falta dimensão nos outros problemas que vão além do pai de Daniel. Não quero dar spoilers, então vou dizer de maneira vaga: Lucas parece OK com seu destino. Mim parece OK com o conflito moral. Até o violão de Mim é levado na brincadeira: ela gosta de tocar? Ou ele só foi inserido ali para a versão fofita acústica de Beat Acelerado do Metrô tocar na trilha? Ao deixar essas questões rasas, o filme faz justamente o que não queremos que um filme adolescente faça: tratar os problemas adolescentes como se eles fossem bobagem. E sinceramente: não me parecem bobagem MESMO, são temas que mexem com mobilidade social e crime!

. Mim não está em dúvida. Ela é um raro exemplo de mina lixo, o feminino de boy lixo. Só que, sem carisma, a gente fica com a impressão que ela é apenas uma cabeça oca bobinha. Por outro lado, a mãe de Daniel, Elaine (Janaína Kremer), pinta como algo inédito aqui: a mulher que fez uma escolha difícil e foi deixada para trás pelo homem. Tudo isso é apresentado na linha "são coisas da vida", e acho que essa parte é uma das que se salvam da narrativa. Kremer, junto com Caroline Guedes, é a melhor atriz do longa disparado.

. Alguma conjuntura fez faltar charme. Pode ser o conjunto dos itens acima, pode ser outra coisa. Mas tem algo a menos aqui.

Ah, importante dizer: Antes que o Mundo Acabe é baseado em um livro de mesmo nome de Marcelo Carneiro da Cunha. Ainda não li, então não saberia comparar nem dizer o quanto do roteiro vem dele.

Daniel, Mim e Lucas

Moral da história: assista aos três para valorizar o cinema nacional. Mas o terceiro… pode procrastinar.

Quem gostou desse post pode gostar de:
. A adaptação cinematográfica do clássico O Gênio do Crime
. Confissões de Adolescente, o áudiobook
. Essa fixação pelos anos 1980 nunca vai acabar?

Joni Mitchell e as canções que ela fez para eles

Você, fã da Taylor Swift, fica aí pesquisando sobre os ex-namorados dela e as músicas que ela fez para cada um. Bom, em algum momento dos anos 2010, alguém inventou de querer fazer a cinebiografia de Joni Mitchell, Carole King e Carly Simon, o trio parada-dura de cantoras do folk norte-americano.

E aí parece que Swift se empolgou para querer fazer o papel de Mitchell, mas Mitchell logo a mandou tirar seu cavalinho da chuva! Ela mesma conta que falou para o produtor: “Tudo o que você tem é uma garota com as maçãs do rosto altas.” The shade… O livro no qual o filme ia se basear, Girls Like Us, é, segundo Mitchell, "suposições, suposições, suposições.” Três vezes! Suponho que isso seja suposição a dar com o pau.

E a verdade é que, bem, Mitchell não parece muito fã de Swift nem das comparações. Sim, ela teve um monte de namorado famoso. Sim, ela fez músicas para eles. Mas para que comparar? Respondo por ela: porque é divertido, desculpa qualquer coisa.

Esta lista de músicas que Mitchell fez para os ex é baseada em suposições, suposições, suposições. Não a levem a sério!

Coyote, 1976, sobre Sam Shepard

No regrets, Coyote
We just come from such different sets of circumstance

O álbum Hejira foi composto em sua maior parte numa viagem de carro que Mitchell fez pelos EUA. O nome vem do árabe hijra, que quer dizer partida ou jornada. Refere-se à migração do profeta Maomé de Meca a Medina em 622. Mas Coyote começou antes.
Precisamos ter um contexto anterior: a turnê Rolling Thunder Revue, de Bob Dylan, rolou entre 1975-76 e Mitchell participou de alguns shows no fim de 1975. Lá, ela começou a usar cocaína com mais frequência (juro que essa informação é importante lá no fim do post). E também foi ali que ela encontrou Sam Shepard, contratado por Dylan para fazer um roteiro de filme baseado nos acontecimentos da turnê. O filme saiu como Renaldo and Clara em 1978, uma mistura de documentário e ficção, e Shepard ainda lançou um livro sobre a experiência da tour.
Coyote não só fala do breve relacionamento entre Mitchell e Shepard mas também de outras coisas que a cantora viu na turnê. E em uma das apresentações, Mitchell mostrou uma versão beta de Coyote. Tipo “olha no que estou trabalhando, pessoal!".

