Shibuya-kei sem ser no Japão: de Swing Out Sister a outros deliciosos pastiches

Ah, o zeitgeist…

Você sabe o que é Shibuya-kei? Eu dei uma explicação bem completa no terceiro episódio da primeira temporada do programa Quatrilho no meu podcast, quando falei do Pizzicato Five. Mas para quem está com preguiça de ouvir, segue aqui: Shibuya é um bairro de Tóquio e, lá no começo dos anos 1990 começou a despontar por ali uma espécie de movimento. É que os xóvens estavam gostando de certo tipo de som, uma coisa nostálgica revisitada com eletrônica, um pastiche irônico de Burt Bacharach, Phil Spector, Serge Gainsbourg, Beach Boys… No Japão, faziam parte Pizzicato Five, Flipper's Guitar, Original Love e outras bandas (também tem esse post no qual falo mais).

Acontece que o movimento era mundial – muita gente também inclui Dimitri from Paris, April March e até o Pato Fu entre os representantes do Shibuya-kei. Esse interesse pelas músicas dos anos 1960, pelo retrofuturismo e pela orquestração à moda wall of sound do Spector já estava pintando desde os anos 1980. Enxergo vários pontos de partida longe de Tóquio. Muitos deles aconteceram em outra ilha, no Reino Unido.

Dusty Springfield & Pet Shop Boys

O ano era 1987 e o álbum era Actually, dos Pet Shop Boys. Eles decidiram resgatar um ícone vivo que naquele momento estava injustiçado, bem longe das paradas de sucesso. Nada menos que Dusty Springfield.

Não tem como deixar de enxergar a combinação entre pop eletrônico e as canções arranjadas por Spector aqui. Dusty, que tinha uma história muito particular com o soul mesmo sendo branca, era símbolo dessa memorabilia que o Pet Shop Boys curtia e queria reverenciar. Dusty in Memphis, o álbum de 1969, segue como um dos maiores clássicos da música pop.

Depois do sucesso que foi What Have I Done to Deserve This, feita especialmente para a participação de Dusty, a dupla e a cantora colaboraram em Nothing Has Been Proved. Mais referente aos anos 1960 ainda, a música foi uma encomenda do produtor Stephen Woolley para o filme Scandal de 1989, sobre o caso Profumo de 1963 que abalou a política britânica na época. Nothing cita nomes envolvidos e fala que Please Please Me, canção dos Beatles, estava no topo das paradas. A gente quase não se toca ao ouvir a música descompromissadamente, mas ao colocá-la no contexto do Shibuya-kei, conseguimos enxergá-la como uma faixa dos primeiros discos do Pizzicato Five!

O disco de 1990 de Dusty, Reputation, ainda contaria com outras três faixas compostas e produzidas pelo Pet Shop Boys fora Nothing: In Private, Daydreaming e Occupy Your Mind, tudo isso no lado B. Mas também é interessante uma faixa do lado A do disco: Arrested by You, composta pela dupla Rupert Hine e Jeanette Obstoj, ganhou produção de Paul O'Duffy. Sabe quem é ele?

Swing Out Sister: tudo no último minuto

Corinne Drewery sempre diz em entrevista que tanto o nome, Swing Out Sister, quanto o primeiro sucesso deles, Breakout, foi resolvido de última hora, quando eles tinham que apresentar algo ou estavam fora. Pois sim: Breakout foi "resolvida” momentos antes de ser gravada no estúdio! Quando o single de Breakout saiu, em 1986, foi um, er, breakout. E quem era o produtor? Adivinha… Paul O'Duffy!

Paul, só para você saber, seria o dono do estúdio caseiro onde Amy Winehouse trabalharia em algumas faixas do que se tornaria o clássico Back to Black (2006). A faixa Wake Up Alone tem créditos para Paul e Amy.

Na época de Breakout o Swing Out Sister era um trio, com Corinne abandonando uma carreira de modelo e estilista para se juntar aos músicos Andy Connell (teclados) e Martin Jackson (bateria). Você quer mais paralelos com o Pizzicato Five? Bom, logo após esse primeiro álbum, Jackson sai (e vai trabalhar com ninguém menos que Frank Zappa) e o trio vira duo. Foi com essa formação que eles lançariam o próximo álbum, Kaleidoscope World, de 1989, e chegariam em Am I the Same Girl? em 1992 no disco Get in Touch With Yourself.

Am I the Same Girl? na verdade é uma regravação de Barbara Acklin de 1968. E teve uma outra pessoa que regravou a canção no ano seguinte ao lançamento de Barbara… Dusty Springfield! Dusty era referência de Drewery, de Winehouse… e certamente de Maki Nomiya no Pizzicato Five.

O mundo é do tamanho de uma azeitona, né?

A mistura de jazz e pop do Swing Out Sister ganhou um outro nome entre os críticos musicais: eles seriam conhecidos como um dos maiores representantes do sophistipop. Isso mesmo: SOPHISTIPOP. It's a thing, google it!

O Swing Out Sister existe até hoje e segue lançando álbum até hoje, mas sem chegar perto do sucesso que conquistou até 1992. O importante é que: eles seguem ótimos!!! E, não obstante, tem um séquito de fãs fiéis… no Japão.

Uma coisa que caracteriza o Shibuya-kei é a programação visual caprichada do material gráfico que seus "membros” apreciam. Swing Out Sister: check! Tem uma coisa retrô, fashion e divertida que as bandas japonesas também amavam

Além de Dusty: Sandie Shaw e os Smiths!

Muita gente nessa década de 1980 compartilhava desse gosto pelo pop retrô com Neil Tennant e Chris Lowe. Um desses colegas era Morrissey, tanto é que ele convenceu Sandie Shaw, aquela que cantava (There's) Always Something There to Remind Me em 1964 e que ganhou o Eurovision em 1967 com Puppet on a String, a ouvi-lo numa proposta…

Morrissey tinha uma fascinação com cantoras pop de duas décadas atrás por influência do New York Dolls, dizem. E ele e Johnny Marr queriam ser respeitados como compositores, tanto quanto com a banda The Smiths em si. Então eles decidiram convencer Sandie a gravar uma música deles. Muito bem: depois de muito trabalho para ela aceitar, eles entraram em estúdio em 1984 para gravar Hand in Glove, que havia sido o primeiro single dos Smiths em 1983. Repare que os Smiths ainda estavam no começo da carreira! E Sandie diz que ficou chocada ao receber o single de Hand in Glove, que traz a bunda do ator George O'Mara em foto de Jim French. Ela teria dito para o marido: "He’s started sending me pictures of naked men with their bums showing!".
Bom, parece que no fim a bunda venceu…

Mandaram nudes para Sandie…

Sandie lançou o álbum Hello Angel em 1988. O single Please Help the Cause Against the Loneliness foi escrito por Morrissey e o produtor Stephen Street. O disco ainda traz Cool About You, uma música inspirada nos hits de Phil Spector e composta por Jim e Willian Reid do The Jesus and Mary Chain. Outra regravação é A Girl Called Johnny, originalmente da banda The Waterboys e inspirada em Patti Smith.
Deu para perceber que esse disco da Sandie é ótimo?

A olhos nus: Sandie de novo

Ah, e lembra do sucesso (There's) Always Something There to Remind You da Sandie? Composta por Bacharach e Hal David, ela reapareceria em versão synthpop em 1982 com o Naked Eyes. No Brasil, acredito que essa versão acabou fazendo mais sucesso que a original principalmente pela sua inclusão da trilha sonora da novela Guerra dos Sexos! E de fato ela é ótima, aqueles sinos do começo são SHOW, as batidas do refrão idem.

