Você lembra de Zillion, o jogo de videogame da arminha?

Assistiu à série GDLK na Netflix? É muito legal, ela fala da história do videogame e traz curiosidades sobre essa indústria que é gigantesca, mas que ainda ganha pouca cobertura da parte do noticiário de grandes veículos. Millennials como eu vão ter alguns ataques de nostalgia assistindo – afinal, fomos o público-alvo que possibilitou esse megacrescimento. Super Mario Bros, Doom, Sonic, Street Fighter II, está tudo lá. Para a geração X também tem Pacman, Space Invaders.

Acontece que comigo e com meus primos mais próximos a coisa funcionou um pouco diferente. Depois do Atari das minhas irmãs, o videogame que chegou em casa foi o Master System. Lembra?

Lembro vagamente do Master System da Sega ser comercializado aqui pela Tec Toy, que era a mesma marca do Pense Bem.

A minha irmã Ana Flavia já me atentou ao fato de que meu pai sempre amava novidades: teve câmera filmadora numa época que era raro alguém ter esse tipo de equipamento. Câmera fotográfica com lente de zoom gigantesca mesmo sem ser profissional. Aparelho de CD assim que a novidade foi lançada. Então eu provavelmente também era (e sou) influenciado por esse gosto por novas tecnologias. Para mim o Pense Bem era o máximo: um computador só meu!

Acho que é por isso que foi natural querer um Master System no lugar de um Nintendo – era da "mesma marca”. Ganhei um e meu primo Hugo tinha outro, então jogávamos com o dele nas férias, no sítio.

E aí lembrei da arminha do Master System.

Para jogo de tiro era o máximo, a gente se sentia num fliperama!
Aí eu sempre tive uma lembrança meio apagada, meio bizarra, de um desenho animado no qual a pistola Light Phaser aparecia. Como já disse milhares de vezes aqui, minha memória é péssima. Então fiquei achando que estava viajando, "imagina, nem passava anime na TV nessa época…".

Bom, a verdade era que passava. A minha memória, dessa vez, não falhou.
No Brasil, o desenho Zillion passou na Globo e na Gazeta. Ele está intimamente ligado às origens da Light Phaser.

Vamos falar de vaporwave raiz, né?

Zillion foi originalmente transmitido no Japão em 1987. É da Tatsunoko Production em parceria com, adivinha, a Sega. A marca de jogos eletrônicos tinha lançado o sistema lasertag no começo dos anos 1980 – aquele jogo tipo paintball que usa arma de laser infravermelho no lugar da bolinha de tinta. Ela o batizou de Zillion – na tradução é isso mesmo que você está pensando, zilhão, tipo um número tão enorme que é incontável. Com o sucesso e a possibilidade de aumentar ainda mais a popularidade do Zillion, a Sega decidiu investir em um anime como forma de propaganda do jogo. Assim, nascia o anime Zillion.

Champ, JJ e Apple, a força de elite de Zillion

Zillion, o desenho, juntava tudo que era moderno e cool no Japão dos anos 1980: pistola laser (e o laser era vermelho, claro), ombreiras, perfecto, motos, aliens que parecem robôs meio orgânicos meio esquisitos (quase um prenúncio de Neon Genesis Evangelion), cortes de cabelo repicado, muita parede de aço, muita poeira levantando, City Pop na trilha. A história se passa no século 24 em um planeta colonizado por humanos e parecido com a Terra, Maris. Ele é invadido por nozas, que é essa raça alienígena esquisitona. Surgem três pistolas que disparam um poderoso feixe de energia vermelho, as Zillion. Então são escalados três jovens para empunhar essas armas e formarem uma equipe de elite, os White Knights. São eles: JJ ("jota jota" na versão brasileira), Champ e Apple, respectivamente com 16, 18 e 17 anos, que contam com a ajuda de outros personagens.

Uma coisa que é muito legal de Zillion (e que não sei se na época parecia forçado) é que a dublagem brasileira realmente trabalhou para soar jovem e moderna. Incluiu gírias, entonações e é bem divertida.

A pistola Zillion do anime é tão parecida com a do jogo que tem até um cabo de carregar!

A relação entre Zillion e a Sega foi bem explorada. O Master System, videogame de 8-bits da marca, chegou a aparecer em um episódio do anime.

E aí, finalmente, a Sega acabou criando a pistola do Master System, a Light Phaser, baseada na arma Zillion. O design é igualzinho.
Zillion ainda rendeu dois jogos para Master System. É aí que a minha memória falha: na minha cabeça, joguei o game Zillion usando a Light Phaser. Mas na real nenhum dos dois jogos usava a pistola – são jogos de aventura com o controle normal nos quais o JJ aparece na tela e a ação vai rolando geralmente na horizontal, tipo Super Mario. Portanto, não sei nem se eu cheguei a jogar Zillion de verdade!

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"I'm not a Heather, I'm a Veronica": Heathers, que inspirou Ryan Murphy, que inspirou Heathers

It's just!
Se você ainda não assistiu a Heathers, o filme de 1988 que em português ganhou o infeliz nome de Atração Mortal, pare tudo e ASSISTA. Mas antes, um aviso: talvez você não goste. Nem todo mundo gosta. Heathers é comédia de humor macabro, brinca com valores com os quais muita gente ainda se identifica, mexe com a “instituição” bullying de um jeito que poucas (ou nenhuma?) obra de ficção conseguiu depois, e mais importante de tudo… fala de suicídio adolescente, que pode ser um gatilho para muita gente.
Avisos feitos, vamos lá. Vou tentar não dar spoilers, mas acho que pode rolar umas escapadas – você foi avisado.

Veronica Sawyer (Winona Ryder) e Jason Dean (Christian Slater) em um dos velórios de Heathers

Quem diria que ia dar certo? Pouca gente. O próprio roteirista Daniel Waters, em entrevistas, reconhece que foi ingênuo e não pensou nos efeitos que sua escrita poderia causar. Ele simplesmente escreveu o que queria ver. Na época, todos os longas teen clássicos de John Hughes já tinham sido lançados e portanto o "panteão mítico” do high school norte-americano já havia se espalhado pelo mundo via Hollywood. Antes de Heather Chandler (Kim Walker), existiu Benny (Kate Vernon) e suas amigas em A Garota de Rosa-Shocking; antes do jock Ram (Patrick Labyorteaux) tivemos os bullies Ian (Robert Downey Jr) e Max (Robert Rusler) em Mulher Nota 1000; antes do bad boy Jason Dean tivemos John Bender (Judd Nelson) em Clube dos Cinco.

E principalmente: antes de Winona Ryder tivemos Molly Ringwald. Uma nova it girl roubava os holofotes, e essa tinha um toque dark, próprio dos anos 1990 que chegavam. Se a princesa Claire (Ringwald) ficou com Bender no fim do Clube, isso era apenas um prenúncio da síndrome de Jean Grey: é para ela ficar com o Ciclope, mas o Wolverine lhe parece estranhamente irresistível…
Ringwald de certa forma fez isso com o roqueiro moderno Dweezil Zappa, mas Winona ultrapassaria essa marca: enquanto Veronica Sawyer participava efetivamente da trama ao forjar o bilhete de suicídio de uma das Heathers (ela no mínimo poderia ser acusada de cúmplice), a atriz em si namoraria com Slater (em algum momento das filmagens ele deixaria a então namorada Walker para ficar com Ryder), Johnny Depp, David Pirner (o vocalista do Soul Asylum)… E, principalmente, ELA MESMA tomaria o papel de bad girl ao ser presa roubando na Saks. Sua posição de musa cult depois de Edward Mãos de Tesoura (1990), Caindo na Real (1994), Garota Interrompida (1999) e principalmente o próprio Heathers confunde personagem e vida real e a deixa sujeita à empatia e identificação pela Geração X, que simplesmente trocou Molly por ela. Não que Molly fosse menos moderna ou carismática… Os anos 1990 pediam por algo mais grunge, simplesmente. Menos perfeito.