Shepard fala sobre Mitchell no livro, claro.
”She stands there in the midst of it, making believe she’s tuning an already well-adjusted guitar until the place calms down. No doubt the element of surprise, of the audience not knowing she’s on the bill, is partly responsible for the explosions, but there’s something more important in it – the fact that people listen to her every word. Her music’s nothing outrageous, but her word maneuverings tend to verge on uncanny.”

Shepard morreu em 2017

Blue, 1971, sobre David Blue

Hey, Blue
Here is a song for you
Ink on a pin
Underneath the skin
An empty space to fill in

Dizem que a música foi feita para David Blue, compositor que fazia músicas com Mitchell, mas ninguém tem certeza se é apenas uma coincidência no nome e Mitchell já negou. Em teoria, eles nunca tiveram um relacionamento amoroso.
Blue, o músico, nunca chegou a ser uma estrela como Dylan, a própria Mitchell e outros contemporâneos seus. Virou cult.

David Blue aparece em Renaldo and Clara, veja só. Participou de alguns outros longas e até de uma peça, American Days de Stephen Poliakoff, além de ter lançado uma série de discos.

Blue morreu em 1982 aos 41 anos de ataque cardíaco

Willy, 1970, para Graham Nash

Willy is my child, he is my father
I would be his lady all my life
He says he'd love to live with me
But for an ancient injury
That has not healed
He said I feel once again
Like I gave my heart too soon

Nessa ela quase não disfarça: William era o nome do meio de Graham Nash do trio Crosby Stills & Nash. E Willy seria uma resposta para Our House, música do Graham Nash sobre a casa de Mitchell em Santa Monica. E para um certo ataque de siricutico de Nash, que decidiu que não estava pronto para o amor. É o que a letra dá a entender…

Nash com Mitchell – eles tiveram um relacionamento entre 1968 e 1970

I Had a King, 1968, para Chuck Mitchell

I can't go back there anymore
You know my keys won't fit the door
You know my thoughts don't fit the man
They never can, they never can

Afff, que música, senhoras e senhores. Ela foi feita para o primeiro marido de Mitchell, Chuck. Depois de casarem, os dois se apresentavam como uma dupla. O nome de solteira de Joni é Roberta Joan Anderson, ela trocou o sobrenome por Mitchell ao casar. Pela data e pela letra, é meio óbvio que a canção fala sobre a separação.

Tem quem defenda que The Last Time I Saw Richard de 1971 também seria para Chuck. Faz sentido se a gente pensar em Detroit e que ele casou de novo, a mulher é uma dona de casa… As coisas se encaixam.

Os Mitchell – eles ficaram casados de 1965 a 1967

Cold Blue Steel and Sweet Fire, 1972, para James Taylor

Cold blue steel out of money
One eye for the beat police
Sweet fire calling
"You can't deny me
Now you know what you need"

Polêmicaaaa: Mitchell canta sobre o vício do então parceiro James Taylor em heroína. Eles estiveram juntos entre 1970 e 1971 – e a troca também era artística, com o casal se apresentando junto. Dizem que All I Want, do álbum Blue de 1971, também é para ele. Quem toca violão nessa faixa é o próprio Taylor. O relacionamento terminaria no mesmo ano, deixando Mitchell devastada.

Mais para Taylor:
. See You Sometime, de 1972.

Taylor, Mitchell, o engenheiro de som Hank Cicalo e Carole King nas sessões do álbum Tapestry de King, de 1971 – ao contrário do que muita gente acredita, King e Taylor nunca namoraram. São apenas BFF!