Já que falamos deles: Psychocandy, do The Jesus and Mary Chain

A música que abre Psychocandy (1985), Just Like Honey, simplesmente empresta a bateria de um sucesso de 1963 das Ronettes: Be My Baby. Sim, Psychocandy prenunciou o sucesso de Be My Baby que viria na trilha do longa Dirty Dancing em 1987. O resto do álbum deles tem toques de Bacharach, sempre combinados com muita distorção. É como se o Shibuya-kei fosse guitarreiro e mais barulhento, menos eletrônico. Esse paradigma duraria até os anos 2000 entre as bandas de rock indie, que emulavam essa "fofura distorcida".

Melodia carismática & a onda mais doce da new wave: Since Yesterday

Uma das minhas músicas pop preferidas EVER, Since Yesterday não ficaria deslocada ao lado num disco de Merrilee Rush, de France Gall ou de Petula Clark. Ela RESPIRA anos 1960. O maior sucesso da dupla Strawberry Switchblade saiu em 1984 e é sobre… guerra nuclear. Quenda. Existe um motivo para ela ser tão docinha mesmo com as batidas da new wave: o Strawberry Switchblade na sua origem era uma banda folk-pop, e essa música foi o marco da virada, composta por uma das integrantes, a Rose McDowall, mas produzida de maneira diferente. A melodia do começo foi tirada do terceiro movimento da quinta sinfonia de Jean Sibelius – não acredito que acabei de falar de música clássica nesse blog.

O clipe acima também mostra o estilo característico delas, com maquiagem pesadona nos olhos e muita estampa de bolinha, muito acessório, uma coisa fofa-moderna pra época. Precursoras do kawaii. Adoro demais.

Um momento, maestro: Everything But the Girl em 1986

Eu sei, tudo é sempre uma desculpa para falar de Everything But the Girl e Pizzicato Five, mas eu não resisti.

Em 1986, o Everything But the Girl já tinha lançado dois álbuns: Eden, que é bem jazzy bossa nova, e Love Not Money, super new wave rockeirita. Aí eles cometeram Baby, the Stars Shine Bright, a coisa mais retrô que eles poderiam fazer na época.

Acho que eles chegam até a ultrapassar os anos 1960 e chegam nos anos 1950, com arranjos grandiosos orquestrados, uma loucura. A versão deluxe lançada em 2012 inclui um segundo disco que traz demos e outras delícias tipo a versão deles de Alfie, música de Bacharach e David, e Where's the Playground, Susie? de Jimmy Webb (com a voz de Ben Watts liderando, coisa que não acontecia com frequência). MUITO SESSENTA.
Alfie, da trilha do filme de 1966 estrelado por Michael Caine no papel do mulherengo Alfie, seria lançada por Dionne Warwick pela vontade dos compositores. Mas a Paramount preferia uma cantora inglesa. Chamou Sandie Shaw. Ela não quis. A escolhida acabou sendo Cilla Black, na época que ela ainda era agenciada por Brian Epstein. Foi gravada nos estúdios da Abbey Road – onde o EBTG gravou Baby, the Stars Shine Bright. E depois seria regravada por Warwick e Cher.

Depois desse álbum de 1986, o EBTG partiria para o… sophistipop. Sim.

Você quer? Don't You Want Me?

Ah, sim, tem o Human League.
O álbum Dare de 1981 foi um divisor de águas para eles, que começaram como uma banda de eletrônico experimental!

Tudo é MUITO new wave. Mas ouça Open Your Heart, por exemplo. A melodia num crescendo soa bem retrô, e se tivesse uma big band por trás, poderia facilmente ser um hit produzido por Spector. Ela saiu antes do disco, como single, e nessa época os singles do Human League ganhavam selos azul ou vermelho para diferenciar o “estilo musical". Segundo a Susan Ann Sulley, uma das vocalistas, o vermelho era para os posers, os Spandy (fãs de Spandau Ballet, portanto fãs de… SOPHISTIPOP, oh, sim). E o azul, que era o selo do Open Your Heart?
"Para fãs de ABBA", respondeu o líder da banda Phil Oakey para a New Music Express em 1981.

Não sei vocês mas eu sou fã de ABBA.

Bom, e aí saiu o single Don't You Want Me desse álbum, uma música que Oakey considerava uma filler, a faixa mais fraca do álbum, tanto que é a última. HAHAHAHAHAHAHA! Foi o executivo da Virgin Simon Draper que insistiu no lançamento que seria o quarto single desse disco (os outros três foram lançados antes do álbum em si sair). Oakey defende que Don't You Want Me virou um sucesso graças à MTV, que passava o clipe toda hora.

O dueto, o refrão chiclete, o "ôô-ôô", a relação meio Pigmaleão "criador x criatura" encharcada de feminismo quando o textão da mulher entra. É tudo deliciosamente pop sessentista. MAS o visual do clipe é outro, que estava em voga nos anos 1980: new romantic (olha o make de Oakey, que tudo!), bem filme noir portanto anos 1940… que era a década da moda dos anos 1980, mesmo!
Também adoro a metalinguística no roteiro do clipe. A direção é de Steve Barron, um mestre que também cometeu Billie Jean de Michael Jackson em 1983, Africa do Toto em 1982 e Take on Me do A-ha em 1985! Dá um play que vale a pena.

Outra coisa que Susan Ann Sulley e Joanne Catherall, a outra vocalista, fariam pela cultura pop seria o visual retrô delas, construído em brechó. Por falta de grana? Também, mas a sensibilidade fashion delas gritava. Claro que elas não foram as pioneiras: já se fazia isso na cena jovem moderna do Reino Unido em geral. Mas elas divulgaram isso pelo mundo. Via MTV.

A ponte de tudo? Our Lips Are Sealed!

Jane Wiedlin e Terry Hall uniram forças em algum momento de 1980. Quer dizer… uniram os lábios mesmo. Wiedlin diz que eles tiveram uma coisinha rápida na turnê dos The Specials (de Hall) que a The Go-Go's (de Wiedlin) abria nos EUA. Era um caso secreto, pois Hall tinha uma namorada na Inglaterra. Nesse meio tempo, eles compuseram Our Lips Are Sealed, que acabaria saindo em 1981 no disco Beauty and the Beast das Go-Go's.

Enquanto banda de rock de mulheres, o The Go-Go's mantinha fortes laços com os anos 1960. Até demais: elas eram mais clássicas, e apesar de serem consideradas new wave (mais especificamente o começo da new wave, com esse disco Beauty and the Beast), para os meus ouvidos a coisa ainda está bem perto dos poucos acordes do punk e do ska, longe dos teclados e sintetizadores.

Só que Our Lips Are Sealed é muita perfeição pop sessentista. E aí apareceu a regravação de Hall, que já tinha saído do Specials, no trio Fun Boy Three. Esse foi o último hit deles, aliás, em 1983.

A música ficou mais dramática, combina uma certa ingenuidade sessentista com algo mais… O que a deixa, sim, muito mais Shibuya-kei, certo?

Claro que o Shibuya-kei RAIZ em si se aproveita dos avanços da eletrônica na música, e isso caracteriza demais o estilo, com samples e tal. O que eu quis mostrar é que tudo foi uma construção, que essa onda retrô já existia e que a revalorização do climinha lounge music não pintou do nada. Uma coisa que falta em tudo isso que citei e que o Shibuya-kei acrescentou com força no menu é a bossa nova.
Bom, se a gente for contar o Everything But the Girl… OH, WELL. Chega por hoje, vai.

Quem gostou desse post vai curtir esses outros:
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. Banda Grafite: new wave nacional!
. O que aconteceu com a Irene Cara?