E o mesmo pode ser dito sobre Heathers em si. Regina George (Rachel McAdams) em Meninas Malvadas é basic bitch perto das Heathers. Elas são o molde real das outras. O menor exagero no bullying confrontado com elementos estranhamente sedutores (críquete? frases maravilhosas que a gente nunca acreditaria que saíram da boca de uma garota do Ensino Médio porque são mais apropriadas para uma bicha de um conto de Caio Fernando Abreu?) fazem Heather Chandler ser mais realista e assim ficar ainda mais odiosa.

Jason Dean, ou JD, vem para completar o cenário. Fora a comparação óbvia com James Dean, o rebelde sem causa ainda vem com uma referência bônus escondida. O livro que Heather Duke (Shannen Doherty) lê é Moby Dick por motivos financeiros: a ideia inicial seria que ela estivesse lendo O Apanhador no Campo de Centeio. Fora o fato do livro de JD Salinger (olha aí, JD, hein, hein) ser cult, tipo existencialismo para adolescentes, ele era (e é) um pedido comum de leitura das aulas de literatura norte-americana do high school dos EUA. Mas Salinger não quis ceder os direitos – e Moby Dick virou a nova pedida porque seus direitos tinham expirado, já era domínio público. Para quem não está familiarizado, Moby Dick tem mil simbolismos discutidos ao longo dos anos (não é à toa que é um clássico), entre eles a discussão de valores morais da sociedade, a sede por dinheiro corrompendo as relações, os limites da humanidade e por aí vai. Faz sentido.

Heathers foi considerado um fracasso de crítica e de bilheteria na época do seu lançamento. A redenção só veio depois, em vídeo, quando o filme foi se transformando num clássico cult e teve impacto na cultura pop comparável aos hits de Hughes. Frases e expressões que Waters inventou viraram realidade na boca dos adolescentes, Heather virou um substantivo para a gente se referir a bullies ricas e o filme se transformou em inspiração para, bem… Ryan Murphy. Porque afinal o longa é a cara do Ryan Murphy (na minha opinião, um pouco menos glamouroso, menos mainstream, menos superproduzido e por isso mais legal, mas você entendeu).

Ryan Murphy: origins

No começo, era Popular. A série de duas temporadas que Murphy criou com Gina Matthews e passou na TV americana entre 1999 e 2001 já trazia uma discussão sobre popularidade no Ensino Médio. De um lado a cheerleader Brooke McQueen (Leslie Bibb), do outro a nerd Sam McPherson (Carly Pope), cada uma popular em seu "segmento" – elas se vêem forçadas a conviver quando o pai de uma e a mãe de outra começam um relacionamento. Com isso, essa turma toda precisa aprender a socializar, já que Brooke e Sam passam a morar na mesma casa. Ou seja: já existiam umas Heathers aqui, sim?

Mas o sucesso de Ryan viria na forma de Nip/Tuck (2003-10), sobre uma dupla de cirurgiões plásticos. E a consagração? Glee (2009-15).

Bom, não vou falar da Naya Rivera nem da Lea Michele porque não é essa a ideia. Mas enfim: RIP Naya, Lea quem-se-importa-com-essa-tonta.

Queria atentar que, por mais que na sua extensão Glee tenha se transformado numa novelinha musical besta, no começo ela tinha um pulo do gato muito interessante: o seu foco seria na Martha Dunnstock, e não exatamente nas Heathers (apesar de, sim, as cheerleaders Cheerios serem Heathers). Ou seja: o foco era nas vítimas de bullying. Em parte, o tema central eram os conflitos entre os populares e os "esquisitos", os marginalizados, mas acima de tudo as lentes estavam nas vítimas mudando de papel num subgrupo dentro da escola: o coral. No caso de Rachel Berry (Lea Michele), ela vai de zoada à rainha da cocada preta. Eles constroem uma outra hierarquia à sua maneira e à parte da estrutura social da escola toda.

E bom, existia o fato de ser um musical, coisa que eu não aguento, mas com Glee eu tinha aquele guilty pleasure de querer saber o que ia acontecer com aquele bando de personagem raso em tramas e reviravoltas ridículas mesmo tendo que aguentar versões pasteurizadas de músicas em sua maioria boas.

Como a gente está falando de bullying, é claro que Heathers pairava como uma referência em cima de Glee. Mas Murphy citou Heathers nominalmente em entrevista depois, em 2015, na sua nova aposta na época… Scream Queens (2015-16).

As Chanels de Scream Queens

No lançamento, grande parte das manchetes foi dominada pela participação de Ariana Grande (como Chanel nº 2) e Nick Jonas (como Boone) na primeira temporada, mas a presença de Jamie Lee Curtis (num papel estranhamente parecido com a Sue Sylvester de Jane Lynch em Glee, um dos fatores que reforçam a crítica a Murphy de que ele se repete muito) e o próprio título conecta a série a filmes de terror adolescente, mais especificamente à franquia de Halloween na qual Curtis fazia uma scream queen em si. Scream queen virou uma expressão para as "mocinhas” desses longas que não fazem muito mais do que gritar e fugir do assassino, alvo de crítica porque esconde um machismo ao colocar a mulher sempre no papel de vítima indefesa e incapaz. É mais complexo que isso (tem scream queen que mata o assassino sozinha), mas resumidamente é por aí!

Na série, assim como no filme Heathers, os papéis se confundem. Nenhuma menina aparece gritando em Heathers. E Veronica Sawyer está longe de ser uma vítima, apesar de se vitimizar. Em Scream Queens elas gritam, até demais. Mas sempre fica a dúvida: elas são vítimas ou são serial killers?

Em plena Comic-Con, Murphy declarou em 2015 que Scream Queens era um encontro de Halloween e Heathers. O maior aceno de todos está na turma das Chanel, liderada por Chanel Oberlin (Emma Roberts). Ao contrário das Heathers, que por coincidência têm o mesmo nome, na série as outras Chanel mudaram de nome a mando da primeira, sendo apontadas como Chanel nº 2, 3, 4… O verdadeiro nome de Chanel nº 5, por exemplo, é Libby Putney (Abigail Breslin).

Uma mudança importante é que Scream Queens se passa numa universidade. O que é bem esquisito, já que os dramas e a trama continuam sendo adolescentes demais.

Chanel nº 3 (Billie Lourd), Chanel Oberlin e Chanel nº 5 na segunda temporada de Scream Queens, que conseguiu ser mais imbecil que a primeira – e talvez por isso até mais divertida, no sentido camp da coisa?

O fator “adolescentes assassinos” grita Heathers (desculpa o trocadilho). Mas Murphy tirou algo muito importante da fórmula: a simulação de suicídio. Já fica óbvio, logo de cara, que existe um serial killer entre os personagens.