A Case of You, 1971, para Leonard Cohen

Just before our love got lost, you said
"I am as constant as a northern star, " and I said
"Constantly in the darkness
Where's that at?
If you want me, I'll be in the bar"

James Taylor tocou violão nessa mas a música é claramente para Cohen. Mitchell cita o Canadá, terra natal dele, e até a mãe de Cohen, que teria a boca parecida com a dele.
Mitchell e Cohen foram “algo” entre 1967 e 1968. Eles se conheceram no Newport Folk Festival e a cantora explica que admirava muito a música Suzanne, de Cohen.
Ela também conta que o poeta e músico ficou bravo quando descobriu que ela tinha usado a frase que ele disse para ela: “sou tão constante quanto a estrela do norte". Que idiota! HAHAHAHAHA! Pede direito autoral e assina o recibo, então, bobinho!

Outras de Mitchell que são para ele:
. That Song About the Midway, de 1969 (David Crosby diz que na verdade a música é sobre ele. E agora? Talvez seja para os dois…)
. Rainy Night House, de 1970. “I went one time to his home and I fell asleep in his old room, and he sat up and watched me sleep. He sat up all the night and he watched me to see who in the world I could be.” – Mitchell em entrevista para Malka Marom.

Cohen e Mitchell seguiram sendo… amigos? Colegas? Inimigos estimulantes um ao outro? Enfim. Cohen morreu em 2016

Carey, 1971, para Cary Raditz

Come on down to the Mermaid Cafe
And I will buy you a bottle of wine
And we'll laugh and toast to nothing and
Smash our empty glasses down

Mais uma do clássico Blue! Carey é Cary Raditz, um chef que Mitchell conheceu numa comunidade hippie em Matala, vila de pescadores da ilha de Creta, Grécia, em 1970. O Mermaid Cafe realmente existia. No refrão, Mitchell fica chamando Carey de "mean old daddy". Imagina ficar conhecido por esse aposto pro resto da vida?
A música foi um presente de aniversário de Mitchell para Raditz. Dizem que California, do mesmo álbum, também é para ele.

Mitchell e Raditz

Free Man in Paris, 1974, para David Geffen

The way I see it, he said
You just can't win it
Everybody's in it for their own gain
You can't please 'em all
There's always somebody calling you down

Olha ele aí outra vez. Geffen não era um namorado e sim o agente de Mitchell! A música claramente fala de como o executivo se sentia mais livre em Paris do que com seus compromissos nos EUA. “Thinking how I'll feel when I find / That very good friend of mine” pode se referir a algum, er, "amigo". Como já disse em outro post, Geffen é gay.
Elton John, outro homossexual assumido poderoso na indústria da música, apresentou Free Man in Paris em um show-tributo para Mitchell em 2000.

Energia "melhor amigo gay” TOTAL

Blue Motel Room, de 1976, para John Guerin

I know that you've got all those pretty girls coming on
Hanging on your boom-boom-pachyderm
Will you tell those girls that you've got German Measles
Honey, tell them you've got germs
I hope you'll be thinking of me
Because I'll be thinking of you
While I'm traveling home alone
Tell those girls that you've got Joni
She's coming back home

Recado dado: ele tem dona, baby! Mitchell se aproximou de Guerin enquanto planejava o disco Court and Spark em 1973. Como o jeitão das músicas era meio jazzy, ela precisava de um baterista nessa linha. Dizem que era um relacionamento ioiô, com eles voltando e se separando toda hora, traindo um ao outro. Ao que tudo indica pela música, Mitchell estava com Guerin enquanto viajava – aquela viagem que comentei que deu no disco Hejira.

Fun fact: Mitchell conheceu Shepard enquanto ainda estava com Guerin, e compôs Coyote nesse meio tempo. Mitchell cantava Coyote na turnê de The Hissing of Summer Lawns em 1976, onde ela mandava a real dizendo que compôs a música na turnê com Bob Dylan, OU SEJA, é só fazer as contas, né, Guerin? Seja esse o principal motivo ou não, teve uma briga feia entre os dois e a turnê foi interrompida… para sempre. Assim como o relacionamento deles.