Brat Pack parte 3: Molly Ringwald & John Hughes & Anthony Michael Hall

Federico Fellini teve o seu Marcello Matroianni e sua Giulietta Masina. Michelangelo Antonioni tinha a Monica Vitti. Pedro Almodóvar tem seu Antonio Banderas. Jean-Luc Godard contou com Anna Karina.

E o roteirista e diretor John Hughes? Ele teve Molly Ringwald!

Mas antes, importantíssimo dizer: essa é a 3ª parte de uma série de posts que esse blog está fazendo sobre o Brat Pack. Sabe o que é Brat Pack? Não seja por isso, confira:
. O que é e quem são os integrantes do Brat Pack?
. O primeiro filme do Brat Pack (segundo alguns) e os subsequentes, incluindo dois de Francis Ford Coppola!

Leu? Está por dentro de tudo? Então, vamos a ela…

Existem duas verdades a serem ditas:

1. Molly Ringwald já era algo a ser observado no showbusiness, apesar do trabalho com Hughes realmente ter impulsionado a carreira dela. Só que ele não a "construiu”, como alguns acreditam. Molly já cantava desde os 3 anos de idade (!) na banda de jazz (!!) do seu pai (!!!), o pianista Robert Ringwald. Ou seja, ela já era uma criança sensível às artes, esperta. Aos 6, gravou o disco I Wanna Be Loved By You - Molly Sings. Depois, já em 2013, saiu um álbum de jazz dela chamado Except Sometimes que tem uma versão surpreendentemente boa de Don't You (Forget About Me), sucesso da trilha de Clube dos Cinco do Simple Minds. E acima de tudo era uma menina inteligente, com referências culturais interessantes.

2. A dupla era um trio: Gatinhas e Gatões (1984) também contava com outro ator superimportante nesses primeiros filmes de Hughes: Anthony Michael Hall. Ele era o nerd zoado por excelência, Ringwald era a American Sweetheart, e Hughes era o cérebro por trás de tudo isso. Michael Hall fez Férias Frustradas (1983) antes, que tinha roteiro de Hughes - por isso foi chamado para o papel do geek no longa seguinte. Fala-se que quem concorreu com ele por esse papel foi… Jim Carrey. Exótico, né? Ao contrário de muitas interpretações de Jim Carrey, Michael Hall fazia um nerd diferente. Ele tinha mais densidade.

E o galã de Gatinhas? Michael Schoeffling interpretou Jake, a paixonite da personagem Samantha (Ringwald), e para mim ele é uma versão meio genérica do Matt Dillon, tô viajando?

Jake (Michael Schoeffling) em Gatinhas e Gatões: essa sobrancelha reta, esse ar de quase bravo… Dillon, mas reductive

Michael fez mais algumas coisas em Hollywood (como Minha Mãe É uma Sereia, de 1990), só que zarpou de Hollywood depois de Mergulho em uma Paixão (1991) e nunca mais voltou. Mistérios. Revoltou com a fama. Desencantou. Sei lá eu. Na época de Gatinhas, ele já namorava Valerie Robinson, com quem casaria.

Voltemos ao filme, que tem várias questões muito problemáticas. Ele é embebido em racismo contra asiáticos na figura de Long Duk Dong (Gedde Watanabe, que na verdade nasceu em Utah e sabia inglês muito bem; só que fingiu falar com sotaque durante todo o período de testes para o papel, imitando um amigo coreano). Traz muito sexismo na forma da calcinha da personagem de Samantha que vai parar nas mãos de Farmer Ted (Michael Hall), e depois a namorada de Jake (a personagem Caroline interpretada por Haviland Morris, completamente bêbada numa festa) é trocada por essa mesma calcinha. Fica implícito, aliás, que houve estupro da parte de Ted com Caroline! É uma sucessão de elementos infames. Só que ao mesmo tempo é o começo do toque Hughes no cinema: adolescentes tratados como gente normal, complexa, com seus defeitos e qualidades, e não caricaturas histéricas e monotemáticas, não uma visão do adulto sobre o adolescente. É complicado assistir ao filme hoje e não se incomodar com o fato de Caroline ter sido estuprada. Também é complicado ter simpatia pelo longa mesmo com tudo isso inserido (e banalizado) nele.
Um artigo publicado na New Yorker da própria Ringwald coloca essas obras de Hughes (Gatinhas e Gatões e também O Clube dos Cinco) em perspectiva, tendo em vista o movimento #MeToo. Vale ler: além de atriz e cantora, Molly é uma bela escritora. Já lançou livros, aliás.

As pessoas realmente não ligavam para spoilers nessa época: quantas vezes essa cena final foi reproduzida?!

Watanabe garante que existiu uma cena que foi cortada da dança em que Dong sobe ao palco e faz um rap sobre como ele se sente sobre a América. Ele diz que, se a cena tivesse sido mantida por Hughes, as pessoas teriam sentimentos diferentes a respeito do personagem cheio de estereótipos.

Long Duk Dong virou símbolo de racismo contra asiáticos

Existe essa ideia de que Hughes era muito sensível apesar de pop e por isso seus filmes fizeram tanto sucesso. Sua mulher Nancy Hughes, por exemplo, costumava dizer que, quando ele foi conhecer o futuro sogro com apenas 17 anos, o homem perguntou o que ele pretendia fazer para o resto da vida e Hughes respondeu: “Eu quero ser poeta". Mas essas problemáticas são uma constante nas suas obras "bratpackianas".

À parte os mil problemas: pelo que sabemos, existe uma fã de Gatinhas e Gatões na família real inglesa.
Sim. É isso mesmo que você leu.

Na sequência, Meghan Markle em abril de 2019, grávida; a camiseta que ela estava usando; e a cena clássica de Jake em frente ao carro vermelho, na porta da casa de Samantha. Óun. Ela gosta de uma rom-com!

Dizem que Hughes pegou uma das imagens do casting de uma produtora e foi escrevendo a história de Gatinhas e Gatões olhando para ela. Era o rosto da Molly Ringwald. Quando chegou a hora de fazer o casting, ele quis que Molly realmente fosse a personagem principal. Em contrapartida, também dizem que Ally Sheedy quase ganhou esse papel. As duas fariam parte do filme seguinte do diretor, Clube dos Cinco.

Samantha ganhou altos toques pessoais de Molly. O chapéu? Ideia dela que virou moda depois do longa ser lançado. O quarto de Samantha, na verdade um cenário montado dentro de uma escola, também ganhou vários objetos que vieram da casa de Molly.

Passando o chapéu!

Queria só voltar mais um pouquinho antes de continuar.
Para quem não sabe, Hughes foi funcionário da National Lampoon, publicação de humor americana que existiu entre 1970 e 1998, antes de se dedicar inteiramente ao cinema. E sim, existe um ponto de ligação entre os filmes sobre os quais falei no post anterior e Hughes. A ponte é a produtora Michelle Manning.

Manning já foi presidente de produção da Paramount. Mas bem antes, logo após a faculdade, ela começou sua carreira trabalhando na equipe da Zoetrope Productions de Francis Ford Coppola como supervisora de produção de, adivinha, Vidas Sem Rumo (1983) e O Selvagem da Motocicleta (1983). Que tal? Depois de estar nesse time, ela tentou um emprego na nova produtora que Ned Tanen, após sair da Universal, abriu: a Channel Productions. E foi aí que lembrou de uma conversa que ouviu sobre um roteiro que o povo da Warner não queria aceitar porque o roteirista exigiu que também dirigiria, e ele nunca havia dirigido antes… Era Gatinhas e Gatões (1983). Hughes já havia escrito Férias Frustadas (1983) com a turma do National Lampoon e Mr. Mom: Dona de Casa Por Acaso (1983), mas ambos só entrariam em cartaz depois da produção de Gatinhas já estar engatilhada e em filmagem. Tanen, por sua vez, era famoso por dar uma chance para diretores iniciantes - foi ele quem deu luz verde para Picardias Estudantis (1982) na Universal, da diretora Amy Heckerling e roteiro do então jovem Cameron Crowe. Muita gente aponta Picardias Estudantis como outro predecessor de Hughes.