Nesse meio tempo, em 2010, e talvez olhando para o sucesso de Glee, cometeram uma coisa que, eu sei, tem muitos fãs, mas eu acho um grande cocô fedido… Heathers: the Musical.

POR QUE OS NORTE-AMERICANOS PRECISAM TRANSFORMAR TUDO EM MUSICAL, CAZZO???

Heathers: the Musical estreou em 2014 em Los Angeles. A história é basicamente a mesma só que com música. Dói demais.
Só que virou mais um cult. Sinceramente, como costumo observar as pessoas que estão ao meu lado nas trincheiras, nem todo mundo que ama o filme gosta do musical e isso já diz muita coisa. Para mim, ele pensa demais no mainstream. É Murphy demais. O humor macabro perde muito da sua ironia fina. As músicas que exploram o sentimento dos personagens (e portanto são sentimentalistas) tentam explicar demais, deixam tudo mastigadinho e sem lugar para interpretações. Tudo ganha um ar de moralismo fake. Praticamente vira um similar do hit fictício do filme original Teenage Suicide (Don't Do It).

O musical ganhou diversas montagens. Em 2019, chegou no Brasil.

Riverdale, aquela série besta, ganhou um episódio na sua terceira temporada (2019) em que a escola vai montar o musical (existe uma versão especial de Heathers: the Musical para montagens escolares desde 2016, tipo "censura livre", com cortes e adaptações). Eu assisti ao episódio para você não ter que passar por essa tortura. É como um Glee com personagens de Riverdale, ou seja, um dos sinais do apocalipse. Eles não disfarçam as obviedades no casting, como Cheryl Blossom (Madelaine Petsch) no papel de Heather Chandler e Betty (Lili Reinhart) e Veronica (Camila Mendes) fazendo as outras Heathers. Veronica Sawyer é interpretada por Josie (Ashleigh Murray), mas eu acho que tem uma música que era pra ser dela e é cantada pela… Veronica da Camila Mendes. Risos. Ah: e quem assume o JD é Sweet Pea (Jordan Connor) e não Jughead (Cole Sprouse), como os fãs poderiam esperar, ou mesmo Archie (KJ Apa).
Enfim: better to be gently fucked by a chainsaw do que assistir isso.
(Desculpas sinceras para minha sobrinha Gabriela, eu sei que ela gosta)

Enquanto isso, depois de Scream Queens e de 13 Reasons Why (2017-20), parece que liberou. Em 2009, surgiram as primeiras notícias de que Heathers, mesmo envolvendo o tabu do suicídio adolescente, viraria uma série de TV pela Sony. Em 2012, surgiu um papo de que seria uma série da Bravo. Mas a coisa ainda demoraria a engrenar. Ela viria pelas mãos da Paramount, mas sofreria adiamento e cortes por causa de mais tiroteios em escolas dos EUA. Querendo evitar cutucar o vespeiro, a Paramount postergou a estreia o quanto pode. O primeiro trailer só saiu em 2018.

A série Heathers que não é de Murphy – mas poderia, em suas qualidades e, principalmente, seus defeitos

O trailer sofreu uma saraivada de críticas. Era pra tanto? Bom… se o filme já desperta opiniões fortes, a favor ou contra, a série jogou gasolina em tudo.

Haters gonna hate: Veronica Sawyer (Grace Victoria Cox), Heather Chandler (Melanie Field), Heather Duke (Brendan Scanell) e Heather McNamara (Jasmine Mathews)

Logo de cara as coisas ficam confusas. Ao mesmo tempo que a série é um reboot, com praticamente todos os personagens reinventados mantendo seus nomes e as frases que fizeram tanto sucesso na obra original, quem conhece a primeira versão fica confuso ao ver ela…

SHANNEN FUCKING DOHERTY

Sendo que ela era ela…

Heather Duke (Doherty) em Heathers (1988)

Ué???

Acontece que a participação de Doherty é só uma graça, um dos vários acenos que a série faz para o filme. O papel dela é da mãe de JD (James Scully). Só que ela tem o clássico frufru vermelho símbolo da menina mais popular da escola no filme original (a princípio Heather Chandler). Tá vendo na foto? Existe uma brincadeira no longa de que Heather Chandler sempre escolhe o taco vermelho no críquete, mas isso era bem sutil – no musical o vermelho vira “a cor” de Chandler e, em Riverdale, a “possessividade” do vermelho é explorada com Cheryl Blossom.
O frufru da mãe de JD acaba com Veronica na série.

Essa nova versão de Heathers faz brincadeiras tipo fan service. Umas mudancinhas. Algumas funcionam e outras não. Quem joga críquete com Veronica é Betty Finn (Nikki SooHoo). E Veronica quem manda. Ela sempre quer o taco azul.

Mas o principal é que num mundo pós-Glee e politicamente correto, com celulares e a sede por seguidores e likes, o conceito de popularidade adolescente não é mais o mesmo de 1988. O novo Heathers incomoda porque faz troça do discurso politicamente correto, da representatividade, do que a gente valoriza hoje. A pobre cheerleader é secundária, quase figurante. E Heather Chandler é gorda, body positive, cool, artsy… e ainda assim uma desgraçada que faz bullying. Sim, o feitiço virou contra o feiticeiro; a minoria ficou popular e é quem manda – a cena em que um pai chora no filme, dizendo que tem orgulho do seu "filho homossexual morto”, vira uma cena em que o pai chora dizendo que tem orgulho da sua "filha heterossexual morta".
Hum… É engraçado, mas por quê? Não é uma forma de embutir que as ideias progressistas talvez estejam “exageradas demais"? Não curto essa onda. Talvez por que me sinta atingido? É bem complexo. Mas não me parece certo fazer comédia sobre conquistas das minorias de uma maneira tão sinistra e insensível.

Ah, sim: e se você não percebeu, Heather Duke é gender fluid (atende pelos pronomes ela/dela) e Heather McNamara é negra e lésbica.
Veronica? É uma garota branca, loira, de olho claro, normal. Não é careta mas tem todos os privilégios que poderia.
A série não segue a história do filme, mas trata dos mesmos temas. E é bizarramente Murphy, apesar dele não estar envolvido na sua criação. Simplifica questões, resolve conflitos de maneira pueril, faz reviravoltas folhetinescas absurdas. E tem momentinhos musicais (ARGH). O descaso é tanto que um dos personagens que morrem no fim de um episódio não causa impacto nenhum no episódio seguinte; a sua morte é citada, meio por cima. Sem drama, ninguém ficou exatamente chateado, feliz ou minimamente atingido. Seria um statement se isso acontecesse com as outras mortes de maneira similar – e não, as outras mortes são encaradas de maneira muito mais importante.

A mensagem que fica é mais ou menos "ninguém é inocente". Do tipo “o sonho do oprimido é ser um opressor".
Pra mim, até uma das sacadas mais legais do roteiro, que coloca o JD com um discursinho meio 4chan, quase incel, é estragada pelo exagero – tem uma hora que você não aguenta mais ouvi-lo falando. Nem a Veronica!

E na comparação, o carisma de James Scully fica devendo pencas pro Christian Slater

Uma das únicas coisas que realmente prestam é… Selma Blair. Ela faz a madrasta de Heather Duke, uma prostituta vulgar que é bem estereotipada mas ao mesmo tempo maravilhosa.