Guerin e Mitchell – ele morreu em 2004

The Dawntreader, 1968, para David Crosby

City satins left at home I will not need them
I believe him when he tells of loving me
Something truthful in the sea your lies will find you
Leave behind your streets he said and come to me
Come down from the neon nights
Come down from the tourist sights
Run down till the rain delights you

O próprio David Crosby (ele mesmo, do Crosby Stills & Nash… vixe, que troca-troca!) diz que essa música é para ele. O artista explica que mostrou a cena musical de Los Angeles para Mitchell durante um breve relacionamento que tiveram no começo da carreira solo dela. Ele também é o produtor do primeiro álbum de Mitchell, Song to a Seagull, de onde saiu essa música.
Crosby disse que ainda a ama em entrevista de 2019. Supera, baby!

Crosby e Mitchell

Not to Blame, 1994, para Jackson Browne

The story hit the news
From coast to coast
They said you beat the girl
You loved the most

Mitchell teve um relacionamento rápido com Jackson Browne e, dizem, Fountain of Sorrow de 1974 foi feita por ele para ela. Depois de um tempo, Browne, que seguiu sua vida e começou outros relacionamentos, saiu no noticiário como o motivo do suicídio de Phyllis Major, sua primeira mulher. Ele também teria cometido violência física contra a namorada Daryl Hannah em 1992 (quando a relação entre os dois acabou). Not to Blame fala dessas coisas, mas não dá para ter certeza que é sobre Browne mesmo. Mas olha… parece, viu.

Também dizem que a fofa Car on a Hill, de 1974, é para ele. Bem mais leve…

(Mitchell já revelou que teve um relacionamento abusivo com o baterista Don Alias. O infame muso de Not to Blame pode ser uma mistura de Alias e Browne.)

Pergunta básica: Neil Young nunca ganhou uma música?

Ganhou, mas é mais complexo que isso. A "quarta ponta" de Crosby, Stills & Nash fez uma música chamada Sugar Mountain na década de 1960 sobre juventude e amadurecimento. Mitchell “o respondeu” com The Circle Game em 1970.
Young, por sua vez, tem uma música nunca lançada oficialmente chamada Sweet Joni.
Oficialmente eles nunca tiveram nada romântico.

Em 2017, o lançamento da biografia de Mitchell Reckless Daughter: A Portrait of Joni Mitchell de David Yaffe causou. Isso porque, na entrevista que ela deu para ele, a artista falou algumas coisinhas sobre os seus ex-namorados e outros colegas e, bem… FEZ A SINCERONA.
Sobre James Taylor: "incapaz de ter um relacionamento."
Sobre David Crosby: “produtor incompetente."
Sobre Chuck Mitchell: culpado de "burrice acadêmica.”
Sobre Neil Young: desafinado.
Sobre Sam Shepard: "o achei muito atraente quando estava usando cocaína."

Em 2010, aliás, ela já tinha soltado o verbo para o LA Times…
Sobre Bob Dylan: “Ele é um plagiador, sua voz e seu nome são falsos."
Sobre Gracie Slick e Janis Joplin: "Dormiam com todos das bandas delas e caíam de bêbadas."
Sobre Madonna: “Americanos decidiram ser burros e rasos desde 1980. Madonna é como Nero, ela marca o ponto de virada.”
Sobre Jimi Hendrix: “o cara mais doce.”

Que eu saiba, Mitchell nunca fez uma música para Jimi Hendrix.

Laurel Canyon, o lugar em Santa Monica onde quase todo esse povo morava (mais Frank Zappa, Mama Cass, os integrantes do The Doors), virou tema de um documentário lançado em duas partes no canal a cabo norte-americano EPIX. Passou faz quase um mês. Ainda não assisti, mas QUERO. É tipo Barrados no Baile, né? Risos!

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Eurovision, o filme

Bom, a essa altura você sabe que eu sou fã do concurso anual Eurovision, certo?

Caso contrário:
. Uma thread no meu Twitter sobre o Eurovision
. O melhor do Eurovision 2020 (segundo eu mesmo)
. Lady Gaga tirou o look de Stupid Love do Eurovision 2019?
. Dschinghis Khan, a banda alemã com nome de imperador mongol que participou do Eurovision 1979 e que tem um hit que fala sobre uma cidade russa
. Conan Osíris, que concorreu no Eurovision 2019 representando Portugal

Isso posto: a Netflix acabou de estrear o filme Festival Eurovision da Canção: A Saga de Sigrit e Lars. É uma comédia e logo de cara a gente precisa levantar uns pontos.