Mas chega de business: queremos saber mais dessa turminha, né?
No começo, Ringwald e Michael Hall não se davam muito bem. Hughes teve a ideia de levá-los para uma loja de disco para ver se rolava uma conexão: ambos gostavam de música, assim como o próprio Hughes.
Rolou. Tanto que, depois de Gatinhas e Gatões, o casal chegou a dar uma namoradinha! A gente vai falar mais disso no post seguinte.

Unidos pela música

Hughes também era um music geek

Ah, e quase esqueci: outro ator importante que aparece em Gatinhas é John Cusack. Anteriormente ele já tinha pintado em Uma Questão de Classe (1983). Seria um dos satélites ao redor do Brat Pack durante esse tempo, e só chamaria mesmo a atenção em um filme tardio dessa leva, o Digam o Que Quiserem (1989), estreia na direção do "herdeiro de Hughes”: o mesmo Crowe do roteiro de Picardias Estudantis.

Michael Hall com John Cusack e Darren Harris em cena de Gatinhas. Harris sumiu depois de mais dois filmes de adolescente

E a gente vai pular Clube dos Cinco aqui nesse post porque ele vai ganhar um post só dele, tá?

Então <insira aqui o Clube dos Cinco>.

Portanto chegamos em Mulher Nota 1000 (1985). O filme dirigido e escrito por Hughes é o mais sexista de todos desse núcleo principal da filmografia. Tem gente como a Susannah Gora, autora do livro You Couldn't Ignore Me If You Tried, que o exclui do pacote Brat Pack.
Como acho que ela o faz por mero gosto pessoal, sinto que toda a problemática de Mulher Nota 1000 faz parte da época e do trabalho de John Hughes e deve, sim, ser incluída na filmografia. Portanto… ei-la!

Lisa (Kelly LeBrock), a Mulher Nota 1000 do título!

Uma premissa tonta: dois nerds com hormônios à flor da pele produzem uma mulher no computador, meio que em pegada Frankenstein mas usando uma boneca. Dá certo (???) e a mulher é o furacão Lisa (Kelly LeBrock). Os nerds, por sua vez, são Gary (Michael Hall) e Wyatt (Ilan Mitchell-Smith). O plot twist: por mais que Lisa tenha sido criada por eles e diga claramente que está ali para servi-los, ela não tem uma postura exatamente servil. Está mais para uma pessoa com boas ideias de diversão, que vai ajudá-los em seus próprios termos a se socializarem melhor. Ou seja, mais uma desculpa de Hughes para falar sobre a "hierarquia” do Ensino Médio, e de como ele gostaria de quebrar esses paradigmas.
Também fazem parte do elenco o Homem de Ferro Robert Downey Jr e Robert Rusler, que em seguida apareceria em A Hora do Pesadelo 2. Mitchell-Smith virou professor universitário.

Robert Rusler, Anthony Michael Hall, Robert Downey Jr e Bill Paxton, todos do elenco de Mulher Nota 1000

Os esterótipos chovem. LeBrock é a encarnação do mulherão: boca carnuda, magra, arrojada. Em uma das cenas, no banheiro durante a festa, o que resta para os meninos nerds são duas meninas gordas e risonhas. Está posta a distinção do que é legal e do que não é esteticamente falando - Hughes fica claramente menos sensível nesse roteiro, mais adolescente cheio de hormônio, apesar das boas intenções de ir além das aparências na moral da história. Mas quero me atentar a outros dois estereótipos que podem passar despercebidos aos olhos de um jovem branco hétero, o público principal do filme.

Primeiro: o que significa exatamente a cena do bar? Eles chegam lá em roupa de gala, Lisa de vestido de lamê pink, e o local não é só proibido para menores - sabe quando o proibido namora o divertido? A ausência dos negros em geral na filmografia de Hughes demonstra que a cena do bar, com muitos, quer deixar bem claro e bem distinto que existe uma diferença entre ambientes. Esse, frequentado por negros (e um estrangeiro branco, o estereótipo do italo-americano que também é ligado a uma camada social mais baixa da sociedade norteamericana, interpretado pelo ator-fetiche de Hughes John Kapelos), significa marginalidade, perigo, proibido. E a produção está tão segura disso que nem capricha no resto da ambientação: parece um bar bem normalzão!
Gary fica bêbado e começa a falar de um jeito que emula o jeito que os personagens negros ali falam.
Tudo errado.

Lisa e Gary no bar

A outra cena é rápida e simples: Lisa está no shopping e chama a atenção dos boys Ian (Downey Jr) e Max (Rusler). Eles correm atrás dela. No caminho para a saída, ela passa por uma fila de caras que ficam babando. Caras? Olhe outra vez.

Essa última é a atriz Renee Props. Ele nunca chegou a fazer um papel de grande destaque. Mas esse é de ficar gravado na memória! Estereotipado sim, mas inserir uma mulher ali, sem contexto anterior nem posterior, é quase progressista, não?

Uma coisa precisa ficar clara: Hughes era republicano.
Isso explica bastante coisa…

Vamos para A Garota de Rosa-Shocking (1986), que é lindo mas é o começo do fim.
A ideia de Hughes era que Michael Hall e Ringwald participassem de todos seus filmes seguintes: esse, Curtindo a Vida Adoidado (1986) e Alguém Muito Especial (1987). Acontece que Michael Hall pulou do barco em Garota…
Quais seriam os papéis dele? Ele seria o Duckie? O próprio Ferris Bueller? O sensível artsy Keith Nelson?
Michael Hall quis abrir seus horizontes, mas é provável que ele mostraria a sua versatilidade se tivesse seguido com Hughes também. Uma prova é que o Duckie de Jon Cryer em A Garota de Rosa-Shocking é simplesmente fantástico e totalmente diferente do que Michael Hall cometeu antes. No mínimo ele se diverte mais com a moda e não é geek, apesar de fazer parte dos zoados da escola! E se o papel que Hughes tinha em mente para ele era o de Blane que ficou com Andrew McCarthy, a coisa vai além: Blane é o rico que faz parte da turma dos populares e que sente a pressão deles para assumir a menina pobre Andie (Ringwald) como namorada. McCarthy tem um desempenho mediano (você fica com bastante raiva dele e mesmo assim, nos testes com espectadores, o final no qual os dois seguem separados foi rejeitado - por isso eles acabam voltando). Michael Hall provavelmente seria capaz de dar um conflito mais profundo para Blane. E talvez os dois ficarem juntos no final seria mais plausível. Será?

É muito simbólico o fato desse primeiro filme sem Michael Hall ser escrito e produzido por Hughes, mas a direção ter ficado a cargo de outro cara. Howard Deutch era um iniciante que nunca havia dirigido um longa antes e viraria uma espécie de herdeiro de Hughes tanto nesses filmes teen quanto nas comédias "para a família” depois. Ele fez, por exemplo, Acertando as Contas com Papai (1994) e Dois Velhos Mais Rabugentos (1995).

Mas, claro, Hughes controlava tudo. Aqui, ele com Deutch, Cryer e Ringwald no set de A Garota de Rosa Shocking

Mas eu quero mesmo é falar do guarda-roupa de Andie, a personagem de Ringwald, que nesse filme chega no auge!