E o fim? Bom, Heathers, o filme, tinha um fim previsto que acabou sendo descartado porque os produtores acharam que era pesado demais para um filme adolescente. Na versão pasteurizada da série, eles conseguiram reproduzir mais ou menos esse fim original. E é ruim demais, viu?
Ruim demais.
Depois não vai dizer que eu não avisei.
Heathers, a série, está disponível na Globoplay.

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Brat Pack parte 10: os herdeiros

Quem diria que chegaríamos ao fim dessa saga?
Esse post é o fim de uma série de 10 sobre o Brat Pack, um grupo de jovens de Hollywood que recebeu esse apelido na década de 1980 e que hoje a gente liga bastante ao surgimento de vários filmes que davam voz aos adolescentes e jovens adultos de maneira menos caricatural, aproveitando esse nicho de mercado na época. Costuma-se dizer que foi quando o adolescente foi visto sob a sua própria ótica.
Para você que chegou agora, sugiro que leia os posts anteriores antes de seguir nesse! Pode ser? Para facilitar sua vida, segue a lista:

. O que é o Brat Pack, de onde surgiu o nome, quem são eles?! São tantas as questões…
. Um nome muito importante nas origens do Brat Pack, antes ainda dessa nomenclatura aparecer: S. E. Hinton
. A trindade de um dos núcleos centrais do Brat Pack: Molly Ringwald, Anthony Michael Hall e John Hughes
. He-he-he-he… uuuuuuuuuuuuh-oooooh: o clássico Clube dos Cinco
. O Brat Pack também tem um filme ruim: O Primeiro Ano do Resto de Nossas Vidas
. O galã do grupo e um escândalo envolvendo sex tape com menor de idade: Rob Lowe
. O outro clássico: Curtindo a Vida Adoidado
. O último filme do Brat Pack: Digam O Que Quiserem
. A trilha sonora: música é muito importante nos filmes do Brat Pack! Ouça algumas delas!

A gente poderia ter incluído mais filmes entre os que a gente colocou aqui? Poderia sim: tem, por exemplo, O Rei da Paquera (1987) com Ringwald e Robert Downey Jr (é ruinzinho). Ou o ótimo Atração Mortal (1988) com Winona Ryder e Christian Slater (que já traz uma outra turma e tem um tom mais macabro; acho que um dia faço um post sobre ele fora desse contexto brat packer). Ou ainda Conta Comigo (1986) com River Phoenix e Corey Feldman (que está mais para infanto-juvenil do que adolescente e é da leva "filmes inspirados em livros do Stephen King”). E também De Volta Para o Futuro (1985) com Michael J. Fox (falei sobre a sequência, que completou 30 anos, também fora desse contexto brat packer). Ou todos os filmes de terror adolescente dessa época (que para mim são outra categoria e se ligam ao Brat Pack de maneira muito tênue, basicamente só porque eram dirigidos para o mesmo público).
Mas é a vida: achei que esse recorte que usei até incluiu coisas que normalmente não são consideradas do Brat Pack (como Curtindo a Vida Adoidado, Os Garotos Perdidos, Picardias Juvenis e outros). A gente pode ir falando de um ou outro que ficou de fora por aí, pela vida, por 2020, né?

Agora chegou a hora de falar sobre os herdeiros de toda essa filmografia. Se os filmes, diretores, roteiristas e atores foram tão influentes, quem eles influenciaram?

Vou começar pelos que seriam primos distantes de O Primeiro Ano do Resto de Nossas Vidas e Sobre Ontem à Noite. A gente já sabe que esses longas se referem àquela fase que você está recém-formado, prestes a dominar o mundo mas… descobre que o mundo é quem te domina (uau, falei bonito, hein?). Existem dois filmes que seguem essa linha "jovem adulta” logo no começo dos anos 1990. São eles: Vida de Solteiro (1992) e Caindo na Real (1994).

Campbell Scott, Kyra Sedgwick, Matt Dillon, Sheila Kelley, Bridget Fonda e Jim True-Frost, os atores de Vida de Solteiro

Aliás, Vida de Solteiro traz Matt Dillon, marcado pelo comecinho do Brat Pack, lembra? Além dele, outro membro-satélite do Brat Pack, Eric Stoltz, aparece no filme como o mímico. E adivinha quem é o diretor e roteirista?
Ninguém menos que Cameron Crowe!
Crowe já havia escrito uma primeira versão do script lá em 1984, e ela se passava em Phoenix, no Arizona. Ele estava reescrevendo-o quando recebeu a notícia da morte por overdose do músico Andrew Wood em 1990, e contou para a Rolling Stone em artigo em primeira pessoa que decidiu passar para o seu roteiro aquilo que ele sentiu em Seattle, algo do que fazia parte: a cena. Não é sobre a história de Wood (não existe morte por overdose no longa), mas traz aquele clima dos jovens da cidade naquele momento. Surgia o grunge.

Sou suspeitíssimo para falar de Vida de Solteiro: amo esse filme demais. Seattle é uma das minhas cidades preferidas dos EUA (não que eu conheça tantas, mas não sou muito chegado em norte-americanices, se é que me entendes, então eu gostar de lá é realmente um big deal). Comparado ao Primeiro Ano, o filme é mais adulto, mais noventista… mais minha cara, basicamente. kkkk

Bridget Fonda, Matt Dillon e Chris Cornell, isso mesmo, o Chris Cornell do Soundgarden que morreu em 2017

Uma comédia romântica que acompanha histórias paralelas, Vida de Solteiro também ficou cult porque representou o grunge antes dele invadir o mainstream de vez (a coleção primavera-verão 1993 de Marc Jacobs para Perry Ellis foi apresentada em 1992 e tomou a moda de assalto; o Nirvana lançou Nevermind em 1991 e In Utero viria em 1993). Tem até uma banda fictícia no filme, a Citizen Dick. Dizem que Chris Cornell viu a lista das músicas do Citizen Dick (elas não existiam, era só uma lista de títulos) e decidiu compor as músicas de verdade. Seasons, uma delas, está na trilha sonora. Ainda na trilha, figuram nomes como Pearl Jam e Mudhoney.

E dizem também que Johnny Depp quase ficou com o papel de Steve - que acabou indo para Campbell Scott. Os atores do longa em geral não chegaram a virar superestrelas, a não ser Dillon, que já era o mais reconhecido. Ou melhor: isso mudou um pouco com a ascensão meteórica do seu par romântico em Vida de Solteiro, Bridget Fonda.

Bridget Fonda como Janet Livermore em Vida de Solteiro: a cara feminina do grunge ao lado de Courtney Love

Fonda, na época mulher de Eric Stoltz e sobrinha de Jane Fonda (filha de Peter Fonda), era uma das novas it girls, a nova Ringwald ao lado de Ryder, o rosto dos anos 1990. Mas a atriz, surpreendentemente, ficou nos anos 1990 mesmo. O megassucesso Mulher Solteira Procura (1992) e uma quantidade bem grande de lançamentos num curto período de tempo rendeu uma superexposição, mas a segunda metade da década não foi tão cheia de audiência para ela. Depois de terminar com Stoltz em 1998, ela acabou casando com Danny Elfman (lembra que a gente falou dele? O vocalista do Oingo Boingo fez a música-tema de Mulher Nota 1000!); sofreu um acidente de carro em 2003 no qual fraturou uma vértebra e… nunca mais voltou a atuar. A última coisa que ela fez foi um filme para a TV em 2002, o bobinho Snow Queen.