Lars & Sigrit

. É um filme estrelado por um americano (Will Ferrell) e uma canadense (Rachel McAdams), com participações especiais de uma americana (Demi Lovato) e um irlandês (Pierce Brosnan).
. É um filme que me parece direcionado para americanos: didático (no sentido de “mastigadinho”), com um humor típico dos filmes do Will Ferrell.
. É um filme que não pretende ser sério – afinal, ele parte do festival de música mais kitsch do mundo. Isso posto, ele traz soluções de roteiro pueris. É quase infantil.
. É quase um musical: existem números musicais, mas são poucos. Ele fica meio em cima do muro, portanto pode desagradar quem não gosta de musicais e quem gosta também!

O filme começa assim, que tal?

Então o filme é ruim?
Olha. Diria que é tão ruim que é quase bom. Ele é esquecível, uma comediazinha para assistir enquanto você almoça. A história é tão simples que, se você dormir no meio e acordar no fim, vai entender tudo mesmo assim.
Lars (Ferrell) é um cara islandês que sonha em ganhar o Eurovision. Quem o acompanha nesse sonho é Sigrid (McAdams). O pai de Lars (Brosnan) quer que ele pare de pagar mico e “vire homem". Um acaso faz com que eles concorram no Söngvakeppnin, o festival islandês cujo primeiro lugar vale uma vaga no Eurovision representando a Islândia. E aí, bem, empilhe os clichês para descobrir tudo o que acontece.

Lovato como Katiana, uma concorrente à vaga islandesa do Eurovision

O que eu gostei do filme: surpreendentemente curti a cena meio Glee em que eles começam a cantar na casa do russo Alexander Lemtov (interpretado pelo inglês Dan Stevens). Apesar de odiar musicais, eu gosto do Eurovision e a cena é PURO Eurovision. Ela tem a participação de ex-candidatos do concurso e mexe com quem é fã – acho que o objetivo era mesmo esse. Bilal Hassani, Conchita Wurst, Jessy Matador, Jamala, Loreen, a minha querida Netta e mais. Lindo <3

Outra cena tocante e que os brasileiros vão se perguntar “uai, ele está cantando em português?" é a do cara tocando piano. Sim: ele está cantando em português. É o Salvador Sobral, o único primeiro lugar de Portugal no concurso em 2017.

Netta na sua participação no longa

Então o que eu particularmente não gostei?
Bom, americanos são trouxas, né? Desculpa, mas é real (os brasileiros também são, estamos quites). No longa existem menções a isso quando Lars interage com o grupo de turistas americanos. Só que o humor do filme não deixa de ser americano – passa BEM LONGE do europeu. Ele deixa ironias finas de lado para investir em imagens mais literais.
Acontece que o camp do festival não é forçado. As apresentações e os participantes estão ali em superproduções feitas para emocionar de verdade – e se você ri, o humor está nos olhos de quem vê. É inegável que existe o picadeiro, mas não é o caso sempre, e o longa falha em apresentar essas nuances.
O Eurovision é sobre o poder da música e o filme também pretende ser, mas como ele também quer se comprometer em ser um filme de Will Ferrell, ele não chega exatamente nesse lugar. E provavelmente nem no outro (não sou tão versado em filmes do Will Ferrell para ter certeza…).

A cena tipo Glee

Moral da história: assista sem esperar nada. E, se quiser, assista às edições passadas que o Eurovision está publicando no seu canal do YouTube. São mais longas, mas são mais legais.

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O diretor da adaptação cinematográfica de O Gênio do Crime conta tudo!

O cinema nacional está num momento tenso. Principalmente a sua história: a gente sabe como anda a situação da Cinemateca. Quem nunca foi nos arquivos não faz ideia da riqueza daquilo (eu já fui, só na parte de papelada, e é chapante para gente que nem a gente, que é doida por histórias da cultura do século passado). Então, antes de mais nada, segue um apelo: prestigie o cinema nacional e exijamos uma resposta do ministério do Turismo, que atualmente é onde fica a secretaria federal da Cultura, e de, bem, Mario Frias – até quando ele durar.