Gucci would kill for one of those!
Precursora do rosa millennial? Rainha do mix and match de brechó? Agradeço à figurinista Marilyn Vance por tudo isso.
Vance, aliás, é uma das mais profícuas colaboradoras de Hughes. Além desse, que considero sua maior obra ao lado de Uma Linda Mulher (1990), ela também assina o figurino de Mulher Nota 1000 (emblemático, uma das calcinhas com cropped mais famosas de Hollywood), Clube dos Cinco (a gente fala mais daqui a pouco), Curtindo a Vida Adoidado (retrato de uma era), Quem Vê Cara Não Vê Coração (outro retrato de uma outra era). Palmas.
O estilo de Andie é emblemático porque virou o estilo Ringwald. É nele que se completa o ciclo de Samantha de Gatinhas e Gatões - a menina não precisa ser popular, ter roupas caras, ser perfeita. Ela é legal justamente pela personalidade, que se reflete no jeito dela se vestir. Andie é diferente das outras, e a gente a valoriza exatamente por isso. Inclusive Blane, o riquinho que se apaixona mas não tem culhão de assumi-la.
E vem daí o comparsa de Andie, Duckie, que na verdade é apaixonado por ela: Cryer simplesmente arrasa. E o personagem é tão estiloso quanto!

Falei bastante de Duckie e Garota de Rosa Shocking nesse post aqui

Existe uma teoria que é defendida pela própria Ringwald de que Duckie na verdade é gay.
Cryer diz que não teria problema com isso, mas que não procede: Duckie, assim como ele, é um… hétero afeminado!
Molly teria ficado irritada com Cryer porque queria que Downey Jr fizesse o papel. E aí começou a dizer essa história dele ser gay (mesmo que o primeiro final, não aprovado nos testes de audiência, fosse ela e ele juntos!) só para provocá-lo. Eu, hein!

Finalmente chegamos na cena final, e no vestido em si - que é pink e não rosa shocking.
Muita gente odeia o vestido com todas as forças. Acho que 1. ele funciona na trama 2. é até meio bom? Não sei se é porque eu gosto muito da personagem, mas juro que ele me convence! Consta na lenda que Molly ODIOU e queria vestir um tomara-que-caia com saia ampla. Mas dessa vez Vance conseguiu manter a escolha dela.

Dá para imaginar que é um look que Andie fez a partir de dois outros, não dá? Rainha da customização!

Nessa época Molly já era a melhor cover girl dos anos 1980. Olha isso:

Depois de Garota de Rosa-Shocking, Molly e John seguiram caminhos separados. Os filmes seguintes dele seriam Curtindo a Vida Adoidado e Alguém Muito Especial, ambos com um caráter meio esquisito de fazer parte dos filmes do Brat Pack sem ter pessoas do núcleo central do Brat Pack no elenco.

<Curtindo a Vida Adoidado também vai ter um post só dele, então imagina que ele está aqui nessa parteeee kkkkk>

Molly foi convidada para Alguém Muito Especial (1987) mas achou que seria redundante participar de algo tão parecido com Garota de Rosa-Shocking. A história realmente é similar, só que o "pobre estiloso” dessa vez é um rapaz, Keith Nelson (Eric Stoltz, um outro ruivo! Que fetiche, né?). Keith não é estiloso e sim sensível, gosta de arte, de pintar. E sim, é pobre e trabalha numa mecânica. Ele se apaixona por Amanda Jones (Lea Thompson), que também é meio pobre mas, por causa do seu namoro com o rico Hardy Jenns (Craig Sheffer, sobre o qual a gente falou no filme A Força da Inocência), ganha "passe livre” entre os populares da escola. A sua melhor amiga, a Duckie da vez, é Watts (Mary Stuart Masterson), que é, sim, estilosa, entre outras coisas por ter o cabelo metade de cada cor! E, por ser tomboy tocadora de bateria, o povo acha que ela é lésbica (tipo acharem que o Duckie é gay!). Acontece que ela é apaixonada pelo amigo Keith.

O elenco que ficou: Thompson, Stoltz e Masterson

Dirigidos por Deutch com produção e roteiro de Hughes

A primeira versão de Alguém Muito Especial não foi aprovada pelos estúdios. Nela, era Watts quem chamava Keith! Sim, era um personagem não-binário (ou mesmo trans, não fica claro porque na época essa discussão não estava no mainstream), e mais do que tomboy - agia como um rapaz. Na mudança, o sobrenome de Charlie Watts, baterista do Rolling Stones, virou o nome dela, mais neutro. E Keith virou o personagem principal. Nesse meio tempo, Deutch foi dispensado e chamaram Martha Coolidge para dirigir. Depois ela foi demitida e ele voltou!

Thompson, por sua vez, tinha dispensado o papel de Amanda no começo. Com toda a reviravolta e uma nova versão do roteiro, ela topou. Topou tanto que depois casou com Deutch na vida real! E estão juntos até hoje!!! Thompson estava noiva de Dennis Quaid, mas dá para ver o quanto Deutch estava apaixonado por ela pelos olhos do personagem Keith.

Amanda & Keith

Mas a estrela, o grande personagem aqui, é Watts. Ela é o último grande personagem adolescente de Hughes. E Masterson é uma ótima atriz, embora sem o magnetismo gigantesco de Ringwald (é até sacanagem comparar, né? Uma das atrizes mais carismáticas daquela década!).
Fun fact: Masterson dirigiu Doces Encontros (2007), longa com Kristen Stewart. E é uma das personagens principais de Tomates Verdes Fritos (1991), um classicão.

O careca (Elias Koteas) mais Watts (Masterson) com suas luvinhas cheias de franja, pouco práticas para tocar bateria mas muito estilosas, e Keith (Stoltz)

Querendo superar a aura de adolescente namoradinha da América, Molly passa a procurar outro tipo de papel. Mas parece, no fundo, que ficou um pouco perdida. Dizem que recusou dois papéis que viriam a ser grandes veículos para duas colegas: o de Julia Roberts em Uma Linda Mulher (1990) e o da colega de Brat Pack Demi Moore em Ghost (1990). Putz. Acabou em O Casamento de Betsy (1990) com um look… bem…

Sim, é um vestido de casamento. Seus personagens realmente gostam de brincar com a moda… E essa da esquerda é Ally Sheedy, outra do Brat Pack!

Hughes partiu para outra depois de Alguém Muito Especial e nunca voltaria a fazer filmes para o público adolescente. Agora, seu foco era criança… E em especial, uma outra criança que virou sua nova musa no lugar de Ringwald. Ele mesmo.

Macaulay Culkin em Esqueceram de Mim (1990) com direção de Chris Columbus e roteiro e produção de John Hughes

Para acabar esse post num clima mais profundo, trago à baila a conversa que a gente queria ter gravada: entre John Hughes e… Kate Bush.

O filme mais conectado com a mulher de Hughes, Nancy, é Ela Vai Ter um Bebê (1988). Diz um dos filhos de Hughes que o próprio teve uma longa conversa com Bush sobre Nancy, e aí usou a música This Woman's Work numa sequência em que o personagem de Kevin Bacon espera a mulher num trabalho de parto difícil. A letra diz:

Give me these moments back

Give them back to me

Give me that little kiss

Give me your hand.

Sim. A música foi feita especialmente para o filme, e posteriormente lançada no álbum The Sensual World (1989).

Coisas que pensei nos dois desfiles que vi no SPFW

Essa não é a sua resenha de moda para saber mais sobre desfiles do SPFW. Para tanto, assine a newsletter da Giu Mesquita ou veja o twitter do Luigi Torre ou algo assim.

E lembre-se: se você quisesse uma opinião isenta sobre o petróleo brasileiro, você iria no site da Petrobrás? Não, né?
Então fica a dica… kkkkkkk

Esse post vai ser mais uma coisa viajandona.