Era outra época. Estrelas de cinema não queriam ser estrelas de TV. Dizem que Fonda recusou o papel principal da série Ally McBeal em 1999 para focar nos filmes. E também dizem que ela está muito feliz, obrigada, na sua aposentadoria precoce; bem sossegadinha e linda.

Falando em TV: houve um interesse para que Vida de Solteiro se transformasse numa série. Crowe diz que esse projeto foi a semente de… Friends (1994-2004). Esse formato de jovens que moram num mesmo prédio, tudo e tal… Não é que faz sentido?

E Caindo na Real (1994) é basicamente para o mesmo público, com o mesmo apelo.

Ethan Hawke e Winona Ryder em Caindo na Real - que casalsão!

Mude de Seattle para Houston, de Matt Dillon para Ethan Hawke, de Bridget Fonda para Winona Ryder, e de música para cinema. O papel de Ryder, Lelaine Pierce, é de uma recém-formada que está fazendo um documentário sobre a vida… após se formar. Ou seja, é como um espelho: o longa fala sobre a Geração X naquele momento, e essa coleta de material dela também lida com o mesmo assunto. A narrativa segue para ela fazer uma escolha: o que é melhor, o idealismo de Troy (Hawke) ou o materialismo de Michael (Ben Stiller, que também vem a ser o diretor)? Nesse meio tempo, assim como em Vida de Solteiro, correm histórias paralelas, só que com um tom mais realista contemporâneo: Vickie (Janeane Garofalo) teve vários parceiros sexuais e se depara com a necessidade de fazer um teste de HIV; Sammy (Steve Zahn) é gay mas ainda está no armário.

A turminha: Hawke, Ryder, Garofalo e Zahn em Caindo na Real

Esses dois filmes são claramente dirigidos para a geração que assistiu Clube dos Cinco (1985) com 15 anos. Naquele momento com 20 e poucos, eles queriam continuar se vendo na telona. Mas as histórias também acabaram me atingindo de alguma maneira: eu, na época com bem menos de 20, assisti e imaginava como seria a minha vida na faculdade e depois dela, e imaginava que seria meio parecida com aquilo, com amigos que gostavam de ir no cinema, em shows, em exposição; com uma mistura de gente engraçada e gente profunda.

Foi exatamente isso que aconteceu, e hoje eu penso: será que eu forcei a barra para isso acontecer por causa desses filmes ou será que tudo já estava fadado a acontecer assim, naturalmente? Ou é uma combinação das duas coisas?
Acho que não importa muito. Mas esses filmes me marcaram profundamente: tenho uma conexão com eles a ponto de, inconscientemente, qualquer coisa meramente parecida com um dos dois para mim já é maravilhosa. Paixão instantânea. Seja na atuação, na estética, na narrativa.

Amo vocês! kkkkkkkkk

Por outro lado, existe o outro lado: os filmes de John Hughes, os colegiais. É claro que Hughes virou um mote, um tema, uma referência, um objetivo. Ele era a junção da autoria com o comercial; seus filmes não são considerados o tal "cinema de autor” mas é ele quem escreve, é ele quem dirige ou quem interfere muito na direção. Não dá para negar um estilo característico. Então teve gente que não só gostou do que viu mas que quis fazer igual. Um dos nomes óbvios é Chris Columbus, tão herdeiro que, na fase "família" de Hughes, dirigiu um dos roteiros mais bombados dele, Esqueceram de Mim (1990) e sua sequência de 1992. Uma Babá Quase Perfeita (1993) e Nove Meses (1995) poderiam muito bem ter saído da cabeça de Hughes, são a cara dele.
Aí ele cometeu Eu Te Amo, Beth Cooper (2009), que apesar do nome não tem nada a ver com o universo de Riverdale, e que é uma bobagem cheia de estereótipos. Columbus ainda virou o rei das adaptações de best sellers literários com dois Harry Potters e um Percy Jackson.
NEXT!

Mas sem contar Crowe, existe um outro herdeiro de Hughes em Hollywood.

O nome dele é Judd Apatow.

“Basically, my stuff is just John Hughes films only with four-letter words. Nobody made me laugh harder than John Hughes.”

— Judd Apatow

Sim, ele é um herdeiro autoproclamado e a prova disso é Freaks and Geeks (1999-2000).
A série nem foi uma criação dele (ele assina como produtor executivo e dirigiu alguns episódios) mas ficou marcada como o começo de, adivinha só, uma turma. Um grupo. Um grupo de Hollywood. O FRAT PACK.

Você não esperava uma reviravolta a essa altura do campeonato, aos 45 do segundo tempo, no meio do último post dessa série, né? Mas TEM SIM!
O termo Frat Pack foi cunhado pelo USA Today em 2004. Ele se referia a Vince Vaughn e Owen Wilson em Penetras Bom de Bico (2005) e seus comparsas, todos acostumados a trabalhar juntos assim como o Brat Pack (e talvez até mais que o Brat Pack). Em 2005, a Details chamaria Apatow (com os outros diretores Adam McKay e Todd Phillips) de frat packager. Ele é o escritor e produtor (e às vezes diretor) de várias comédias ligadas ao Frat Pack.
Minha opinião?

Pronto falei. Mas Freaks and Geeks? Pode levar TODO MEU OURO.

Criada na verdade por Paul Feig (Missão Madrinha de Casamento, o Caça-Fantasmas só com mulheres e o filme que está em cartaz Uma Segunda Chance para Amar), a série é um mistério. Com apenas 18 episódios e aclamada pela crítica, ela não ganhou uma segunda temporada porque… por quê? Tem quem aponte o seu horário ingrato (sábado à noite) para a baixa audiência apesar dos elogios; tem quem diga que existia desentendimento na criação e que Feig (e Apatow) não queriam fazer mudanças e deixá-la mais de acordo com o gosto dos executivos da NBC. Mas é até bom que ela seja assim, uma série que durou uma temporada só, que o povo guarda no coração com saudade.

James Franco, Jason Segel, Linda Cardellini, Seth Rogen, John Francis Daley, Martin Starr e Samm Levine em Freaks & Geeks

Freaks and Geeks entende a frustração adolescente e também apresenta um cenário de colegial com as "castas" às quais Hughes tanto se referia. Dá para entender logo pelo título: os freaks, a turma "problemática" da qual Lindsay Weir (Cardellini) quer fazer parte; e os geeks, da qual Sam Weir (Daley) faz parte. Tem muito em comum com as narrativas hughesianas, inclusive a década (se passa em 1980). E até a questão de um par romântico na trama ir para a vida real também rolou: Cardellini e Segel namoraram por um tempo.

Cardellini é a mulher do Gavião Arqueiro em Vingadores. Todo o resto desse povo, um clube do Bolinha, também foi bem-sucedido em maior ou menor grau em suas carreiras.

Ah, e não sei se você reparou: sim, na melhor tradição de Hughes, o Freaks and Geeks (e o Frat Pack) é branco, branquíssimo, branquérrimo. A diversidade racial passa longe.

Why so white?

Apatow parece ter ficado tão abalado com o fim de Freaks and Geeks que constantemente chama pessoas do elenco original para trabalhar com ele (o que confirma o Frat Pack). Foi o caso de um dos projetos seguintes dele, Curso: Incerto (2001-2003), série que também contou com 18 episódios e se passa na faculdade. Seth Rogen também está no elenco fixo e existem várias participações especiais: Jason Segel, Busy Philipps, Samm Levine e por aí vai.
Só que Curso: Incerto não caiu tão bem. Não ganhou status cult. Não colou.