Sobretudo, assista a filmes nacionais. Comente-os. Não pare em Bacurau, juro que tem outras coisas boas esperando pela sua descoberta por aí.
Uma delas é a adaptação do livro O Gênio do Crime, de João Carlos Marinho, sobre a qual comentei nesse post na semana passada.
Assisti a O Detetive Bolacha Contra o Gênio do Crime (e você também pode fazê-lo, o longa está disponível no Vimeo, clique aqui e use a senha sanlo46). Fiquei emocionado – vocês não têm noção de como isso mexe com a minha memória afetiva, já que o livro é um dos que me lembro com muito carinho de ter lido na infância.

E aí mandei umas perguntas para o Tito Teijido, o diretor do filme, e ele me respondeu via Whats! Tito nasceu na Argentina mas é cidadão brasileiro faz quase 40 anos. Hoje tem 81 e mesmo assim arrumou um tempo para ficar exercitando sua memória – agradeço muitíssimo!

Recomendo que você assista ao filme antes de ler a entrevista! ;)

Tito Teijido, os assistentes de direção Flávio Porto e Cláudio Portioli e o protagonista Arlindo Paulino, que fez o papel do Bolacha (ou Gordo)

Como você chegou no livro?
Em 1971 recebi uma proposta de fazer um longa metragem por parte da produtora Lutafilmes. Lutafilmes era dedicada à cinema publicitário e eu também era da área, normalmente dirigia as propagandas como freelancer com eles. Estávamos na ditadura Médici e eu propus, por causa da censura radical e mortal em que não se podia fazer nada, um filme infantil, pois era algo que transitaria com mais facilidade. Assim, saí pelas livrarias à procura de literatura infantil. Encontrei O Gênio do Crime, que é um romance ótimo, perfeito, e é praticamente um roteiro cinematográfico, tanto é que escrevi o roteiro quase sem modificar nada, seguindo o texto original.

O filme, pelo que entendi, teve envolvimento do João Carlos Marinho na produção, certo?
Não participou da produção, mas ficamos amigos. Mostrei-lhe o roteiro e logicamente ele gostou muito porque não tinha pitaco, modificação, e nem havia razão para ter. O que me seduziu nesse romance foi o discurso pela liberdade num momento em que estávamos dominados pela ditadura. A liberdade de viver, de procurar novos caminhos, de sair investigando aquilo que não é justo, que não é certo, como era no caso da falsificação de figurinhas.

Quanto custou a produção?
Não sei. Nós fizemos um acordo: entrei como coprodutor sem cobrar cachê por isso. Não havia financiamento para esse filme e a política cinematográfica da época não era tão coerente como foi até agora pouco com o fundo setorial do audiovisual. Havia a Embrafilme mas era muito difícil conseguir esse financiamento.

Você disse no comentário do Vimeo que o filme foi feito sem dinheiro. É um milagre, porque não parece! A equipe era grande?
A produtora arcou com o custo de produção sendo que ela tinha o equipamento próprio, uma equipe pequena contratada. Desembolsou-se pouco dinheiro, acho que só com os atores e mesmo assim muito pouco. Era um cinema de guerrilha, a gente parava a filmagem para fazer comerciais quando eles entravam e continuava o filme no dia seguinte. Uma coisa romântica. Fico muito orgulhoso pelo resultado justamente pelas condições que tivemos para trabalhar, que foram pobres.

Onde vocês acharam os atores mirins?
Isso foi por indicação das pessoas. Por exemplo: desde que li o livro, visualizei o Cazarré como o protagonista Seu Tomé. E o Cazarré, acredite se quiser, indicou o irmão caçula dele, que é o que faz o Pituca. Eles são irmãos na vida real! O Edmundo foi uma indicação do João Carlos Marinho, filho de um amigo dele. E não me lembro quem indicou o Bolacha! Lembro que o Arlindo era do bairro do Canindé e o pai tinha uma venda, era português. Aliás, nunca mais o vi.