Os meus 3 anos de Ensino Médio aconteceram no fim dos anos 1990. Portanto a referência que tenho da moda dessa época, mais do que o minimalismo, é o grunge e a roupa que eu e os meus colegas usavam.
Eram várias as tribos: existia um começo de cybermano com neon, vinil e nylon; as patricinhas & mauricinhos de camisa pólo da Ralph Lauren (eles preferiam Ralph Lauren a Lacoste), calça Levi's 501 e elas adoravam tênis tipo conga cabeção de saltinho (ui) e brinco de argola com berloques; os grunges em si (mas como a gente era muito novo e pouco safo, não íamos no brechó e sim no torra torra kkkk); os metaleiros (que se confundiam um pouquinho com os grunges mas eram mais cabeludos, mais pálidos e usavam ainda mais preto).
Uma coisa unia todos: o moletom ou jaqueta ou camisa ou blusa de manga comprida amarrada na cintura.

Acinturava, dava um movimento lá embaixo, sei lá.
Para você, deve parecer normal: "Que porra ele tá falando de casaco amarrado na cintura, agora?”

Pois é, mas eu trabalho com pessoas que tem filhos.
E adivinha?
A Geração Z… desconhece essa coisa de amarrar blusa na cintura. Acha esquisito. Acha nada a ver.
Pelo menos nessa minha ligeira apuração. E por observação, mesmo.
Para a gente era uniforme. As patricinhas acho que usavam porque adoravam uma calça bem justinha e quando estavam com absorvente ficavam meio constrangidas, então ficavam com a blusa de manga comprida amarrada na cintura sempre para ninguém saber quando elas estavam usando absorvente e quando não estavam. Foi com elas que aprendi que amarrando as mangas ao contrário (no lugar de passar a manga direita e puxá-la, passe a manga esquerda) a amarração dura mais tempo sem cair.
Para os grunges, no calor tropical, era melhor usar a camisa xadrez na cintura do que vestida.
Para todo mundo, era um jeito de garantir um casaquinho quando batia um vento.

Bom, existe toda uma geração de estilistas mais ou menos da mesma faixa etária que eu (na verdade um pouco mais nova, mas abafa o caso). Portanto eles têm mais ou menos a mesma referência que eu. E o resultado não se traduz exatamente em casaco amarrado na cintura, mas nesse movimento de silhueta. Um pedaço de tecido. Um meio avental torto. Uma coisa ali sem muita função para além da estética.
E eu adoro.

Aliás, adorei a Modem

Essas releituras da alfaiataria do começo, com assimetrias e volumes, chiques, sérias e com personalidade…

E a sequência final

com esse poliéster fininho listrado e todo plissado, dando um movimento muito especial, e os tricôs no geral, bem charmosos. Todas as fotos desse post são do Zé Takahashi/Fotosite

Falando em grunge

Olha o xadrez que André Boffano desenvolveu na Modem. E repara nas bolsas e botas, tudo bem legal e que vai ser vendido em atacado

Reparou nos movimentos a partir da cintura?

Outra coisa que é referência forte da geração, essa já do começo dos anos 2000, é a febre de brechós. A gente amava. E ama, ainda. Aquela roupa que tem personalidade, que não veio de uma pilha com várias e não tem perigo você ir ao bar do momento e dar de cara com 3 pessoas usando a mesma coisa que você. Foi o começo de um exercício livre e divertido de styling pessoal; acho que tinha a ver com a montação clubber e com o fato de naquela época a coisa que estava na moda era ser estudante… de moda. Então todo mundo se vestia que nem estudante de moda, ou seja, montado.
E tinha a Anna dello Russo também, que para a gente era rainha, já na virada dos anos 2000 para 2010.

E precisou Alessandro Michele na Gucci para concretizar, nas passarelas, o que a gente já vinha alimentando e tinha até esquecido um pouco de exercer na vida real.

Mas o que eu quero dizer é que Michele é ótimo, claro, mas essa revisão da revisão, esse brechó em forma de roupa nova, na verdade era inevitável. O Boffano faz um acervo de referência tanto para a Bobstore quanto para a Modem buscando em brechós. A Lilly Sarti, que sempre tem um pé em décadas passadas, fala de "revirar o baú" nessa temporada. E o faz de forma muito charmosa, com clima contemporâneo.

Gosto de tudo? Não: teve um camuflado ali no meio que me dá nervoso. Mas sigo gostando da moda da Lilly, que possui uma variedade profissional de tecidos, modelagens; com uma mão autoral mas que atende uma variedade de estilos.
Outra coisa que adorei da Lilly são as bolsas (uma de triangulinho e outra de coração, fofas) e o casting, com várias tops fodas tipo Carol Ribeiro, Aline Weber, Ana Claudia Michels, Talytha Pugliesi…

Não fui nos outros desfiles que rolaram até agora mas queria mostrar mais umas coisinhas.

Curti a Bobstore

Adorei essa coisa híbrida, parka, meio folk, levinha, chiquezinha

Branco com atitude

Reinaldo Lourenço arrasando nesse vestido leve que, no styling, virou do rock!

Utilitário com sutiã de renda

na Ellus, que desfilou domingo, agora com Thiago Marcon e Muriel Mingossi ao lado da diretora criativa Adriana Bozon

ÃO, do Projeto Estufa

que já é um dos destaques da temporada com suas formas que desconstroem a anatomia humana e brilhos líquidos

É muito estranho voltar ao SPFW nessa circunstância, meio bicho solto, mas sabe que eu gostei?
Depois te conto mais.

A estética do improviso

Não sei se ficou claro, mas existe o que alguns podem considerar crise estética em curso no mundo hoje.
* ALERTA POLÊMICAAA, ELA ESTÁ POLÊMICA HOJEEEE *
Acontece que não considero o que acontece de fato uma crise e sim uma disputa da apropriação de estética improvisada, a estética periférica que se vira com o que tem, uma mistura charmosa e irônica que o hipster adora (e de certa forma estraga) desde 2000 e pouco: sabe aquele boné Texaco, aquela camiseta de campanha política, aqueles óculos de abusador sexual que ninguém usa como Terry Richardson?

Hipster starter pack: qualquer coisa você diz que é uma ironia (e as metidas a cinéfila vão adorar a citação a Nós da camiseta…)

Porém o hipster não é de direita - salvo Pedro D’Eyrot, que é de direita sim. Quer dizer, tem a direita transante, é assim que eles se chamam? Ai, que vergonha, começo a acreditar na crise estética. Mas NÃO: é uma apropriação, é uma tentativa de ocupação de espaços. Num momento em que o presidente dos EUA usa o mesmo tom de bronzeamento Oompa Loompa de Jersey Shore e o presidente do Brasil (* suspiro *) faz uma coletiva em cima de uma prancha de bodyboard, bem, quer algo mais significativo que a estética do improviso sendo apropriada pelo movimento conservador? Digo, Donald Trump tem dinheiro o bastante para que seu bronzeado fique menos camp, mais David Gandy em uma propaganda da Dolce & Gabbana; Jair Bolsonaro sem dúvida pode conseguir uma mesa de mogno, quiçá mármore, para apoiar microfones em sua coletiva. Tudo leva a crer que as escolhas estéticas deles são intencionais e são montadas para parecerem improvisadas, parecem mais próximas do "gente como a gente".

Desculpa incluir pessoa com o rosto tão horroroso aqui

É só para ilustrar… Desculpa mais uma vez

Porém não podemos deixar que isso aconteça. A estética do improviso é nossa, e não dessa galera do mal. Assim como o meme feio é nosso. O vaporwave, que eles também querem assimilar, é nosso. E o clipe da MC Loma e as Gêmeas Lacração de Envolvimento (o original) TAMBÉM É NOSSO!