Com coisas como Superbad: É Hoje (2007) e Ligeiramente Grávidos (2007), o Frat Pack ocupa um espaço para um público jovem que o Brat Pack ocupava antes.
A minha opinião eu já disse lá em cima em forma de gif. Freaks and Geeks é muito legal, o resto é uma bobagem.

Outras coisas deveram muito aos filmes do Brat Pack. Um episódio de Dawson's Creek de 1998, por exemplo, se chama Detenção e é totalmente baseado em Clube dos Cinco (spoiler para quem não lembra: é IDIOTA). 10 Coisas que Eu Odeio Sobre Você (1999) traz esse ambiente colegial e atualiza a história de A Megera Domada de Shakespeare com a ajuda do charme de Heath Ledger. As Vantagens de Ser Invisível (2012), baseado no livro de Stephen Chbosky (que também dirigiu e fez o roteiro), é meio que um drama Hughes atualizado e mais dramático. Juno (2007), um roteiro de outra herdeira de Hughes, a Diablo Cody, traz um drama que nunca esteve no universo criativo de Hughes: a gravidez na adolescência. Cody já chamou Hughes de um dos seus "grandes heróis”.

“Hughes’ movies were my film school. As crazy as it sounds, The Breakfast Club is the first thing that I ever wrote about online. Ever. My brother got a dial-up modem a long time ago and we got on one of those like bulletin board-type chatrooms — very crude — and I just started asking people about it. And they told me to go away, because I didn’t understand chatroom etiquette at the time. I was interrupting the conversation between the other hardcore geeks on their dial-up modems. It was my first time being flamed. [Laughs] But it’s funny to me that my very first impulse was to talk about that movie. More than influencing me as a filmmaker, it influenced me as a person.”

— Diablo Cody para a Rolling Stone

Ellen Page e Michael Cera em Juno

Muita gente acha o filme melhor que os retratos de Hughes da adolescência. Gosto de ambos por motivos diferentes!

Bom, eu acho que tem uma outra série que pouca gente comenta que é muito hughesiana. MUITO. E é maravilhosa. Se você tiver chance, assista My Mad Fat Diary (2013-2015)!

Nico Mirallegro, Jodie Comer, Sharon Rooney, Dan Cohen (lá atrás) e Jordan Murphy em My Mad Fat Diary

Para começo de conversa, a série é inglesa. À sensação de inadequação inerente do adolescente, aqui também se acrescenta uma protagonista gorda e na luta pela sua saúde mental. Rae (Sharon Rooney) passou por uma instituição psiquiátrica por meses por causa de uma tentativa de suicídio e agora tenta reatar laços com a sua amiga de infância Chloe (Jodie Comer). A turma de Chloe acaba virando também sua turma, mas Rae procura esconder os problemas do seu passado recente.

A série se passa em 1996, portanto tem uma trilha sonora absolutamente PERFEITA com britpop e o pop dos anos 1990. Sinto-me em casa! Acho bem diferente de Skins, que para mim é mais novelão com momentos muito bobos.
Rae Earl realmente existe na vida real. A série se baseia em seus diários (daí vem o nome). Mas Finn (Nico Mirallegro) foi criado, e a história original se passa nos anos 1980.

Só de ouvir a música de abertura dá uma aquecidinha no coração e cai uma lagriminha!

Assista! Faça isso por você!

Para terminar com chave de ouro, queria falar sobre um tesouro que segue desconhecido até hoje.

Oil and Vinegar, o roteiro perdido

Em algum momento da história, existiu um roteiro de John Hughes chamado Oil and Vinegar, que seria protagonizado por Ringwald e Matthew Broderick e dirigido por Howard Deutch. Na mesma lógica de um dos maiores sucessos de Hughes Clube dos Cinco, Oil and Vinegar se passaria quase em sua totalidade dentro de um carro. Ringwald seria uma mulher pedindo carona, bem rock and roll, e Broderick seria um vendedor que viaja para as praças que ele precisa atuar de carro, está noivo e… dá carona para Ringwald. Tudo isso era uma desculpa para que ambos, daquele jeitinho bem Clube dos Cinco, se abrissem um para o outro em pegada existencial.

Dizem que Hughes acreditava tanto no roteiro que queria dirigi-lo ele mesmo. Deutch teria convencido-o a passá-lo para ele - porque também ficou encantado com o texto. Só que Deutch, segundo o próprio, deu para trás - estava estafado após Alguém Muito Especial e queria começar a fazer coisas só dele, a se desprender de Hughes. Jon Cryer conta uma versão diferente: na verdade Hughes não gostou desse interesse todo de Deutch e o desligou do projeto para tocá-lo sozinho.

Nessas idas e vindas, com o estúdio pedindo alterações (e Hughes não querendo reescrever o roteiro), Ringwald também diz que, na hora do vamos ver, ela acabou entrando em outro filme e abandonando o barco.

Essas páginas ainda devem existir em algum lugar. Seria certo fazê-lo hoje? Imagino que não: sem Hughes, sem Ringwald, sem Broderick? Resta-nos imaginar. Seria a versão melhorada de O Primeiro Ano? Seria melhor que Vida de Solteiro? Traria uma carreira mais prolífica e com hits para Ringwald nos anos 1990?

Ficam as perguntas.

Brat Pack parte 4: Clube dos Cinco

Guardei o GRANDE destaque para a parte 4, mas… você já viu os posts anteriores sobre o Brat Pack que eu mostrei aqui no blog? Não? Então leia-os antes, per favore! São eles:

. O que é o Brat Pack, afinal, e quem faz parte dele?
. Qual é o primeiro filme do Brat Pack? Há controvérsias…
. O trio de ouro do Brat Pack: Molly Ringwald, Anthony Michael Hall e John Hughes

Pronto? Podemos prosseguir?
Ah, e digamos o óbvio: ESSE POST CONTÉM SPOILERS DE CLUBE DOS CINCO.
Bora!

Brian (Anthony Michael Hall), Claire (Molly Ringwald), John Bender (Judd Nelson), Andrew (Emilio Estevez) e Allison (Ally Sheedy) com o diretor e roteirista John Hughes sentado na cadeira, de óculos

Hughes diz que fez o roteiro desse longa em apenas dois dias, entre 4 e 5 de julho de 1982 (4/07 é feriado nos EUA). A história toda se passa em um ambiente só, uma escola, e em um dia. São 5 jovens que estão em detenção por motivos diferentes e que, a princípio, acreditam que são muito diferentes entre si. Ao longo do dia, eles vão criar empatia entre si e descobrem que possuem questões e inseguranças comuns ao grupo.
Como explicar a importância desse filme para quem nunca assistiu? Fiquei pensando nisso e é inevitável cair no clichê já dito: Clube dos Cinco (1985) é um filme para adolescentes que não é uma comédia e sim um drama. Encara o jovem como alguém que possui problemas, muitas vezes negligenciado e agredido pelos adultos. Reforça a ideia maniqueísta que faz parte de toda a filmografia de Hughes, ainda que dessa vez sejam todos os jovens da tal "hierarquia estudantil", do esportista popular à menina esquisitona, contra um vilão adulto, o vice-diretor Vernon (Paul Gleason). Critica esse sistema educacional e o caráter punitivo de uma detenção: ela funciona? Ela redime?