E você sabe onde os outros estão agora?
Faz 46 anos que fizemos esse filme, agora eles são homens de 58 anos, 59! Parece mentira, né? O Cazarrezinho é professor de Direito na Unicamp ou na PUC, em Campinas. O Fernando Uzeda, que fez o Edmundo, é locutor, narrador. Era da rádio Cultura e hoje é freelancer. E a menina que fez a Berenice entrou em contato comigo faz uns 10 anos por Facebook, a gente conversou um pouco, foi muito legal.

Cena do filme: lá atrás, Fernando Uzeda, o Edmundo; na frente, Costa Machado, que na época assinava Antonio Claudio, o Pituca

Onde foram filmadas as cenas do acampamento? E a do barco, com a Berenice e o Bolacha?
Foi num barranco do rio Tietê perto da confluência com o rio Pinheiros. Na época não existia o Cebolão e acho que nem a Castelo Branco. Escolhemos ali porque naquele lugar, do outro lado do rio, tinha uma casa que era um barraco de madeira, na beira do Tietê. Era perfeita como a moradia do cambista. Já a cena do barco foi na represa de Guarapiranga em Interlagos. Também usamos o bosque junto da represa.

Como foi o lançamento?
Foi ruim. Tivemos um desacordo eu e a produtora, porque ela estava desesperada para recuperar algum dinheiro e lançou o filme na mesma semana em que estavam começando as aulas. Filme infantil tem que programar no verão ou nas férias de julho, isso foi um tiro no pé. Ficou duas semanas em cartaz e sumiu, condenado ao ostracismo. Depois houve um apoio especial ao cinema infantil, o Cinema Livre, com as salas obrigadas a veicular filmes livres de censura nos horários da tarde. Assisti no CineSesc, não lembro como chamava na época, depois do lançamento e dentro desse programa. Lá o cinema lotou, as famílias chegavam de carro, deixavam as crianças lá e depois pegavam quando a sessão acabava. Foi uma realização maravilhosa para mim. A molecada torcia aos gritos, berros, batendo palma durante o filme todo. Se o lançamento tivesse acontecido durante as férias, a história teria sido completamente outra.

Você já chegou a ser abordado por algum serviço de streaming para colocar o filme neles?
Não e nem faz sentido, o filme não é conhecido. Só que graças ao sucesso do livro, continua sendo visto até hoje nesse link do Vimeo. Como o livro segue indicado nas escolas, por todos esses anos tive contato com muita gente que queria saber do longa e assisti-lo, por isso o coloquei na internet. Já quis fazer do filme uma minissérie, faz uns 15 anos, mas o João Carlos pediu um dinheiro absurdo e então desisti, não me interessei mais. E também teve uma produtora que quis fazer uma outra adaptação e não conseguiu um acordo. João Carlos estava pedindo uma coisa de quase um milhão de reais, um delírio. A minha ideia era fazer a minissérie do Gênio do Crime e depois seguir com o Caneco de Prata, com os outros livros. Acho que ele pediu um valor alto para evitar que fosse feito, não sei.

Você só dirigiu esse longa. Por que não dirigiu mais?
Olha, cheguei aqui em 1968, em 1972 fiz o filme. Estava começando minha carreira no Brasil. Também tive incursões no teatro, mas tudo evoluiu para eu ser dono de uma produtora de filmes publicitários. Ela já existia e eu comprei uma parte. Fui evoluindo e crescendo dentro da publicidade. A produtora chamava 3T, de Tito Teijido e Ticão, que era meu sócio, chegamos a ter 50 funcionários. O cinema evoluiu por outros caminhos, veio a Ancine e etc. Nunca soube me agitar ou me promover, apesar de ter tido sucesso como diretor de filme publicitário, para fazer mais longa metragem. E cada longa é uma empatação de tempo muito grande. Tive intenções, cheguei a escrever três ou quatro filmes que nunca chegaram a ser feitos. Hoje vejo que nunca tive essa vocação para produtor cinematográfico. O diretor que tem sucesso nessa área tem que ser produtor e tem que se virar em todas as áreas para levar seus projetos à frente. Cheguei a lançar um documentário de 25 minutos que se chama O Mito de Iemanjá, acho que em 1977, e só! Minha carreira ficou na publicidade e depois, nos últimos anos, de teatro popular pelas estradas, com um projeto que se chamou Caravana Siga Bem.

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