Relembre essa maravilha, dê o play.

O improviso é um estímulo criativo, uma ode à liberdade, um convite à surpresa. Quando uso o termo, que se conecta às manifestações periféricas e portanto ao underground (em contraposição ao mainstream), de maneira alguma injeto carga pejorativa. Ao contrário: esse improviso é poderoso, audacioso, atrevido, o melhor "fazer do limão uma limonada"; bate de frente e por isso é ameaçador, e por isso existe uma tentativa de cooptação, assimilação para eventual anulamento de seu poder. Tenho receio em usar a palavra porque as pessoas podem ler como algo não muito pensado, destrambelhado - mas para o improviso é necessário pensar; o improviso não é o contrário do conceito, ele pode ser conceitual e, quando está na passarela, geralmente é conceitual, é também uma escolha.
Quando falo da estética do improviso, me refiro também a algo em alta agora na passarela mas que tem uma história rica e mágica, que remete ao cinema marginal dos anos 1960 e 1970 de Rogério Sganzerla, Júlio Bressane e tantos outros, desbundado, escrachado e, apesar de à margem, com refrescante apelo pop. Remete também ao punk dos anos 1970, uma estética do it yourself que prenunciava o upcycling antes da existência da palavra. Remete ao exercício de styling encharcado de personalidade de Harajuku e da revista FRUiTS (falei um pouco sobre ela e sobre o bairro japonês nesse post aqui).

Na foto de cima à esquerda, Ângela Carne e Osso, a inimiga nº 1 dos homens, personagem de Helena Ignez em A Mulher de Todos (1969) de Rogério Sganzerla; na direita, a turma punk na época da loja SEX de Vivienne Westwood (que está na extrema direita de camisa), a curiosidade dessa foto é a cantora Chrissie Hynde mostrando o dedo do meio antes de ser a vocalista do Pretenders; na foto de baixo à esquerda, turminha montada de Harajuku

Na entrevista que fiz com Dudu Bertholini na ocasião do desfile da Ahlma na Casa de Criadores, ele comentou sobre esse styling que valoriza a individualidade dentro da diversidade e, de quebra, pega a roupa que já existe e a desconstrói, às vezes customiza mas principalmente a recontextualiza e com isso lhe dá uma nova carga de alta voltagem fashion. Esse é um movimento da moda que já começou com os desfiles da À La Garçonne, com a febre com cara de brechó (mas usando roupas novas) da Gucci de Alessandro Michele - porém esses exemplos são mais, digamos, sem arestas, redondinhos demais para se contaminar com a energia explosiva da improvisação.

Mais exemplos? As propostas da estilista Vicente Perrotta, antes mesmo dela entrar na Casa de Criadores - curiosamente, o desfile dela da última edição do evento não tem tanta carga pós-apocalíptica mas continua seu trabalho incrível de upcycling e de estabelecimento do corpo trans como um corpo que também deve ocupar um espaço na moda, que também é fashion e que, acima de tudo, não precisa engolir estéticas do padrão cis-heteronormativo.

Desfile Transclandestina 3020 de Vicente Perrotta

Poesia na escadaria da Praça das Artes durante a Casa de Criadores. Foto: Marcelo Soubhia/Agência Fotosite

Falando em CdC, nessa edição que aconteceu há algumas semanas a gente viu exemplos em maior ou menor grau dessa estética, mas numa quantidade sem dúvida elevada. Vai desde o upcycling mais polido da Re-Roupa de Gabriela Mazepa até a P.O.T.E., marca da Estamparia Social que capacita egressos do sistema penitenciário e pessoas em situação de rua no ramo da moda e de personalização de produtos (canecas, cinzeiros etc.). A P.O.T.E. fez desfile intenso unindo forças de gente como o multiartista O Novíssimo Edgar, o estilista Gustavo Silvestre (do incrível Projeto Ponto Firme) e o artista Renan Soares - a apresentação fala sobre a realidade e a dificuldade do preso, a visita íntima, a marginalização de um ser humano mesmo quando ele está cumprindo sua pena e portanto no caminho para uma teórica readmissão na sociedade. Esteticamente esse e outros desfiles se incumbem de mostrar que a diversidade de corpos, etnias e sexualidades também passa pela diversidade humana: cada um é um, e por isso as propostas de moda não deveriam corresponder a essa realidade? Cabe, nessa dinâmica, a padronização e consequente uniformização?

Streetwear com muita personalidade e cor

P.O.T.E. na edição 45 da CdC. Foto: Marcelo Soubhia/Agência Fotosite

Mas acredito que o exemplo maior da estética do improviso está com as Estileras, que em um dos dias do evento ocuparam um espaço às vistas do público na Praça das Artes e montaram o desfile assim, com todo mundo observando - performance, humor e energia. Entrevistei Ricardo Boni, uma das metadas da Estileras com Brendon Xavier, com a jornalista Giuliana Mesquita (que aliás escreveu textos sobre os desfiles para o site da Casa de Criadores, vai lá prestigiar!). Confira após a foto!

Estileras na 45ª Casa de Criadores: a estreia da dupla no evento. Foto: Marcelo Soubhia/Agência Fotosite

Mesquita: Explica para a gente o que é que vocês estão fazendo?
Boni: Estamos apresentando os manuais Estileras, e hoje apresentamos o manual de como apresentar um desfile: montamos nosso backstage fora e expomos o processo. Todas as roupas são de brechó e a gente produz tudo na hora, não fizemos nenhum look antes. Começamos ao meio dia e vamos ficar trabalhando aqui até às 19h, que é o horário do nosso desfile.

Wakabara: Ou seja, é um processo mais de mostrar styling do que fazer roupa?
Boni: Exato.
Mesquita: Mas também estão pintando, fazendo outras coisas…
Boni: Isso. A nossa brisa é se apresentar como a primeira marca de moda do Brasil que não se importa com moda! [Risos] Por isso que a gente abriu nossos bastidores, a gente está fudidamente incerta! [Risos] Também criamos algumas coisas no virtual - se você acessar esses QR codes [impressos e expostos] dá para acessar o perfil de todo mundo que está dentro da performance. Tem umas fotos novas que produzimos para essa ocasião. E se vocês entrarem nos stories do Instagram e procurarem Estileras no gif, tem as estampas que eles estão fazendo em gif! [só para vocês saberem, os gifs continuam lá e são ÓTEMOS, dá uma olhada!]

Wakabara: O que são as Estileras? Se uma pessoa chamar vocês para fazer um projeto, o que vocês vão fazer nesse projeto?
Boni: Somos uma dupla de artistas, eu e a Brendon, que vimos um caminho na moda mas começamos a descobrir que o meio era a mensagem. Então não era simplesmente produzir uma roupa que tivesse signos; a produção deve ser os signos que queremos que sejam comunicados. Por isso queremos mostrar o processo, falar das etapas. Somos artistas tentando resolver os problemas apresentados, tanto para a arte quanto para a moda. Temos o nosso lema que é aquele meme: “a moda quem faz são vocês". É livre, você faz na hora, é para se virar, é para reutilizar, é sobre aproveitar mesmo, aproveitar rasgo... Tudo que aparece de errado você aproveita: uma mancha é uma estampa. Repense tudo. Essa é a nossa posição como artista brasileiro. A precariedade das infraestruturas cria isso, a gente vai ter que aceitar esse erro, a gente vai ter que aceitar esse rasgo para que possamos continuar fazendo. O erro é só mais um caminho a ser seguido. Fiz toda a produção dessa performance e desfile, fizemos o conceito, os textos de divulgação, as fotos. Somos financeiro, administração… [Risos] E propomos outros meios de ver o mundo.