Vernon: o inimigo é adulto. Representa o mundo das responsabilidades maduras - e o instigante é que o próprio Hughes não tinha lá muita maturidade emocional. Costumava pedir para os outros mandarem pessoas que ele tinha contratado embora, não gostava de lidar com os executivos. Preferia manter contato com os atores jovens - e depois, com crianças e o ator fetiche dele John Candy, que no fundo também tinha esse lado "criança grande”

Ringwald e Michael Hall nem fizeram teste - Hughes já havia trabalhado com eles em Gatinhas e Gatões (1984) e simplesmente os convidou para esse próximo longa. Existe uma teoria que Ringwald quis o papel de Allison mas ela mesma nega - faz sentido que ela quisesse Claire, algo diferente dela e do seu papel anterior. O casal, o mais novo do elenco, começou a namorar durante as filmagens.

Já papel de John Bender não foi de Judd Nelson logo de cara. Até Estevez queria fazer Bender mas acabou como Andrew. Ainda concorreram Nicholas Cage (!) e John Cusack (!!). Nelson levou, e parece que entrou tanto no personagem que ficou insuportável, incontrolável, ficava provocando Ringwald mesmo nos intervalos das filmagens (ela diz em entrevistas que não se importava, sabia que era um tipo de laboratório para a atuação). Mas Hughes era muito protetor em relação a Molly e chegou a mandar Nelson embora no começo das filmagens. Houve uma reunião que Sheedy dirigiu, e todos intercederam por ele com Hughes pedindo por uma segunda chance. E foi assim que Nelson seguiu no longa.

Judd Nelson e John Hughes: rusgas no set, mas sem o desempenho do ator como Bender, o longa talvez não seria tão poderoso

Ninguém do mercado cinematográfico botava muita fé no projeto, que tinha praticamente um cenário e poderia facilmente ser uma peça de teatro, com muito diálogo. E pelo menos uma cena foi cortada: a que a professora de educação física interpretada por Karen Leigh Hopkins seria vista pelada no vestiário através de um buraco na parede da biblioteca onde os 5 personagens principais estão. Hughes tem uma queda por esse tipo de cena tosca - lembra que em Mulher Nota 1000 uma menina que está tocando piano se vê em uma confusão quando a lareira começa a sugar todos os móveis da sala, inclusive a roupa dela... e ela mesma, de calcinha e sutiã?

Ringwald e Sheedy teriam protestado contra a cena machista e Hughes as ouviu. Leigh Hopkins acabou fora do longa. Ela é uma das roteiristas de Lado a Lado (1998), aquele dramalhão com Julia Roberts e Susan Sarandon. Mas nunca fez sucesso como atriz - será que as meninas estragaram a grande chance dela? Não dá para saber como ficaria o longa com essa cena, mas dá para concordar com elas que… nada a ver, né?

E Hughes tinha criado a cena provavelmente de caso pensado. Um dos executivos do estúdio chegou a reclamar para ele: “Não tem ação, não tem festa, não tem nudez", duvidando do apelo do longa para o público teen.

Você sabia que a clássica foto do cartaz

é da superfotógrafa Annie Leibovitz? A imagem ficou tão icônica que é parodiada o tempo todo: Homem-Aranha: De Volta ao Lar (2017), por exemplo, tem a sua versão

Esse é um trecho da letra de Changes de David Bowie que aparece no começo do longa - Sheedy, fã do músico, sugeriu que Hughes a usasse

Outra ideia de Ally: o lanche de Claire. Foi ela quem deu a ideia de ser sushi. Claire é bem zoada pelos outros por causa disso!

Claire e seu sushizinho! Dizem também que seu figurino inteiro foi comprado na Ralph Lauren - Hughes teria achado o figurino original pouco sofisticado. As botas parecem algo bem Ralph Lauren mesmo!

As cenas mais pesadas dos filmes são na verdade descritivas. Brian, por exemplo, confessa que o motivo pelo qual está na detenção é porque ele levou uma arma para a escola. Sua ideia era se matar - ele não aguentava a pressão imposta para tirar as melhores notas. Bender sofre agressões físicas do seu pai - o velho papo da violência gerar violência.

Ah, e as razões pelos quais os outros estão em detenção?
Andrew colou a bunda de um menino zoado com fita porque queria se mostrar para os amigos. Claire faltou para fazer compras - claro. Bender ligou o alarme de incêndio.

E Alisson?
É o melhor personagem de todos, na minha humilde opinião. O seu desespero por ser ignorada pelos pais faz com que ela esteja na detenção, segundo a própria, porque não tinha nada melhor para fazer, simplesmente. Não dá para ter certeza: sua personagem mente, é misteriosa, só fala depois de quase 30 minutos de filme. O momento mais tocante é esse:

Dizem que o respeitado crítico de cinema Roger Ebert visitou as filmagens quando essa cena foi gravada. Ele chorou junto.

Falando em momentos clássicos de Clube dos Cinco: e a cena da dança com eles doidos de erva?

No roteiro original, só a Claire dançava, tipo coreô da doida que está fumada. Molly implorou para Hughes para não fazer a dança sozinha. Nunca disse, mas dá para entender: acho que ela tinha medo de ser zoada pelo resto do elenco, mesmo!

Outros improvisos:
. Brian dizendo que tinha uma identidade falsa para… votar. Ideia do próprio Anthony Michael Hall.
. O punho fechado para cima de Bender no fim do longa. Hughes pediu para Nelson ir improvisando ações, e o punho foi escolhido.

E fatos peculiares:
. A caspa de Allison é parmesão. Ufa.
. As cenas foram filmadas em sequência, na ordem do roteiro, coisa muito rara em Hollywood. Isso deve ter ajudado os atores no desenvolvimento de seus personagens.
. Hughes aparece no longa como pai de Brian. A mãe é Mercedes Hall, que é a mãe de Michael Hall na vida real. Mercedes é uma cantora de jazz - o que é engraçado porque é mais uma coisa em comum com Ringwald, cujo pai é pianista de jazz.
. A estátua que fica no meio da biblioteca é uma versão da obra Standing Figure, Knife Edge de Henry Moore. A original fica no parque Greenwich, em Londres.

“I was amused that some of my stuffier colleagues were chagrined at this film’s pro-teen, anti-parent bias. Are teens really so threatening?”

— Philip Wuntch, crítico do The Dallas Morning News

De um lado da trincheira, a Geração X, que só conseguia pensar em si mesma e nunca chegaria aos pés da construção do American Way of Life ou da ideologia cheia de propósito dos que vieram antes. Do outro, os babyboomers que se perguntavam: do que raios esses jovens reclamam tanto? Hughes e o filme claramente estão do lado do primeiro grupo.

Por fim, existe uma teoria misteriosa e nunca confirmada que Hughes teria um script de uma sequência de Clube dos Cinco. Ele morreu em 2009 e isso ainda não veio à tona, 10 anos depois. Será que existe mesmo? E como seria?
Recentemente perguntaram para Judd Nelson sobre o que ele achava de um remake de Clube dos Cinco. Ele disse: "Sem Hughes? Nunca!” Também existe a teoria de que o servente da escola Carl (John Kapelos) seria uma representação do que Bender se tornaria quando virasse adulto. Mas, na mesma ocasião, quando perguntaram para o ator onde ele imaginaria que Bender estaria hoje, ele respondeu:

"Na Casa Branca".

Se você gostou do texto ou gosta do Clube dos Cinco, é sinal que tem bom gosto. Então talvez também curta esses posts:
. The Farewell, o novo filme com Awkwafina, é delicado e muito bom!
. Midsommar: como um filme tão perturbado pode ser tão bonito?
. O racismo asiático no retrato de Bruce Lee em Era Uma Vez em Hollywood

AH: e o próximo post dessa sequência Brat Pack é sobre um filme que é pior que esse Clube dos Cinco, mas que é legal mesmo assim, vai. Alguém adivinha?

O que foi chique nos anos 1990?

Geral falando do clipe da Normani, né? Confesso que já assisti um pouco atrasado. Motivation é o primeiro single solo da ex-Fifth Harmony e traz as mãozinhas da hit maker Ariana Grande na sua composição. O clipe é cheio de homenagens aos anos 1990 - sendo que ela mesma nasceu em 1996, então não curtiu essas referências como nós, véias cansadas.

A i-D fez um compilado das refs nesse post aqui.
O que eu achei? Normani é linda e tem star quality, mas a música não chega a ser um blockbuster.
Posso estar enganado - não entendo coisa alguma do gosto da geração Z. Também achei 7 Rings uma bobagenzinha e olha aí no que ela se transformou.
Mas acho que Normani ainda precisa de uma Havana uh-nana, para ficar na referência de sua ex-colega e, dizem as más línguas, nêmesis, Camila Cabello.
E olhando para as refs da Normani comecei a viajar nos anos 1990. E no pessoal resgatando a década agora. A coisa vai de grunge ao minimal limpo passando bastante pela estética hip-hop, mix de sports e streetwear. Mas tem uma coisa dos anos 1990 que, pelo menos na minha lembrança, era muito chique e ainda teve pouca gente olhando nos últimos tempos. Sei que não era o objetivo da Normani fazer uma coisa “chique”, foi só uma viagem mesmo. E na falta de ter um nome para isso, vou dar uns exemplos. A começar pelo ícone…

Jarvis Cocker

Para mim, o vocalista do Pulp que era chique e o resto eram tentativas frustradas

Ajuda o fato de que no meio dos anos 1990 eu era tão magro quanto Jarvis. O metabolismo muda, né?

Para os indies - sim, eu era indie - era bacana se referir aos mods no jeito de se vestir. Ou para os indies gays? Sei lá.

Pizzicato Five

Ai, que saudade, chego a lacrimejar

A formação clássica (que nem é a original, já que houve alterações no começo) traz Maki Nomiya, Yasuharo Konishi e Keitarô Takanami e foi um dos expoentes mais famosos do Shibuya-kei nos anos 1990. Na época, o bairro de Shibuya era um fervo, o lugar para se estar em Tóquio. Bandas como Flipper's Guitar, Original Love (que eu também adoro) e Pizzicato Five colocavam referências do pop dos anos 1960 no liquidificador mas soavam bem contemporâneas. Só que o que eu realmente curtia no P5 não era só a música - existia uma preocupação estética em tudo o que eles faziam que me deixava ainda mais instigado. Nomiya era modelo quando foi pinçada para ser a vocalista deles; pose e close não faltavam.

Muita gente comparava o P5 com o Deee-Lite na época, quando eles eram um trio - esteticamente até fazia sentido, no fundo Nomiya era uma rainha da montação clubber assim como Lady Miss Kier. Mas o P5 também tinha um toque artsy à Andy Warhol que o Deee-Lite não tinha.

Embalagens lindas me fizeram gastar MUITO dinheiro de mesada

Liz Phair

Achava chique e continuo achando chique até hoje. Por quê? Não tenho certeza: uma mistura do ar blasé ao falar palavrão, da voz que soa mais natural, um charme pé no chão meio Kim Gordon

Eu gostava tanto da Liz Phair que devo ter gasto boa parte da internet discada que rolava em casa baixando coisa dela no Napster e fazendo CDs gravados com quilos e quilos de MP3. Tinha tudo, até as demos que ela fez antes de lançar o primeiro álbum Exile in Guyville (1993).

Numa época em que todo mundo era grunge ela já era só alternativa. Isso até 2003, quando ela lançou um disco homônimo que trazia músicas produzidas pelo The Matrix. Foi bem esquisito, mas várias entraram nessa mais ou menos na mesma época: Jewel com 0304 (2003) e Nelly Furtado com Loose (2006). Parecia que o mundo da música estava reagindo às princesas Britney Spears e Beyoncé e se preparando para um nova era do pop que estava para começar com Lady Gaga, Katy Perry e Rihanna. Dessas que entraram na onda, só Nelly se saiu melhor, e parece que até ela, hoje, se afasta desse passado apesar de não necessariamente renegá-lo. Mas isso eram os anos 2000, né? Voltemos.

Winona Ryder

Sim, a moça do Stranger Things…

Em 2001, Winona foi pega roubando na Saks Fifth Avenue de Beverly Hills. Remédios e depressão pareciam ter apagado o brilho da atriz, mas não o carisma. O mundo pop cometeu isso:

Sim, essa é Winona usando uma camiseta Free Winona. Ela também apareceu numa capa da W Magazine vestindo a mesma peça

Mas antes disso, Winona já era um sucesso. Quem é novo agora não tem como saber como ela era um símbolo máximo nos anos 1990. Musa da Geração X - o que no fundo é meio peba porque veja só a Geração X como está, né? Um exemplo é o filme Caindo na Real (1994) de direção de ninguém menos que Ben Stiller.

Risos. Bom, isso tudo para dizer que antes do ícone Kate Moss, houve o ícone Winona Ryder (e, aliás, antes de Kate & Johnny Depp, houve Winona & Johnny Depp).

Sade

Afffff que mulher fina!

Música de publicitário quando quer criar um clima sexy? Talvez. Mas eu acho Sade incrível, com uma voz e um talento incríveis. E para quem não acredita em sereia negra: existe desde 1992, cantando No Ordinary Love, e é MARAVILHOSA.

Sade existe desde a década de 1980, mas foi nos anos 1990 que saiu a coletânea The Best of Sade. Foi com ela que muita gente realmente se apaixonou. Em certo momento dos anos 2010, virou moda usar camiseta com imagens de Sade entre os rappers. Kanye West foi um dos maiores entusiastas dessa mania.

Quer saber? Chique!

Ah, eu tenho um bônus

No Brasil a coisa estava difícil. Tinha pouca coisa chique por aqui. Mas, para você ter noção, uma das coisas chiques era…

Suzana Vieira em Mulheres de Areia (1993)

É, meu bem, o tempo passa

ATUALIZAÇÃO MINUTOS DEPOIS DA PUBLICAÇÃO: siiim, tem isso aqui…

The Matrix (1999)

É quase 2000, na verdade, e resume a estética minimalista para a era da Internet

Quem tem se referido muito à estética Matrix é o estilista Demna Gvasalia na Balenciaga.

Sinceramente acho CHIQUÉRRIMO, apesar de meio redundante - quase um xerox, né? Mas eu gostava sim.

Quem não se sentiu meio existencialista refletindo sobre Matrix que atire o primeiro byte

Com a notícia de que Matrix vai voltar COM Keanu Reeves, as especulações fervem. Confira uma série de teorias sobre como será a história desse Matrix 2020.