Foto: Marcelo Soubhia/Fotosite

Mesquita: Vocês vão vender as roupas depois?
Boni: Sim. Temos o patrocínio da Ahlma, eles ajudaram com uma parte do financiamento do projeto e deram total liberdade, foi incrível. Então talvez tenhamos esse caminho mas ainda está tudo indefinido. Ainda não entendemos como as roupas vão ficar para saber como a gente se posiciona com elas [a entrevista foi feita antes do desfile acontecer]. É que a roupa é o final das coisas, e a gente fala mais do processo. Criamos todo esse meio, essa estrutura, para conseguir falar do que queremos.

Mesquita: São quantas pessoas participando?
Boni: 30 no total. Fizemos o look de todo mundo, mas os principais são de 10 pessoas. E eu também queria comentar que para a gente é muito importante a união, de verdade. A coletividade geralmente fica no crédito final, mas para a gente são rostos com links, ninguém é só esse "ao vivo”, temos que explorar isso.

Foto: Marcelo Soubhia/Fotosite

E para quem ficou preocupado, bravo ou triste com o conservadorismo querendo se apropriar da estética: fique tranquilo.
Eles são intrinsicamente cafonas. Nós temos a liberdade de sermos cafonas por opção.
<3

Entrevista com Dudu Bertholini: "Nenhuma das iniciativas sustentáveis gera menos impacto do que usar o vintage"

Dudu Bertholini é um stylist com muita personalidade, daqueles que você identifica em trabalhos mais autorais - ou você identifica certa inspiração, se não for styling dele… Lembro que me senti muito burro por não ter ido no primeiro desfile da Neon, a marca que Dudu teve com Rita Comparato (hoje à frente da ótima Irrita), que foi no teatro Oficina. Tanto que fui em praticamente todos os outros, porque eram sempre os desfiles mais comentados do SPFW, empolgantes, dramáticos, divertidos.

Nessa estreia na Casa de Criadores da Ahlma de André Carvalhal, Dudu foi convidado pela marca para, adivinha só, criar um desfile vintage. São peças únicas garimpadas que receberam interferências de dois criadores muito marcantes da turma dele, Vanessa Monteiro e Fabio Kawallys. Tudo a ver com o que eu falei no fim desse post super recente! Mas o Dudu pode explicar melhor do que eu, claro.

Dudu e André Carvalhal no backstage

Foto: Paulo Cândido

Dudu: A Ahlma, muito mais do que ser uma marca, é uma plataforma de boas práticas, de sustentabilidade, de uma moda com propósito, de uma nova consciência. E aí me chamaram para fazer um desfile 100% vintage, feito a partir de upcycling de peças que já existiam. A gente entende que o maior valor disso, muito mais que despertar o desejo por essas peças, é fomentar essa consciência, fazer com as pessoas queiram fazer essa customização em casa, olhar para aquilo que já foi produzido em excesso para que todos nós pudéssemos nos vestir por muitos anos ao longo da história! E nenhuma das iniciativas sustentáveis gera menos impacto do que usar o vintage. 

Letrux estava no casting do desfile

Vermelhou sempre ;) Foto de Paulo Cândido

Wakabara: Onde vocês encontraram as roupas?
D: A gente trabalhou primordialmente com peças da ASA, que é a Associação Santo Agostinho e faz um trabalho social muito legal de muitos anos ajudando idosos, crianças e adolescentes. Compramos as peças deles, ressignificamos e assim também trazemos visibilidade para eles. E aí chamei Fabio Kawallys, rainha da customização tropical punk antes de todas, e Mística Selvagem Vanessa Monteiro - temos uma história de colaboração de 20 anos de roupas de brechó…

W: Sim, eu lembro!
D: Você lembra bem, ela de maiô jeans, precursora! Nós que já somos vintage (risos), há 20 anos já usando vintage, nos juntamos nessa aventura, o que também é muito especial, colaborar criativamente depois de tanto tempo.

Em primeiro plano, da esq. pra dir.: Vanessa Monteiro, Mãeana (que cantou a trilha ao vivo com músicas da Xuxa), André Carvalhal, Fabio Kawallys, Dudu Bertholini (Foto: Paulo Cândido)

W: E a edição do desfile?
D: É uma edição solta, que prioriza a individualidade, mas acho que a gente tem um tom de casualidade; são camisas, camisetas, moletons, com paletós mas usados de forma relaxada; uma pegada cotidiana. Temos signature piece também - uma saia do Dener [Pamplona de Abreu], por exemplo, que virou um look punk. Existem highlights mas no geral são peças casuais, que você poderia encontrar em qualquer lugar e que ganham vida a partir do upcycling. É essa a grande mensagem.

W: E essa saia do Denner você encontrou na ASA?!
D: Não, essa é do acervo de Mística Selvagem; mas na Associação tem Burberry, tem doações muito babado. As peças não são tão baratinhas, tem uma triagem, higienização... Mas sob a nossa ótica, a gente incentiva que a pessoa abra o olhar para todos e quaisquer valores, talvez aquela peça que está ali na bacia de R$ 1 é a que mais precisa de uma ressignificação.

W: Claro, e sem etiqueta nenhuma…
D: Exatamente.

Fotos: Paulo Cândido

W: Esse novo uso do vintage, com passarelas apresentando roupas novas que parecem vintage - na minha leitura o segredo está no exercício do styling. Ou seja: a passarela agora mostra styling?
D: A moda é um reflexo do mundo e a passarela é um reflexo da moda. A gente está falando de uma moda que quebra padrões, com esse papel no presente e no futuro de desmontar essas regras e padrões para que todos nos sintamos incluídos. E essa quebra tem que estar na passarela. Quando começamos a colocar um exercício que diz assim: "Ter estilo é a melhor ferramenta de sustentabilidade”, não vai ter revista alguma que vai dizer "use este blazer". Ela vai defender que você tenha essa visão de que aquela peça pode virar algo nas suas mãos. Existe um exercício de independência, de autoria em cima do look, que é muito corajoso a moda se dispor a fazer. E não é só a Ahlma, todo mundo está falando isso. Então a gente está aqui propondo: você vai consumir o que você tiver desejo mas não estamos aqui para impor regras do que você tem que usar; estamos aqui para criar um cenário que fomente sua individualidade. Desde Gucci até Versace, você tem um mercado inteiro passando essa mensagem. Como é que você vai andar na rua e ter um look que se diferencia dos outros? Existe uma camada individual em cima disso que ninguém pode ter dar, só você pode desenvolver, e esse desfile é um exercício a favor disso.

W: E você acha que o trabalho de styling mudou por causa disso?
D: Acho que não dá mais para dizer o que é styling e o que é direção criativa. E não dá mais para dizer o que é uma tendência e o que é um rumo para onde o mundo está indo. É um novo lugar para o stylist sim, é um novo momento de pensar o styling.

Esse post e a minha cobertura da Casa de Criadores traz fotos do super Paulo Cândido: sigam o Paulo no Insta! 

Para complementar esses pensamentos, sugiro o vídeo novo da Ale Farah (que inclusive cita esse desfile e é superamiga do Dudu):

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Com dados de que o vintage ameaça ultrapassar o fast fashion em receita, segue aqui minha (sugestão de) resposta para a dúvida existencial de Maria Grazia Chiuri da @dior #vintage @therealreal @thredup @awaytomars @freefree @stockx #couture

A post shared by Alexandra Farah (@alefarah) on Jul 2, 2019 at 10:13am PDT

E esse vídeo que fiz com a Lilian Pacce faz mais de um ano já falando do mercado de revenda: